Demy, who during the early days of the French nouvelle vague was widely appreciated, especially by Godard, was pretty much derided by the time May 1968 came scorching in... especially by Godard again who felt that his old compatriot should take his head out of the cinematic clouds and engage with political reality.  But Demy maintained his own artistic trajectory, though in doing so he arguably dimmed in the eyes of many critics and audiences alike.  His reputation since his death in the early 1990s seems to have slowly regained some footing and it's about time.

This clip is from the opening moments of Lola.  Lensed by the great Raoul Coutard (who shot many of the pivotal films of Godard and Truffaut), the scene perfectly sets up the mystery at the heart of the tale and within Lola herself.  And maybe Ludwig has a little something to do with it as well.

SYMPATHY FOR THE DEVIL (Jean Luc Godard, Britain, 1968) -- 7

Does it count as a good movie if you hate an artist with a passion and he makes a film that so perfectly embodies all his myriad flaws that you find it enjoyable as an exercise in critical chuckling? In the "this is exactly the sort of crap that this fraudulent, pretentious pseudo-intellectual quack and his cult of windbag-enablers thinks is good" sense? Is there a film-criticism equivalent of Schadenfeude?

Honestly, if SYMPATHY FOR THE DEVIL¹ (aka ONE PLUS ONE) had been directed by (just a "for example") me, as a parody of Godard's work, I would consider that film one of the greatest of all time. Everything that I hate about this man's films is here with a vengeance -- the stupid pseudo-puns on the title cards,² the indifference to coherence, the desultory editing, the lengthy takes that mostly fill themselves with their own emptiness, the radical chic, the rambling on-camera preaching, the Maoist politics, the slapdash plotting rhythm.³ But I found myself ... not exactly "engaged," but critically amused in ways not unrelated to Mystery Science Theater 3000, and sometimes even interested in the material in spite of Godard's best [sic] efforts. Honestly ... if you reject Godard and all his works and all his empty promises, this is your film -- it could almost be retitled SYMPATHY FOR GODARD.

Godard interspersed basically two movies (1 + 1 ... I think), made in very different styles; he cuts between a lengthy scene from one "film" to a lengthy scene from the other. Both films are shot in several-minute takes that underline their own length by their other-formal or content emptiness -- it doesn't work in the same virtuoso way that the traffic jam in WEEKEND does. Over both films, Godard mixes into the soundtrack what sounds like the reading of some cheap pseudo-naughty "famous names" pornographic novel, in the "...and then Pope Paul fondled the Venezuelan ambassador's wife" genre. To be perfectly frank, I found myself simply tuning this out (necessary to avoid being annoyed by it).

One of the films is a fly-on-the-wall documentary on the Rolling Stones' recording sessions that eventually yielded "Sympathy for the Devil." The several-minute takes go in a predictable arc, as if by a security camera that happens to catch what it catches (though the sound mix is quite precise and quite good for cinema-verite). This is more than watchable because of the inherent interest of its subject matter. We see how one of the greatest of rock songs took its shape: how in the earlier sessions, Jagger sang in a much slower, bluesier tempo; how the song's propulsive "galloping" quality, despite its samba rhythms, really only came when the piano was added to the arrangement; how the lyrics changed; how Brian Jones was clearly zoned out throughout (he'd become a member of the 27 Club within a year). This is all simply thrilling in spite of the uninflected degree-zero style that Godard brought and which is indistinguishable from half-assed boredom with the subject matter.

The other film isn't inherently interesting in that sense, but it is ... the kind of thing you just can't take your eyes off in a mixture of pity and bemusement. It's an essayistic series of "political" vignettes, involving black revolutionaries, a junkyard, a book shop that sells pulp fiction, political tracts and porn interchangeably, on-camera recorded interviews, names painted on cars, as if the visual incantation "Lumumba" were the 60s equivalent of "Abracadabra." All this flotsam and jetsam may add up to Godard's and other 60s-infected minds' idea of profundity (or it may not; there's no way to know and hardly any way to care). There's a pastoral romp with a woman named Eve Democracy who doesn't speak English answering a series of inane 60s-radical questions with an uncomprehending "yes" or "no" (mostly the former; my favorite being "is the only way to be an intellectual revolutionary to cease being an intellectual" and the promptly noted by the on-screen interviewer need for "deculturation"). There are incessant voiceover readings from "Soul on Ice" and "Mein Kampf" (neither is identified as such) and maybe there's some point to the fact that the Adolf and Eldridge excerpts sound rather alike and had more points of commonality than you'd guess. There is of course, and it had me laughing, but it's a point that a 60s-detesting, Allen Bloom-loving reactionary in entitled to note; I'm pretty sure a Maoist who shilled for the Eldridge Cleaver Defense Fund isn't.⁴

