La Festa del Redentore di Venezia è una delle ricorrenze storiche a cui i Veneziani sono più legati e l’aspetto scenografico della Festa del Redentore è un ottimo motivo di attrazione a livello turistico. La festa del Redentore si tiene ogni terza domenica di luglio ed è ricca di solenni momenti religiosi. Ma il clou è il sabato notte: con un inimitabile Bacino San Marco a fare da sfondo, giochi di luce e di riflessi animano un florilegio di colori che pervadono le guglie, le cupole e i campanili della città.

Al termine del week-end si tiene la tradizionale regata su gondole.
Il motivo storico che ha determinato questa ricorrenza è stata la peste che colpì Venezia intorno al 1575: allora la città Serenissima era altamente popolata e la malattia ridusse la popolazione di un terzo.
La reazione di quella che allora era ancora una delle città più potenti dell’Occidente fu la delibera che il Doge pronunciasse il voto di erigere una chiesa dedicata al Redentore. Inoltre, ogni anno successivo, la città di Venezia avrebbe reso onore alla basilica, nel giorno in cui fosse stata dichiarata libera dal contagio. Ad un anno circa dalla delibera, il 13 luglio 1577, la pestilenza fu dichiarata debellata e si festeggiò questa la liberazione la terza domenica del mese di luglio, con una festa che fosse al contempo solenne e popolare.
Ancora oggi è una celebrazione sentita: la tradizione vuole che al tramonto le imbarcazioni, perfettamente addobbate con frasche e palloncini colorati e ben illuminate, comincino ad affluire nel bacino di San Marco e nel Canale della Giudecca. In barca si consuma una cena a base di piatti della tradizione veneziana, in attesa dello spettacolo pirotecnico, che inizia alle ore 23.30 e dura fino a mezzanotte inoltrata. Quindi le barche tornano lentamente verso casa oppure puntano, come vuole la tradizione, verso il Lido di Venezia, in attesa dell’alba.
Inoltre per consentire l’afflusso diretto alla basilica del Redentore viene allestito un ponte provvisorio su barche (lungo ben 330 metri) che attraversa il canale della Giudecca.
Si tratta di uno spettacolo unico: la superficie dell’acqua è letteralmente brulicante di migliaia di luci e di barche.
L’aspetto del Tempio del Redentore si deve alla genialità e all’arte di Andrea Palladio a cui fu affidato il compito della progettazione. Il Tempio fu ultimato e consacrato nel 1592 a soli 15 anni dalla posa della prima pietra!

Regata del Redentore - Giovanissimi su pupparini a 2 remi - ore 16:00
Percorso di Regata: Partenza dal Redentore - Canale della Giudecca - giro del "paleto" all'altezza di Sacca Fisola - ritorno e arrivo nei pressi della Chiesa del Redentore.

Regata del Redentore - Uomini su pupparini a 2 remi - ore 16:45
Percorso di regata: Partenza dal Redentore - Canale della Giudecca-Canale di Fusina - giro del "paleto" all'altezza di S. Giorgio in Alga - ritorno e arrivo nei pressi della Chiesa del Redentore.

Regata del Redentore - Uomini su gondole a 2 remi - ore 17:30
Percorso di regata: Partenza dal Redentore - Canale della Giudecca-Canale di Fusina - giro del "paleto" all'altezza di S. Giorgio in Alga -ritorno e arrivo nei pressi della Chiesa del Redentore.

Fonte:
- http://www.comune.venezia.it
- http://www.vogaveneta.it
- http://www.wikipedia.it/

Immagine: Wikipedia

La furia iconoclasta con cui il nuovo governo si sta scagliando contro tutto ciò che è pubblico in nome della sua inefficienza (ovunque e comunque), sembra far derivare l'efficienza/utilità di un'organizzazione, di un ente o di un servizio direttamente dal numero di persone impiegate e/o dal numero di ore lavorate. Il tutto, potremmo dire, alla cieca (almeno apparentemente).

Interessante, quindi, soffermarsi su uno degli effetti dell'art.26 del famigerato DL Brunetta [pdf] (elevato a Verbo del novello Leviatano), che prevede la soppressione entro 60 giorni degli enti pubblici non economici con organico inferiore a 50 persone:

la chiusura del Museo storico della Liberazione di via Tasso (che ha sede nell'edificio che fu prigione della Gestapo a Roma) e la sua "sostituzione" con un organo ministeriale.

A prescindere dal valore simbolico (e politico) che avrebbe questo atto, mi sembra giusto riportare quanto sottolineato sul sito del Museo a questo proposito:

• il Museo grava sul bilancio dello Stato solo per un contributo ordinario di circa 51.000 € annui previsti per legge e per il trattamento economico dell’unico dipendente comandato (dei 2 previsti); si sostiene quasi per intero grazie al lavoro di collaboratori volontari o remunerati occasionalmente.

• il Museo svolge una fervente attività didattica e storica nei locali dell’ex-carcere nazista; nell’anno scolastico appena concluso vi è stato un boom di visite scolastiche con ben oltre 13.000 presenze; in alcuni giorni si sono registrati picchi di 125 studenti.

• Da ottobre 2007 la stazione metro “Manzoni” di Roma reca indicazione Museo Storico della Liberazione, ciò ha fatto crescere le visite di ospiti internazionali. Scorrendo il registro delle presenze si incontrano con elevata frequenza, quali luoghi di provenienza dei visitatori, i paesi più diversi di Europa (Finlandia, Olanda, Croazia, Polonia, oltre che Germania, Svizzera, Spagna, ecc.), ma anche Usa, Canada, Messico, Argentina, ecc. fino a Benin, Burkina Faso ed altri paesi africani e asiatici.

• Il Museo Storico della Liberazione è stato di recente invitato a far parte dell'International Coalition of Historic Sites Museums of the Conscience e fa parte della rete italiana dei luoghi della memoria.

Non mi sembra il caso di dover aggiungere altro.

Poiché non conoscevo neanche questo museo, sono andata a curiosare sul sito per saperne di più e ho scoperto che nell'esposizione permanente

articolata su sei locali, la storia dell’ideale di donna è narrata attraverso degli esempi. Ogni due, tre anni viene scelto un argomento principale, che viene elaborato dal punto di vista tematico o da quello cronologico, a seconda di quale dei punti di vista sia il più idoneo. Gli esempi che mostriamo ci aiutano a svelare relazioni nascoste tra fenomeni differenti.

Nell'esposizione si è scelto di non uniformarsi

...ai canoni dominanti del minimalismo espositivo. [...]

La nostra collezione ci consente di mantenere un "filo rosso” attraverso la moda e gli oggetti della vita quotidiana. Partiamo dal principio che la moda è lo specchio della società e interpretiamo lo “spirito del tempo” (zeitgeist) di ogni epoca sulla base dei suoi diversi modi di manifestarsi.

Lo stesso vale per gli oggetti d’uso quotidiano. Ogni oggetto che ha trovato spazio nella vita domestica, ogni nuova attività introdotta in una determinata epoca (per esempio le prime “professioni femminili”, o l’introduzione dello sport femminile nel corso degli anni ’20 del XX sec.) è legato a specifiche speranze, a specifici fini.

A posteriori ci è possibile esaminare se queste speranze erano giustificate, se i fini che un determinato oggetto suggeriva, sono stati raggiunti.

Mi sembra una riflessione interessante...

I PERICOLI DI UNA MONOCULTURA E IL RISCHIO DI CANCELLARE LE DIVERSITÀ CULTURALI.

Un documento di ICOM Italia sottoscritto da AMACI, AMEI, ANMLI, ANMS, SIMBDEA

Premessa

Alla metà degli anni Settanta, l’innovazione introdotta dai “nuovi” Assessorati alla Cultura degli Enti locali puntò molto sulle mostre come strumento per innovare le politiche nel campo dell’arte e della cultura e per allargare la base sociale dei suoi pubblici. Fin dai suoi inizi la scelta di privilegiare gli eventi, insieme a un indubbio consenso per lo svecchiamento e la vivacizzazione di un ambito poco toccato dai grandi cambiamenti degli anni Sessanta, suscitò anche perplessità e dubbi sull’effettiva efficacia di un intervento pubblico più disponibile a favorire l’effimero che a riformare le istituzioni culturali esistenti.

Questa nuova disponibilità pubblica creò anche le condizioni per l’affermarsi di nuovi soggetti economici, attivi non solo nel campo delle mostre, ma anche in quello della musica, del teatro, dello spettacolo ecc., che iniziarono a influenzare le stesse politiche pubbliche, sovente determinate più dall’offerta che dalla domanda di cultura.

Nel settore delle mostre si è assistito non solo alla loro proliferazione, ma anche a una loro crescente differenziazione, a seconda che a gestirle fossero le istituzioni museali o gli enti, piccoli o grandi operatori privati, che si puntasse sulla valorizzazione delle collezioni esistenti o sulla loro circolazione, sul valore scientifico o sul ritorno economico, generando esposizioni di diversissima qualità e impatto, tanto sul piano economico e occupazionale quanto su quello culturale.

Va anche notato che in questo ambito si è assistito a un processo di differenziazione di scala degli eventi, con la concentrazione dei “grandi” eventi nelle mani di pochi gruppi economici, i soli in grado di sostenere la produzione di mostre di grandi dimensioni, dai costi sempre più elevati. La loro principale attrattività risulta legata  all’impatto mediatico che gli ingenti mezzi investiti in comunicazione e promozione suscitano. 

Negli ultimi dieci anni, il progressivo ridursi delle risorse pubbliche disponibili, nonostante l’intervento economico di supporto delle Fondazioni ex bancarie, ha finito con esasperare l’alternativa fra le politiche dell’effimero e quelle a favore del patrimonio e delle istituzioni culturali. Le grandi mostre (o mostre-evento o mostre-spettacolo) finanziate dalle Pubbliche Amministrazioni e dalle Fondazioni ex-bancarie, spesso prive di qualsiasi relazione con la città e con il territorio sono entrate in un’oggettiva quanto impropria competizione con le istituzioni museali locali, depotenziandole, mortificandone l’attività e talvolta anche paralizzandole temporaneamente.

Molti professionisti e volontari dei musei italiani sempre più preoccupati per le ricadute di questa tendenza, si sono rivolti alle proprie associazioni chiedendo loro di prendere posizione contro un uso del denaro pubblico che finisce per sottrarre risorse essenziali non solo allo sviluppo, ma anche all’ordinaria gestione delle istituzioni pubbliche permanenti preposte alla conservazione, allo studio e all'esposizione dei beni culturali: i musei.

I punti critici

Le questioni che più toccano la comunità dei professionisti dei musei italiani, che trova rappresentanza in ICOM Italia e nelle altre Associazioni riunite nella Conferenza permanente delle associazioni museali italiane (ANMLI, SIMBDEA, ANMS, AMACI, AMEI), sono  in particolare le seguenti:

I problemi etici e deontologici connessi alla pratica di alcuni musei di “noleggiare” le proprie opere a terzi per iniziative espositive.

I costi esorbitanti delle mostre blockbuster che tendono a prosciugare i già risicati finanziamenti e ad assorbire quote rilevanti dei sempre più ridotti bilanci della cultura degli enti locali,  a scapito delle istituzioni permanenti, come i musei.

La competizione impropria che si determina tra le mostre-evento di natura prevalentemente commerciale e le attività delle istituzioni culturali permanenti, con conseguente drenaggio di risorse e visitatori a danno di queste ultime e conseguente rischio elevato di determinare nel medio lungo periodo una desertificazione culturale e una monocultura dell’evento.

L’opportunità che Enti locali e Fondazioni ex bancarie provvedano a investimenti di denaro pubblico così rilevanti su attività dal carattere marcatamente effimero.

Il gruppo di lavoro di ICOM Italia

Il Consiglio direttivo di ICOM Italia, in accordo con altre associazioni dei professionisti dei musei

(ANMLI, SIMBDEA, ANMS, AMACI, AMEI) ha costituito, nella propria riunione del 5 aprile 2008

un gruppo di lavoro sul tema Mostre e Musei, che ha prodotto un documento, approvato a

Mantova il 18 maggio dal Consiglio Direttivo di ICOM Italia e dall'Assemblea dei Soci.

Il documento è stato, quindi, firmato anche dalle associazioni: ANMLI (Associazione Nazionale dei Musei Locali e Istituzionali), SIMBDEA (Società Italiana per la Museografia e i Beni DemoEtnoAntropologici), ANMS (Associazione Nazionale dei Musei Scientifici), AMACI (Associazione dei Musei di Arte Contemporanea Italiani), AMEI (Associazione Musei Ecclesiastici Italiani).

Questo documento, oltre a una serie di analisi, contiene delle Raccomandazioni che ICOM

Italia, e le altre associazioni museali sottopongono alle Pubbliche Amministrazioni e al pubblico

dibattito e confronto.

1.    Le grandi mostre  (o meglio: le mostre-evento a carattere commerciale, dette anche blockbuster = “spaccabotteghini”) sono un fenomeno affermatosi da più di un secolo; da non rifiutare a priori (perché di per sé esse possono costituire anche un fattore positivo di sviluppo e diffusione della cultura, come lo furono le grandi Esposizioni nel secolo XIX) ma da non lasciar proliferare senza controllo; e, soprattutto, da non confondere con i musei e la loro missione.

Le Amministrazioni non possono chiedere ai musei di competere con le mostre evento e con i costi e profitti che esse generano, alla ricerca di una redditività – mediatica, politica, economica – che non corrisponde a quella che prima di ogni altra può e deve offrire il museo, che è invece culturale ed educativa.

Come ha evidenziato una recente ricerca commissionata dalla Regione Lombardia all’Università Bocconi su due eventi realizzati nell’arco del 2006 ( la Mostra “Gauguin-Van Gogh: l'avventura del colore nuovo” a Brescia e il Festival della Letteratura di Mantova) : “In Italia ogni anno vengono allestite più di 1600 mostre: per ogni grande successo vi sono decine di dolorosi fallimenti […] i tempi sono maturi per riconoscere che anche nel settore delle mostre, come nel mercato dell’editoria, esistono prodotti differenti che si rivolgono a pubblici diversi: mostre best seller e mostre di nicchia…” . Nell’introduzione alla ricerca si afferma inoltre “che in Italia non vi è spazio per più di due progetti espositivi dotati di caratteristiche simili e allestiti simultaneamente in aree distanti non più di 300 km. Il mercato è piccolo e il pubblico, come si è desunto dai dati sulle frequenze di visita, è prossimo al raggiungimento di soglie di saturazione quasi fisiologiche.”

In un precedente saggio (Gli eventi espositivi 1990-2002)  lo stesso autore della ricerca, Guido Guerzoni, osservava che il modello di marketing su cui esse si basano è obsoleto, fondate come sono “sulla convinzione che l’incremento sostanziale del numero di visitatori produca effetti benefici in termini economici. Tale convinzione risulta paradossalmente contraria alle attuali tendenze del marketing management delle imprese, che tende invece a privilegiare la personalizzazione del sistema di offerta, la fidelizzazione della customer-base, la microsegmentazione. [...]

Il popolo delle mostre ha un budget di risorse e tempo limitato. É impensabile che tutte le grandi mostre organizzate nel Nord Italia possano avere successo perché il bacino del pubblico è quello che è, e quello rimane: il successo mantovano è pagato da Cremona e Ferrara, quello trevigiano da Trieste e Padova, quello aretino da Siena e Livorno, etc.”

Come accertano le molte ricerche sull’argomento, il frammento di popolazione che frequenta manifestazioni artistiche è definito e si limita ad aumentare impercettibilmente di anno in anno. Ne consegue che le mostre tendono inevitabilmente a sottrarre visitatori ai musei e che, come tutti noi abbiamo sperimentato, l’effetto è di medio-lungo periodo.

Sulla base dei dati in nostro possesso ci è anche possibile contraddire un'altra argomentazione usata dai fautori delle mostre: il dato che il pubblico toccato per la prima volta dall’arte in queste mostre-evento vada successivamente ad incrementare il pubblico dei musei. Basti citare il caso del Museo di Santa Giulia di Brescia, che prima delle grandi mostre organizzate dalla società Linea d’Ombra era arrivato con le sue attività a sommare 93.759 visitatori (2003), numero che nel 2007 si è drasticamente ridotto a 38.187, ovvero a un livello di gran lunga inferiore a quello raggiunto nel 1998  (48.000 circa).

È vero invece che i musei si devono conquistare il proprio pubblico con le attività scientifico-didattiche quotidiane, con propri eventi, con il radicamento profondo nella società che li circonda. E anche con mostre proprie che vedano protagonisti i musei, le loro collezioni, le loro ricerche, i loro restauri, la loro missione.

Per i musei, quindi, le mostre sono un necessario laboratorio di idee e di esperienze: ma a patto che esse siano legate al museo che le produce o che partecipa alla loro produzione.

É  noto che gran parte dei musei stranieri organizza proprie mostre, anche con grande successo di pubblico. Viene perciò naturale chiedersi per quale ragione ai musei italiani sia negata tale possibilità di crescita, a tutto vantaggio di spazi espositivi autonomi o di operatori occasionali con finalità di lucro che interagiscono con il museo sollecitando e ottenendo il disallestimento di intere collezioni per cedere spazi a mostre piovute dall'alto.

Raccomandazione n. 1

ICOM Italia chiede alle Pubbliche amministrazioni, alle Fondazioni ex-bancarie e ad altri sponsor/mecenati di distinguere i finanziamenti per le mostre-evento effimere e commerciali  da quelli per le istituzioni culturali permanenti e di finanziare queste ultime con maggiore costanza e altrettanta generosità, visto il loro duraturo  ruolo educativo e sociale  verso i più diversi tipi di pubblico e il dovere di conservare integri (anche moralmente)  i patrimoni dei musei per le prossime generazioni. I finanziamenti agli eventi effimeri non possono soverchiare e annientare quelli alle istituzioni culturali permanenti; pena il rischio di cancellare le indispensabili diversità culturali.

ICOM Italia raccomanda che  i direttori e il personale tecnico-scientifico dei musei siano coinvolti  nella programmazione delle attività espositive anche se realizzate in altre sedi,  partecipino alla loro ideazione e progettazione anche quando esse siano organizzate da soggetti esterni; a tutela della loro scientificità, della valorizzazione delle risorse locali, dei patrimoni del territorio e delle istituzioni culturali locali (musei, università, Associazioni, ecc.); evitando anche che esse siano qualitativamente deficitarie, ripetitive, eteroprodotte e senza valore aggiunto culturale per la città e le sue istituzioni.

2.      I musei-spettacolo e i loro costi materiali e morali.

Oltre alle “grandi” mostre-spettacolo, nell’ultimo decennio del secolo XX e nel primo del sec. XXI, anche nel mondo dei musei europei si sono sempre meglio delineate  pericolose tendenze dominanti: la costosa spettacolarità di edifici e di allestimenti, che attirano i consensi dei media; la commercializzazione e privatizzazione delle attività; il tentativo di far assomigliare il museo a una impresa for profit.

A fronte di tale fenomeno, nel passaggio tra i due millenni si va altrettanto nettamente affermando una economia basata sulla conoscenza e sulla creatività; l’ascesa di nuovi soggetti sociali e quindi di nuovi pubblici; la trasgressione delle frontiere intellettuali; la contaminazione dei saperi; la crescita di città multietniche e multiculturali, le cui comunità chiedono strumenti per ridefinire o definire le proprie identità. Tra questi strumenti un ruolo sempre più importante sembra toccare all’istituzione museo, come luogo di produzione culturale e di rappresentazione delle identità dei nuovi cittadini. I musei sono quindi responsabili di una sempre più diffusa e approfondita opera di educazione, che ha raggiunto segmenti di pubblico, e gruppi sociali che non si erano ancora avvicinati ai musei.

Non si deve dunque dimenticare che i musei sono anzitutto un luogo di pensiero, di memoria, di riflessione, di ricerca continua; il che può voler dire anche di contraddizione e di contestazione nei riguardi di tutto quanto li circonda. Se essi possono dunque stare tranquillamente alle regole di un mercato civile, non possono certo assecondare la tendenza a fare di quella economica l’unica cultura riconosciuta.

La cultura ha bisogno assoluto della varietà e della complessità, da vivere come una ricchezza e non come un problema. Il rischio che accomuna i grandi musei-spettacolo e le mostre-evento è infatti quello di produrre attorno ad esse la desertificazione culturale, ovvero la perdita di una risorsa fondamentale qual è la diversità.

Ciò significa anche la cessazione delle attività di elaborazione e produzione culturale da parte dei musei. Si tratta di un danno sociale a lungo termine, non sufficientemente percepito, ma esiziale per la società della conoscenza e della formazione. Poiché questo modello di società è l'unico che nel contesto della globalizzazione assicura ancora al nostro Paese un vantaggio competitivo, non si tratta quindi solo di un danno culturale e sociale enorme, ma anche di un vero e proprio danno economico.

Raccomandazione n. 2

ICOM Italia  chiede alle Pubbliche amministrazioni,  alle Fondazioni ex-bancarie e ad altri sponsor/mecenati di finanziare le attività istituzionali, di ricerca, educative e sociali dei musei per i loro valori  permanenti, evitando di porle in alcun modo in un’oggettiva competizione con eventi espositivi a carattere effimero; in modo tale da affermare sempre più il valore di una cultura non consumistica e di una economia basata sulla conoscenza e la creatività.

3.    Problemi etici e deontologici, anche in relazione alla missione dei musei contemporanei.

Le domande che ci poniamo sono gravi: dove stanno andando alcuni grandi musei? É  ammissibile che essi prestino a pagamento le proprie opere? 

Il Codice di deontologia dell'ICOM per i musei, vigente dal 1986, all'art.2.16 enuncia chiaramente il principio che “le collezioni dei Musei sono state costituite per le comunità di cittadini e non devono essere in nessun caso considerate degli attivi finanziari.”  Il prestito a pagamento rischia di introdurre nei musei un pericoloso slittamento di senso dello stesso status delle collezioni e l’idea che esse siano costituite da oggetti commerciabili e non da beni inalienabili. Il presidente del Comitato ICOM per la deontologia, Geoffrey Lewis, ha sempre affermato che le collezioni dei musei devono essere considerate un patrimonio comune e perenne, per principio inalienabile. Ovvero diremmo noi, una risorsa non rinnovabile, che pertanto esige una politica orientata alla sostenibilità.

Il prestito di opere a pagamento, oltre a comportare il rischio di una lievitazione generale dei costi delle mostre, e conseguentemente a emarginare le istituzioni che non hanno le risorse necessarie per sostenere anche questo costo, si colloca in una logica di mercato privato dei beni culturali, antitetica al concetto stesso di museo come pubblico servizio. Il museo è un servizio pubblico, perché finanziato con risorse pubbliche e perché è aperto e posto a disposizione del pubblico che contribuisce alla formazione delle sue collezioni, alla loro conservazione, al loro studio e alla loro comunicazione ed esposizione, acquisendo il diritto che esso operi al servizio della società e del suo sviluppo.

Nel momento in cui le collezioni, fondamento e ragion d’essere del museo, sono piegate a una logica di pura redditività il fine pubblico del museo passa in secondo piano, sostituito da una logica di profitto privato.

Raccomandazione n. 3

ICOM Italia chiede ai musei italiani privati e pubblici di non praticare le loan-fees sui prestiti delle proprie opere a mostre, in modo da non mettere a rischio il valore immateriale e non commerciale dei beni culturali, anche in ossequio al dettato delle recenti modifiche al Codice dei Beni Culturali e del Paesaggio che vietano di considerare i beni culturali come merce e  per non essere costretti, in un momento di progressiva riduzione delle risorse pubbliche, a prendere decisioni motivate esclusivamente da un immediato beneficio economico e non da considerazioni di opportunità culturali.

ICOM Italia si impegna a porre questa questione in sede internazionale al Comitato per la deontologia dell’ICOM, avviando sin d’ora i contatti con i Comitati ICOM nazionali e internazionali affinché questo impegno coinvolga i musei e i professionisti di tutti i paesi interessati.

4.    Costi, vantaggi e problemi economici.

Le mostre di massa non sono operazioni redditizie per la collettività, non si autofinanziano mai completamente, e richiedono perciò cospicui contributi in denaro da parte degli enti pubblici, non di rado superiori al 50% del loro costo. Anche le vantate ricadute/benefici sul territorio sono state, come indicato dai risultati di ricerche specifiche, molto inferiori alle aspettative, limitate a categorie economiche che raramente partecipano alla copertura del costo e comunque di breve durata. 

A fronte dell’esborso richiesto alla collettività, i processi decisionali connessi a tali eventi sono quasi sempre del tutto estranei alla comunità di riferimento, anche economica, poiché la loro organizzazione “chiavi in mano” è affidata interamente ad attori esterni alla comunità stessa.

Anche il decantato ritorno in termini di marketing turistico risulta opinabile, muovendo tipologie di visitatori con bassissima ricaduta territoriale (turismo giornaliero “mordi e fuggi”).

Effetti positivi e permanenti sul turismo si possono viceversa ottenere con la valorizzazione di quanto di peculiare ogni sito conserva e che nei musei locali ha un punto di forza.

L’investimento sui musei è un beneficio duraturo per le città; come hanno dimostrato, ad esempio, i grandi investimenti in Germania sui vecchi e nuovi musei a Berlino e a Monaco di Baviera.

Raccomandazione n. 4

ICOM Italia chiede alle Pubbliche amministrazioni, ai privati gestori dell’organizzazione delle mostre  e alle Fondazioni ex-bancarie di rendere pubblici e trasparenti i bilanci delle mostre e di svolgere indagini prima e dopo le mostre sul gradimento del pubblico e sull’impatto turistico, economico e culturale complessivo sul proprio territorio di tali eventi, anche nel medio-lungo periodo. Ovvero di adottare metodi di indagine e indicatori di successo o insuccesso complessi, quali i Balanced Scorecards (BSC), superando i limiti della contabilità economico finanziaria tradizionale.

5.    Gli effetti “collaterali” sulle istituzioni permanenti (musei, biblioteche, teatri,…).

Per recuperare risorse economiche da destinare alle mostre-evento le Pubbliche Amministrazioni molto spesso procedono diminuendo i fondi destinati ai musei, anche riducendoli alla mera sopravvivenza; non di rado tenendoli chiusi, o trovandosi costretti a diminuirne l’orario di apertura.  Sempre più spesso per trovare uno spazio alle mostre  si è arrivati addirittura a smantellare allestimenti museali onerosi, finanziati dalle stesse Pubbliche Amministrazioni, o sono stati realizzati edifici semipermanenti, destinati a ospitare i servizi commerciali delle mostre, anche in aree di interesse monumentale, vincolate dalle Soprintendenze.

Casi del genere si contano numerosi, e negli ultimi dieci anni hanno coinvolto tra gli altri, ad esempio, la Galleria d’Arte Moderna di Torino, il Museo Civico di Bassano e il Museo di Santa Giulia a Brescia.

Quando un museo viene smontato e le collezioni sono ricoverate nei depositi per far posto ad attività effimere come le mostre, i donatori, una risorsa fondamentale per assicurare la continuità dell’attività collezionistica di un museo, se ne allontanano, con danni che si risentono a lungo termine.

Un esempio di desertificazione culturale e di danno collaterale al sistema museale locale è quello di Treviso, dove una lunga sequenza di mostre blockbuster ha messo in ginocchio la fragile realtà museale locale, che a distanza di anni stenta ancora a riprendersi. Studi approfonditi del CISET, il Centro internazionale di studi sull’economia del turismo, commissionati dalla Provincia di Treviso, hanno dimostrato che l’economia turistica della Marca Trevigiana non ha tratto alcun beneficio duraturo da tali mostre e che, viceversa, la lenta crescita di arrivi registrata negli ultimi anni è dettata sì da fattori “culturali”, ma connessi al patrimonio e alla valorizzazione delle peculiarità territoriali.

Un ulteriore esempio di ciò che non deve accadere e degli effetti della crisi finanziaria in cui vertono i musei a fronte di investimenti poco lungimiranti in eventi di natura temporanea, ci viene dallo Stato, ovvero da quanto è accaduto in occasione delle festività di aprile e maggio 2008, quando il Ministero (imitato anche da molti Comuni) non è stato in grado di tenere aperti i musei a causa della mancanza di personale o dei fondi necessari a pagare gli straordinari. Le proteste dei turisti e dei visitatori delusi a Firenze e a Napoli hanno raggiunto con rabbia i responsabili e tutti i media. Gli operatori turistici hanno quantificato i considerevoli danni economici: solo a Firenze essi sono stati stimati in circa 2,5 milioni di Euro per la sola chiusura il 1° maggio degli Uffizi e dell’Accademia.

Parrebbe superfluo ricordare, ma non lo è, che le Pubbliche Amministrazioni sono impegnate dallo stesso dettato costituzionale a preservare le “biodiversità” nel vasto campo delle attività culturali. Le mostre commerciali che drenano risorse e visitatori ai musei rappresentano un fattore concreto di rischio,  in quanto favoriscono di fatto la desertificazione culturale e la monocultura dell’evento spettacolo.

I cittadini, oggi più che mai, chiedono ai musei di preservare e rappresentare le identità locali e vedono nei propri musei lo scrigno dei tesori del proprio territorio, emblema di un senso di appartenenza a un territorio e a una comunità. Le comunità chiedono strumenti per ridefinire o definire le proprie identità. Tra questi strumenti i musei possono svolgere un ruolo di primaria importanza se posti nelle condizioni di sviluppare attività rivolte innanzitutto al pubblico di prossimità, ma tali anche da favorire un turismo di qualità che, se diffuso e commisurato alle capacità ricettive di un territorio, costituisce un fattore di sviluppo durevole e di crescita civile e culturale. Esempi di “protezionismo” anche eccessivo stanno a dimostrarlo: in Sicilia e in Calabria alcuni Comuni hanno rifiutato di prestare i loro capolavori archeologici alla mostra promossa a Mantova in questi mesi; a Firenze si è contestata duramente la partenza di capolavori degli Uffizi verso il Giappone. Si tratta di elementi di riflessione da non sottovalutare, segnali di un “orgoglio” che va meglio motivato e che soprattutto non può essere limitato alle pur significative denunce dei danni subiti dagli operatori turistici.

Raccomandazione n. 5

ICOM Italia chiede alle Pubbliche amministrazioni e alle Fondazioni ex-bancarie di incrementare e, comunque, di non ridurre i finanziamenti destinati ai musei e alle loro attività primarie, evitando di finanziare solo eventi temporanei e di impegnarsi al fine di evitare che una “monocultura”,  come quella delle mostre-spettacolo si espanda distruggendo il differenziato patrimonio genetico dei territori culturali.

ICOM-Italia chiede alle pubbliche amministrazioni di valutare la sostenibilità delle politiche culturali nel loro complesso  ponendo attenzione alla diversità delle culture locali, nello spirito del dettato costituzionale dell’art. 9: “La Repubblica promuove lo sviluppo della cultura  […]  Tutela il paesaggio e il patrimonio storico e artistico della Nazione.”

6.    La distorsione delle percezioni dei valori storico artistici e culturali.

La monetizzazione continua e insistita (esplicitata dalla valutazione in denaro delle opere esposte anche durante le visite guidate !!!) porta il pubblico (soprattutto i giovani) a credere che i beni culturali siano una specie particolare di merce. L’esaltazione delle opere d’arte feticcio porta poi a considerare tutte le altre invisibili, ininfluenti. Con la conseguente perdita dei valori e dell’importanza dei contesti storici, artistici, naturalistici, per la conservazione dei quali abbiamo tanto lottato.

L’isolamento dei capolavori è un retaggio di matrice idealistica che ha già prodotto troppi danni nella nostra cultura per poter ancora influenzare, sia pur inconsapevolmente, le scelte pubbliche e private in materia di patrimonio culturale.

Un ulteriore danno collaterale è dettato dalla distorsione che tali mostre generano nella stessa percezione dei “valori” dei diversi fenomeni culturali. La sovraesposizione mediatica di correnti come l’Impressionismo ha, per esempio, radicato nel pubblico la convinzione, priva di fondamento, che in quel periodo si siano concentrati i migliori artisti di tutti i tempi.

Come afferma Guido Guerzoni commentando “Gli eventi espositivi 1990-2002”:... “le mega-mostre […] hanno destabilizzato gli equilibri del settore, modificando la nozione stessa di “fruizione culturale” nel pubblico più ampio, che rischia di assimilare il “consumo culturale” a una qualsiasi altra forma di consumo, snaturando il ruolo e le funzioni di molte istituzioni e vanificando i tentativi di operare un riequilibrio tra centri e periferie, metropoli e provincie, tra istituzioni antiche e recenti, tra piccole e grandi realtà”. [...] I centri di piccole e medie dimensioni, che costituiscono l’ossatura del sistema di offerta nazionale, sono stati le prime vittime del processo di spettacolarizzazione e mediatizzazione delle attività culturali iniziato negli anni ’80...”.

Il più irreparabile e il più grande dei rischi per i musei è, inoltre, quello di perdere agli occhi del pubblico il loro status simbolico di contenitore di valori non mercantili, non scambiabili, necessari alla conoscenza della storia umana, e al riconoscimento della propria appartenenza sociale.  Non è tanto da temere la perdita degli sponsor o dei visitatori, ma la fuga dei mecenati, dei donatori, dei collezionisti, dei cervelli, dei volontari; e, peggio ancora, delle opere che i musei conservano.

Raccomandazione n. 6

ICOM Italia  richiama i musei pubblici e privati a porre attenzione, nello svolgimento delle proprie attività didattiche, culturali e di comunicazione con il pubblico, al ruolo/status del Museo come contenitore di valori non mercantili, non scambiabili, necessari alla conoscenza della storia umana; a non creare opere-feticcio a scapito delle altre, con il rischio di arrivare a una omologazione monoculturale; e a spingere i musei a coltivare e incoraggiare i volontari, i donatori, i mecenati, i collezionisti, gli studiosi, i quali sono una parte di pubblico determinante per il futuro dei musei stessi.

Milano, 14 giugno 2008

http://www.icom-italia.org/index.php?option=com_content&task=view&id=223&Itemid=186

NEWS 29/6/2008 - PERSONAGGIO

La signora dei dinosauri

Ricostruisce gli scheletri per i musei di tutto il mondo. "Il mio lavoro? A metà tra i puzzle e l’anatomia"

RAPHAËL ZANOTTI

INVIATO A TRIESTE Giorgia Bacchia ama i puzzle fin da quand’era piccola. L’ultimo che ha ricostruito ha 75 milioni di anni. È un triceratopo, un dinosauro corazzato lungo sette metri e mezzo, alto tre, con un testone di due e corna lunghe un metro e venti. Roba da mettere a disagio un T-Rex, quando ne incontrava uno. Giorgia ha 29 anni e da quattro è la Signora dei dinosauri. Il padre le ha lasciato questa eredità: titolare della Zoic, l’unica azienda in Italia in grado di ricostruire dinosauri di grosse dimensioni. Una delle prime cinque al mondo, volume d’affari sul milione di euro. Il mercato in cui opera non è vastissimo. Alla società, che ha sede a Trieste, si rivolgono soprattutto i grandi musei di storia naturale del mondo, ma anche i privati. L’ultima sua creatura, il triceratopo appunto, è stato battuto all’asta di Christie’s per 600 mila euro e ad aggiudicarselo è stato proprio un appassionato americano. Von Paulus (così si chiama il triceratopo, dal nome del comandante delle truppe corazzate tedesche a Stalingrado) è tornato in patria. Le sue ossa provengono infatti dal Wyoming e la Zoic le ha acquistate per circa 100 mila euro da un mediatore tedesco. Ci sono voluti cinque mesi di intenso lavoro per tirarlo fuori dalla roccia e montarlo, osso dopo osso. Il Von Paulus Ma alla fine ne è valsa la pena: all’asta Von Paulus è stato tanto apprezzato che altri compratori, dopo aver perso questo gioiello, hanno subito prenotato un altro triceratopo. E l’azienda di Trieste è già in trattative per comprarne uno. «Ricostruire un dinosauro non è una cosa che s’inventa da un giorno all’altro - spiega Giorgia - Di piccole aziende che lavorano coi fossili ce n’è tante, ma bisogna avere un bel giro per rimanere impegnati mesi nella ricostruzione di un grosso dinosauro con la speranza di rivenderlo intero». Ma come si fa rinascere un dinosauro? Innanzitutto bisogna trovare lo scheletro, e già qui cominciano le difficoltà. In Italia non è possibile acquistarlo. Per legge qualsiasi cosa si trovi nel sottosuolo è di proprietà dello Stato. Bisogna quindi rivolgersi all’estero, in Medioriente o meglio ancora negli Stati Uniti. Una volta acquistate, le ossa vengono trasportate in blocchi di pietra e terra rivestiti da una camicia di gesso protettiva. I blocchi vengono accumulati in un magazzino nella zona industriale di Trieste, dove due geologi, due tecnici e due disegnatori tireranno fuori ogni osso dalla roccia. L’osso mancante Entrare nel laboratorio è già di per sé un’esperienza. Sui banconi ci sono arnesi di tutti i tipi: dai disegni ai lavori di carpenteria, tutto viene realizzato in questo capannone. Il pavimento è totalmente invaso da macerie che arrivano all’altezza della caviglia: quel che resta di vecchi dinosauri già ricostruiti. È necessaria una buona base di anatomia comparata per riuscire a individuare l’osso che si ha davanti, ma anche una certa vena artistica. «Trovare uno scheletro completo al 100% è impossibile - continua Giorgia - Parte delle ossa va ricostruito. Noi lo facciamo o scolpendo in plastica l’osso mancante, oppure ottenendo una copia attraverso il calco di un altro osso». Il processo è un connubio di originalità e fantasia: per sprecare meno silicone possibile, alla Zoic il contenitore del calco viene ricostruito di volta in volta con pezzi del lego. Man mano che le ossa vengono estratte dalla roccia o ricostruite, le si aggancia a un telaio in acciaio inox appositamente costruito da un carpentiere. Non basta rimettere in piedi un dinosauro, occorre montarlo nella posa che più piace al committente. I tempi per la ricostruzione possono variare. Ogni dinosauro è un enigma a sé, con le sue difficoltà e le sue soluzioni. «È un lavoro affascinante, mi sento molto fortunata a poterlo fare - spiega Giorgia - È tutto merito di mio padre. Grazie a lui, tra le ossa con milioni di anni, ci sono cresciuta. A quattro anni, a una fiera, ho scambiato il mio ciucciotto con tre fossili, il mio destino era segnato». Flavio, il padre di Giorgia, è infatti un pioniere in questo settore. «Ho cominciato quand’ero ragazzino - racconta - Collezionavo di tutto, dai minerali alle farfalle. Cercavo le cose più rare, e così che sono incappato nei fossili. Ricordo ancora l’entusiasmo di quando, da ragazzo, trovavo un pescetto impresso nella roccia dopo due o tre giorni di ricerca sul Carso o in Croazia». Continua: «Oggi l’entusiasmo è rimasto lo stesso, anche se quegli stessi fossili ora li vendiamo a cassette. Mi sono reso conto che questa passione poteva diventare un lavoro quando, all’università, un mio compagno a cui avevo mostrato la collezione mi ha chiesto se poteva comprare un fossile. Mi ha domandato quanto volessi e io gli ho risposto: "Boh, e che ne so?". Mi diede 20 mila lire. Da allora ho capito che poteva essere un business». Da Londra alla Corea Un bel business. La Zoic è nata solo nel 2004 come costola di una precedente azienda di Flavio Bacchia, la Cœlodus che nel frattempo si era trasformata in Stoneage. Si occupa esclusivamente della ricostruzione di dinosauri ed è in mano a Giorgia. Al padre è rimasto l’altro settore: fossili e diorama, ovvero la ricostruzione completa di ambienti preistorici per piccoli musei che non possono permettersi un dinosauro originale. La specializzazione era necessaria, non sono più i tempi di Jurassik Park: il mercato al minuto si è contratto dell’80%. Ma alla Zoic oggi si rivolgono istituzioni come il British Museum, dove c’è il calco di un cranio di allosauro, oppure il Museo coreano di preistoria. È della Zoic anche Jenny, l’allosauro del Museo Federico II di Napoli. E l’adrosauro Antonio, il primo dinosauro completamente italiano che si può ammirare al Museo di Storia naturale di Trieste. Di recente il Museo Cappellini di Bologna ha chiesto alla famiglia Bacchia e ai loro incredibili artigiani di spostare e restaurare un modello di diplodoco in gesso che risale al 1909: un tesoro storico già da solo. Giorgia Bacchia chiude il magazzino e lascia dormire i suoi dinosauri ancora mezzi montati. A casa ad aspettarla c’è Asia, sua figlia di due anni e mezzo. La piccola pare abbia una passione: le piacciono i puzzle.

Ingremiomatris -L'ecole des Italiens -Museo Immaginario
Regione Piemonte -Provincia del Verbano Cusio Ossola -Citta' di Domodossola

Domodossola - Palazzo Silva - via G.Paletta
6 Luglio- 21 settembre 2008

Esordisce il 5 luglio prossimo, a Domodossola, nella superba sede di Palazzo Silva, una mostra destinata a cambiare i confini dell'arte contemporanea. Si chiama !l mio nome è Nessuno, e possiede un sottotesto disarmante, esplicativo: Incantamento, stupore e bellezza nell'arte dei semplici.
Fino al 21 settembre si potrà assistere a una rassegna di pittori così detti naive, ribattezzati "semplici". La mostra si presenta anche, e con notevole decisione, come gesto perentorio, estetico e politico. Contrastando un'idea performativa e banalmente provocatoria dell'arte italiana degli ultimi decenni. Riscoprendo i valori del sogno rispetto a quelli del mercato, il desiderio in favore del glamour. Così questi artisti, "simili a spettri o a eroi delle favole, ci mostrano la fiamma sempiterna e primitiva dell'arte: il suo potere suggestivo, conturbante, mitologico. Ci sono gesti nostalgici,intimi, preziosi, per nulla omologati, di gente ai bordi della storia, fuori dal mondo, che proprio per questo conquista il perno del mondo, il suo più remoto segreto". La mostra è curata da Marcovinicio, ed è mediata da un catalogo programmatico con testi di Davide Brullo e di Silvia Pacassoni edito da Umberto Allemandi

Dio è morto, e con lui l’arte. Pressappoco è così. Gli artisti si metrano in base a un criterio di vendita, sulla loro testa viene affibbiata una taglia che ne identifica il valore. Nulla di scandaloso, per chi fa denari: l’arte è un prodotto di mercato. L’artista, cioè, da talento individuale è diventato una griffe, lo si compra perché qualcuno ci dice che comprarlo è un buon affare, perché farà fruttare al compratore di lì a qualche anno un lauto gruzzolo. Bizzarrie dell’epoca: l’arte non procura più un nutrimento spirituale, non evoca bellezza, ordine e senso. Simile a un qualsiasi altro prodotto “di consumo” – come un paio di scarpe, una borsetta particolare, un’automobile fiammante – vaga sull’onda anomala delle “mode”, e si muta da popolare in gioiello d’èlite. Non provoca il mito, ma asseconda la storia. Cioè: non è inevitabile, urgente, provocante, bensì accessoria, aleatoria, vacua. L’estetica, come direbbe il poeta premio Nobel Josif Brodskij, non fonda più l’etica dell’uomo e della storia, ma è schiava di pulsioni superficiali, destinate a svanire al primo battito di ciglia, al precoce passaggio stagionale delle rondini.
Dacché fare i guastafeste è un esercizio per molti versi facile e inutile, costruiamo qualcosa. Questa è una mostra scandalosa. L’esatto opposto dell’alchimia che regge, ad esempio, la Biennale di Venezia. Il mio nome è Nessuno è una mostra di “pittori della domenica”. Di artisti per lo più ignoti e ingenui, selvatici e nascosti, anonimi e misteriosi. Per far risorgere l’arte bisogna azzerarla, rivelandone il cuore, la polpa inalterabile e millenaria. Dopo tutto, è sempre stato così. Naïve vuol dire incantamento, stupore, bellezza pura, netta, semplice. Già, è attraverso un gesto semplice e perentorio che intendiamo scompaginare la storia dell’arte, far impazzire la Borsa dell’Arte. Oggi come ieri sono i segni problematici e primordiali a cambiare il tempo. Lo sapevano bene, per ripassare in memoria due nomi clamorosi, Paul Gauguin e Pablo Picasso, che studiarono alla corte dei naïve e dei reietti per ottenere il miracolo della semplicità, di una infantile, unica immediatezza. Così questi artisti occasionali, ispirati, per giunta illuminati, che vengono a noi nel mistero, simili a spettri o a eroi delle favole, ci mostrano la fiamma sempiterna e primitiva dell’arte: il suo potere suggestivo, conturbante, mitologico. Ci sono gesti nostalgici, intimi, preziosi, per nulla omologati, di gente ai bordi della storia, fuori dal mondo, che proprio per questo conquista il perno del mondo, il suo più remoto segreto.

L’opera di Momò Calascibetta presente alla mostra.

"Minuetto di una domatrice di coccodrilli nel salone degli specchi di Villa Palagonia"

disegno a matita cm.160 x 180 - 2002

Il viaggio tra questi “nessuno”, tra questi artisti perduti e ritrovati, sommersi e salvati, anticonformisti perché non condizionati da alcuna moda, antimoderni, è anche un periplo alle origini dell’arte. Nel nome, sempre, è il senso. Nessuno si nominò Odisseo scampando alla furia di Polifemo. Nessuno è una zattera, un’occasione per salvarsi dal mondo di chi vuole annullare l’arte, tacitarne il potenziale esplosivo, perennemente scandaloso. Con una truppa di “nessuno” si rifonda l’arte. Perché gli artisti, quando vigorosi, come Odisseo, sono curiosi e corsari, avventurieri e pirati. Comunque, estremi, fino ai margini inesplorati della terra.

Orari: Da martedì a venerdì dalle 15 alle 19,
sabato e domenica dalle 10 alle 12, dalle 15 alle 19
Ingresso € 5. Info e prenotazioni:  Cell. +393357357840
info@ingremiomatris.com

Inaugurazione sabato 5 luglio ore 18,30   Teatro Galletti  p.zza Mercato  Domodossola

Catalogo:                      Umberto Allemandi & C Ita/Ingl. 168 pag.

Curatore:                       Marcovinicio

Testi di:                          Dott. Davide Brullo, Silvia Pacassoni

Fotografie di:                Antonio Maniscalco, Marco Bianchetti

Coordinamento di:      Massimo Fiumano’

tutti i testi del catalogo sono disponibili sul Blog ufficiale di Momò Calascibetta

www.artmomo.com

www.ingremiomatris.com

clicca per ingrandire

Nello  specifico, la mostra contiene le opere del ciclo de La nuotatrice (vedi immagine in alto) tema prediletto e soggetto caratteristico dell'autore, vera e propria ossessione necessaria, da alcuni anni vocazione pressoché esclusiva della sua pittura. [Nelle grandi tele azzurre e calde della Nuotatrice, dolcemente ossimoriche nella loro avvolgente freddezza
che assorbe con tepore, è racchiusa tutta la poetica di Francesco Canini. Per questo egli afferma che la
Nuotatrice lo accompagnerà per tutta la vita. [...]

I suoi quadri tornano ad essere universi in sé conchiusi, rarefatti eppure densi, che proprio grazie al loro
isolamento riescono a comunicare con la realtà; una realtà non più imitata, quella che Francesco Canini
dipinge nelle sue opere, bensì trasfigurata: scissa dal mondo e dal tempo, la Nuotatrice ci parla della Storia e
della Natura.

Attraverso un grande lavoro di ricerca sui toni e sui colori, tratto fondamentale e peculiare dell'autore,
Francesco Canini attua e suggerisce un approccio emozionale con il reale, al fine di trovare un assoluto
pittorico: la pelle della nuotatrice, accarezzata dall'acqua, compenetrata dal mare e sovente fusa con esso, si
fa anima incarnata, ma d'una sovrannaturalità che appartiene tutta alla sfera artistica.
La nuotatrice di Canini è una divinità insieme degli abissi e delle altezze, delle profondità marine e dei picchi
celesti del pensiero; una dea desacralizzata, terrigena e terrena, ma improfanabile nella sua impenetrabile
placidità che sa d'ignoto, d'infinito e imperituro.
Francesco Canini ci svela il più intenso dei segreti: l'arte è il luogo eletto dell'immortalità. L'unico.
E viceversa.

(citazioni dal testo critico di Claudio Gianvincenzi).

Per informazioni:

Museo Emilio Greco, piazza del Comune, Sabaudia

0773.515791 0773.514263
servizio.cultura@comune.sabaudia.latina.it

www.francescocanini.it

info@francescocanini.it

]]> http://butindaro.wordpress.com/?p=2891 Thu, 26 Jun 2008 10:23:07 +0000 illuminato http://butindaro.wordpress.com/?p=2891

Importante esposizione fino al 15 Agosto presso il Museo del Libro di Gerusalemme: viene messo in mostra al pubblico il rotolo di Isaia, il meglio conservato tra i 220 manoscritti trovati nelle grotte di Qumran, sulle rive del Mar Morto. Il papiro dopo la scoperta (1947) è stato sempre tenuto in un ambiente oscuro, a temperatura ed umidità costanti, a protezione della precaria integrità. Il voluminoso rotolo (7,5 metri), vergato in ebraico, risale al II sec. a. C. e costituisce la testimonianza più antica del Libro veterotestamentario del Profeta Isaia (conserva tutti i 66 capitoli); fu esposto solo nel 1967 ma venne ritirato dopo sole due settimane per il timore di deterioramento. In mostra sono anche attrezzi agricoli e la spada di un soldato.
(Ar. Maln.)

Fonte: Avvenire.it – 26.06.2008

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ASSOCIAZIONE BELFIORE
con la collaborazione della Pro Loco Pramaggiore

organizza a BELFIORE di Pramaggiore la

16.ma SAGRA della SOPRESSA

dall’11 al 21 luglio 2008
[Scarica Volantino+ Programma Sagra Sopressa di Belfiore (formato stampabile)]

- Come raggiungere Belfiore da Bibione-

CALENDARIO DEI FESTEGGIAMENTI:

Venerdì 11 luglio 2008
- ore 18.30 – Gara Ciclistica per Amatori UDACE 13.mo Trofeo “Sagra della Sopressa”
- ore 19.30 – Inaugurazione Sagra, apertura Stand Eno-Gastronomici
- ore 20.00 – Inizio Torneo di Calcio
- ore 21.00 – GARA DI BRISCOLA
- ore 21.00 – Serata danzante con l’Orchestra “TERESA MUSIC GROUP”

Sabato 12 luglio 2008
- ore 19.30 – Apertura Stand Eno-Gastronomici
- ore 20.00 – Torneo di Calcio
- ore 21.00 – GARA DI BRISCOLA
- ore 21.00 – Esibizione di alcuni balletti della Scuola “ARTE DANZA” diretta da Cristina Bidon
- ore 21.45 – Serata danzante con l’Orchestra “COLLEGIUM”

Domenica 13 luglio 2008
- ore 06.00 – Apertura della “10.ma FIERA DEI OSEI” con concorso canoro
- ore 08.00 – “10.ma MOSTRA MERCATO” animali da cortile, trampolieri, acquatici, canarini e pappagallini. Stando Eno-Gastronomici aperti dalle ore 8.00 alle 13.00
- ore 08.30 – “FACCIAMOI UN GIRO IN VESPA” con la partecipazione del Vespa Clup di Portogruaro
- ore 18.30 - Apertura Stand Eno-Gastronomici
- ore 20.00 – Torneo di Calcio
- ore 21.00 – Serata con l’Orchestra “RICKY MARCHETTI”

Giovedì 17 luglio 2008
- ore 20.00 – Torneo di Calcio
- ore 20.30 – Serata dedicata alle Donne – Cena con menù speciale, prenotazione obbligatoria presso l’Edicola di Belfiore o ai numeri 346.2157153 o 393.5144421

Venerdì 18 luglio 2008
- ore 19.30 - Apertura Stand Eno-Gastronomici
- ore 20.00 – Ottavi di Finale Torneo di Calcio
- ore 21.00 - GARA DI BRISCOLA
- ore 20.00 – “MOTOINCONTRO SAGRA DELLA SOPRESSA”, gara con toro meccanico, estrazione lotteria. Musica live con i “REAL ILLUSION”. Fiumi di Birra & Snacks.

Sabato 19 luglio 2008
- ore 19.00 - Apertura Stand Eno-Gastronomici
- ore 20.00 – Quarti di Finale Torneo di Calcio
- ore 21.00 - GARA DI BRISCOLA

- ore 21.00 – Serata danzante con l’Orchestra “GLI ASSI”

Lunedì 21 luglio 2008
- ore 19.30 – Apertura Stand Eno-Gastronomici
- ore 20.30 – Finali Torneo di Calcio
- ore 21.00 – Gran Finale con i “CARAMEL”, chiusura PESCA DI BENEFICENZA e GRANDE SPETTACOLO PIROTECNICO.

Durante i Festeggiamenti:

• Luna Park
• Esposizione Autoveicoli, Trattori & altro
• Grandiosa Pesca Beneficenza
• Ballo con Ingresso Libero

Fonti:
- Volantino

Firenze = Rinascimento. L’equazione tuttavia non sempre si applica. Non si applica nel caso della Strozzina, spazio espositivo nato poco meno di un anno fa per ospitare nel capoluogo toscano arte e cultura contemporanee.

Il Centro per la Cultura Contemporanea Strozzina CCCS, si trova nei sotterranei di Palazzo Strozzi, laddove un tempo c'erano le cantine del palazzo. L'arte contemporanea messa in scena nella cornice architettonica rinascimentale si arricchisce di ulteriori suggestioni, oltre quelle che già possiede. L'effetto è quello di potenziare, per contrasto e dissonanza, la rappresentazione delle opere presentate nel ricco calendario, calendario da scoprire consultando il sito del CCCS.

Come ben descrive la mia amica fiorentina (mia preziosa talent scout di indirizzi a Firenze e autrice della foto qui sotto), la Strozzina è uno spazio suggestivo che ha esordito con un’intrigante mostra sulle emozioni, che ha avuto anche l’innegabile vantaggio di un biglietto d’ingresso dal costo molto ragionevole.

Taccuino:

Centro di Cultura Contemporanea Strozzina (CCCS)
Palazzo Strozzi
Piazza Strozzi
50123 Firenze

www.strozzina.org

Colazione: Caffelatte

L'amica fiorentina mi portò alla latteria Caffelatte per la prima volta anni fa. Si era da poco trasferita a Firenze e aveva scoperto questo minuscolo posto in via degli Alfani dove si rifugiava a bere grandi ciotole di caffelatte accompagnate da lettura di giornali e da fette di torta dall'aspetto goloso e casalingo. Da allora quasi ogni volta che passo per Firenze ci concediamo un the pomeridiano alla latteria (con una fetta di torta, naturalmente).

La latteria Caffelatte oltre ad avere le torte buone e la crema fresca ha anche una storia lunga. Macelleria nell'800, conserva di quella sua destinazione d'uso l'originale bancone in marmo con intagliata una mucca. Nei primi del 900 la macelleria si trasforma in latteria, per diventare poi negli anni 80 un posto dove fare colazione con il caffelatte e pane burro e marmellata. E dove fare brunch la domenica. O prendere un the il pomeriggio. Magari con una fetta di torta. Vi ho già per caso parlato delle torte?

Taccuino:

Latteria Caffelatte
Via degli Alfani, 39/r
50123 Firenze
Tel. 055 2478878

di Maurizio Mequio (pubblicato su Dazebao L'informazione online)

Più che una mostra, un paradiso artificiale, dove nuotare, concedondo goduria ai propri occhi. L'antologica su Mario Schifano, proposta allo GNAM di Roma, a dieci anni dalla sua morte, può rappresentare un luogo di pura, raffinata, esperienza estatica per tutti i suoi visitatori. Una vita raccontata, aperta, un contenitore che attraverso linguaggi appropriati serve, spiattella in faccia, milioni di contenuti. Instaura un dialogo istintivo, istantaneo con chi ne partecipa. Fili che legano le opere ad ogni età, ad ogni soggettività, costruendo una splendida ragnatela di collegamenti tra gli oggetti artistici e le quotidianità.

Sorprende, come ha sempre fatto. Schifano concede il lusso di mettere qualsiasi uomo di fronte ad uno specchio. E spiegava: “questi colori, i miei colori, non sono emozioni, ma metafore”. Come a dire: “Non pensate a me, non bruciate quel che vedete cercando di filtrare delle emozioni. Verrà da sé: Ci siete già dentro”. Un maestro della comunicazione, non a caso si sentiva “un nuovo media”, capace di farsi capire, di far girare il cervello altrui. Spalanca gli occhi, deposita l'arte dove il mondo non si sofferma più: attraverso i macchinari, le tecniche, costruttrici dell'immondiziaio mondo consumista, lui riesce a dipingere delle perle anche di questi tempi. Da più angolature, secondo una sua visione del mondo, tutt'altro che semplicistica, anzi critica, riflessiva, pacifista, d'opposizione e rivoluzionaria. Andy Warhol italiano, bulimico dell'arte, icona maledetta, niente lo può descrivere per quello che è stato. Semplicemente perchè Schifano è stato diversi Schifano, mutevole, capace di mettersi in discussione e di sperimentare.

Nella ricerca ha arpionato i tempi, nell'attenzione all'evolversi dei linguaggi ha conquistato la sua espressività. Dai monocromi degli anni sessanta all'uso della fotografia, dalla musica dipinta, o suonata, ai rumori trascritti, dal richiamo pop alle reinterpretazioni di De Chirico, dalle rielaborazioni del cinema e delle immagini televisive all'uso di internet, fino al ritorno al disegno negli anni ottanta e novanta. Un viaggio tra ninfee che richiamano Monet e paesaggi mediatici. Nel 1970 aveva già capito tutto, la tecnologia avrebbe accompagnato il mondo, fino a superficializzarlo. Eppure una tv accesa, 24 ore su 24, può essere uno sfondo, poetico, romantico, vissuto, come un campo di grano fiorito.

Provocatorio in “Ex film”, tela gigantesca nera con foto ritoccata, smaltata, di uno scorcio di schermo cinematografico. Un “frame” di un film in bianco e nero. Un pezzo di film che non c'è più, che non sarebbe esistito, perchè all'occhio umano percepibile solo nella dinamica di un'azione, ora proposto come protagonista dell'opera, al contempo un pezzo di storia dei media che è scomparso: la televisione ha svoltato nei colori, i cinema si svuotano, poi si moltiplicano, perdono il loro appeal e il loro significato sociale per assumerne un altro. Dal buio propiziatore di incontri amorosi e sigarette frenetiche da consumare entro la fine del film alle luci dei centri commerciali e delle star di Holliwood.

Toccante, ironico e scandaloso, quando dipinge “I numerosi figli della moglie del collezionista”: usa colori accesi, rosso, viola, blu giallo, lei è seducente in abito bianco, ma i neonati sembrano aborti. E' il dramma dell'opera d'arte, prima figlia dell'autore, poi degli acquirenti. Figlia morta sul nascere perchè destinata ad avere vita propria, legata a tutti i suoi possibili fruitori. Un quadro che drammatizza il dolore del rinunciare ad una proprietà, ma che ironizza sulle barriere, i limiti non imponibili all'opera d'arte, al suo orizzonte di lettura. Poetico invece nella sua proposta di “pittore bambino”: colori schizzati, fiammanti, spazzati, verniciati contro il tempo, per ritrarre la terra, una superficie, ed un cielo celeste interrotto da un filo per i panni, con appesi dei giocattoli rossi.

E' un genio: assolutamente amabile dal nuovo millennio, artista capace di far impazzire critici e pubblico di tutto il 900, uomo che ha vissuto la strada, il carcere ed il manicomio. Diceva di dipingere, sempre, anche quando non dipingeva: “perchè è molto umano”. Si schierò apertamente contro la tensione dell'era nucleare, contro il Vietnam, contro alcune posizioni del Partito Comunista, contro l'abbandono delle Favelas -espose una tela bianca in una mostra in Brasile per protestare contro la volontà delle autorità brasiliane di dipingere i quartieri malfamati di verde, in modo da mimetizzarli, nasconderli-: coraggioso e tra la gente. Il merito della mostra è quello di presentare uno Schifano sfuggente, che tocca, sommerge, ma non si esaurisce, scappa ed è già oltre. “Schifano 1934-1938” è la prima grande retrospettiva sull'artista nato in Libia, vanta 130 opere tra dipinti e disegni e resterà aperta fino al 28 settembre 2008.

GNAM - GALLERIA NAZIONALE D'ARTE MODERNA

Viale Delle Belle Arti 131 -Roma (00196)
Info: +39 06322981, +39 063221579 (fax) gnam@arti.beniculturali.it
Questo indirizzo e-mail è protetto dallo spam bot, abilitare Javascript per vederlo <!--
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// www.gnam.arti.beniculturali.it

Durata: Fino al 28 settembre 2008

orario: martedì - domenica dalle 8.30 alle 19.30. Chiusura il lunedì. La biglietteria chiude alle 18.45
(possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: Euro 9 Intero, Euro 7 Ridotto

Sabato 21 giugno 2008

Per l’ occasione sono state programmate due diverse partenze per visitare il Bosco di Chiusi e la Paduletta di Ramone.

Per il primo  gruppo è previsto alle ore  15,45  in località Castelmartini. 

Per chi ama andare in bici, il ritrovo è alle ore 15,45 al Museo della Città e del Territorio , dove dopo una visita alle sezioni dedicate al paesaggio,  si partirà in bicicletta fino alla località Le Morette; da qui partenza a piedi per la visita guidata.

Le visite guidate durano circa 2 ore per ogni gruppo e ogni gruppo non potrà  superare 25 persone.
La prenotazione è obbligatoria.

Per informazioni e prenotazioni:

Ufficio Cultura /Turismo Tel. 0572.959223 – 41
Punto Informa Tel. 0572.954412 
 Museo della Città e del Territorio 0572.954463

Ecco un po' di foto dell' iniziativa "Andar per Ville" organizzata dalla Giodò. Il programma prevedeva la visita a tre fra le più belle Ville sul Montalbano: Villa Rospigliosi, Villa di Poggio a Caiano e Cerreto Guidi.

Clicca qui per le altre foto

L'iniziativa Domenica a spasso va in ferie, prossimo appuntamento per il 21 Settembre in occasione del Palio con la Montata di Capraia e Limite...Vi terremo aggiornati :-)

Le musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée, un lieu de rencontre et de médiation

par Jean-Pierre Dalbéra

http://www.slideo.com/espace/?jpd

Jean-Pierre Dalbéra est conseiller du directeur pour la recherche et la technologie au musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée (6 avenue du Mahatma Gandhi 75116 Paris), avec lequel il a créé de nouveaux portails consacrés aux recherches ethnologiques :
http://www.mucem.eu (portail du musée) et http://www.ethnologie.culture.fr (portail du ministère de la culture)

Il prezioso rotolo era già stato esposto ma, dopo soli due anni, nel 1967 fu ritirato per timore che si deteriorasse. Ci sono studiosi per il quali il testo contenuto nel rotolo fu copiato dagli Esseni da un testo più antico. Altri sostengono che fu portato nel deserto con gli altri rotoli nell'imminenza della distruzione di Gerusalemme per essere nascosto in una grotta.

Il Rotolo di Isaia fu scoperto nel 1947 insieme ad altri sei rotoli in una grotta vicina alle rovine di Qumran sul versante nord-ovest Mar Morto. La scoperta fu del tutto casuale e si deve ad un pastore beduino, Mohammed al-Dib. Nel tentativo di far uscire una delle sue capre da una grotta, al-Dib vi gettò all'interno una pietra. Quando dal rumore capì di aver colpito e rotto un oggetto di ceramica, entrò per controllare di cosa si trattasse e si trovò di fronte alle giare contenenti i rotoli.

Al-Dib vendette i rotoli a due commercianti di antichità di Betlemme, che a loro volta ne cedettero tre a Eliezer Sukenik, direttore del Dipartimento di Archeologia dell'Università Ebraica di Gerusalemme. Sukenik era il padre di Yigael Yadin. I commercianti di Betlemme vendettero altri quattro rotoli, tra cui c'era anche il Rotolo di Isaia, ad Anastasius Samuel, metropolita della chiesa siriana ortodossa a Gerusalemme est. L'ecclesiastico riuscì a trasportare i quattro rotoli negli Stati Uniti, dove, per diversi anni, tentò inutilmente di venderli.

In quel periodo Yigael Yadin, il ben noto archeologo, si trovava negli USA. Venne a sapere che il metropolita non avrebbe ceduto i rotoli ad un acquirente ebreo, così alzò l'offerta a 250.000 dollari e ne venne in possesso tramite un intermediario.

Nel 1955 il primo ministro Moshe Sharett annunciò alla nazione che i rotoli, più antichi di ben mille anni rispetto al codice di Aleppo, si trovavano in Israele in mani israeliane. Furono esposti per la prima volta al Terra Sancta College, che era stato ceduto in affitto dalla Custodia di Terra Santa all'Università Ebraica di Gerusalemme.

Il Dr. Adolfo Roitman, direttore del Museo del Libro e conservatore dei Rotoli del Mar Morto, sostiene che Isaia fu il profeta più popolare nel periodo del Secondo Tempio, come a