SYMPATHY is so ridiculous in so many ways (doesn't Godard recognize, for example, that the Stones are showing that even popular art is NOT spontaneous, regardless of how the final product looks, making a mockery of everything Godard was saying in the 60s) and infatuated with the infantile zeitgeist of that vile era ("U.S. = [swastika]" graffiti ... oooo, how daring, how radical) that it all becomes enjoyable in the most "meta" of sick-joke ways. In an almost iconic moment, one shot follows the unpacking of some assault weapons among Black Panther types at the junkyard as the camera pans from left to right. They're arranged over some already-dead white women, then disarranged and passed back the way they came. In other words, something happens but nothing actually does. All the while a black revolutionary is being interviewed (or "Soul on Ice" is being read from ... as if it matters which) -- the only thing not "taken back." I mean ... if you hate Godard and "Godard" as I do -- this undermines-its-own-action scene is a pitch-perfect parody of his method. It hasn't failed to occur to me that the only other post-1960 Godard film I find tolerable is WEEKEND,⁵ which I largely enjoy as a comedy and often a self-parodic one in its latter half.

Oh ... and did I mention that Godard declares THIS self-indulgent junk his last "bourgeois film"? If you find that line amusing and have a contemptuous streak, you might enjoy SYMPATHY FOR THE DEVIL exactly the way I did. Otherwise, STFA.
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¹ I'm giving it that title because the version I saw at a few days ago at a weekend midnight show as part of AFI's Godard series was the one that had the complete Rolling Stones song (one of my all-time favorites) over the film's end.
² Is "Cinemarxism" or Sovietcong" meant to mean ... well, anything at all; does the fact you can get the word "love" from the letters in "alL abOut eVE" wow anyone over the mental age of 5; does writing "Marx" so that the lower part of the "X" is over a model's crotch imply something that writing "Schillebeecx" or "Knox" (John or Ronald?) wouldn't?
³ There is no "plot" here per se, which at least has the virtue of dispensing with the pretense that there is one.
⁴The Mein Kampf reading takes place in the porn shop, and I was asking myself "is it even worthwhile to point out that actual historical National Socialism strongly opposed both pornography and bourgeois culture?" No ... because doing that would take Godard and his fawning courtiers too seriously. Indeed, my very contempt is central to what I see as amusing about this movie -- it's like watching some televangelist froth about whatever. It's darkly amusing that Godard is often lauded for "being political," as though that was a good thing separate from the quality of the political ideas.
⁵ I had in fact intended to see WEEKEND and DEVIL as a "945pm/midnight" double bill, but AFI had to cancel its WEEKEND screenings and substituted in its stead VERTIGO (which it was already showing for another program). I told the ticket-seller at 930, "I can manage to suffer through that one, I think."

"The visual style of The Outsiders and Rumble Fish, like the

sturm-und-dragstrip moodiness of Reckless and the neon graphic intensity of

 Tuff Turf (shot by Willy Kurant, who also photographed the greatest youth film of all, Jean-Luc Godard's Masculine-Feminine)

collectively presents an iconography (night, lights, wheels) appropriate to the mythology of adolescence -- a trash classicism as basic to movies about youth as the Bo Diddley beat is to primal rock 'n' roll."

 To read more of Armond White's take on teen movies of the 80's, purchase a new or used copy of The Resistance: Ten Years Of Pop Culture That Shook The World.

[…]

abbiamo dimenticato

perché Joan Fontaine

si sporga

sul ciglio della scogliera

( Il sopetto, 1941 )

e cosa

Joel McCrea

se n'andasse a fare

in Olanda

( Il prigioniero di Amsterdam, 1940 )

abbiamo dimenticato

su cosa

Montgomery Clift mantenga

eterno silenzio

( Io confesso, 1953 )

e perché Janet Leight

si fermi al Motel Bates

( Psycho, 1960 )

e perché Teresa Wright

sia ancora innamorata

di zio Charlie

( L’ombra del dubbio, 1943 )

abbiamo dimenticato

di cosa Henry Fonda

non sia

del tutto colpevole

( Il ladro, 1956 )

e perché esattamente

il governo americano

ingaggi Ingrid Bergman

( Notorious, 1946 )

ma ci ricordiamo

di una borsetta

( Marnie, 1964 )

ci ricordiamo di un camion

nel deserto

( Intrigo internazionale, 1959 )

ma, ci ricordiamo

di un bicchiere di latte

( Il sospetto, 1941 )

delle pale di un mulino

( Il prigioniero di Amsterdam, 1940 )

di una spazzola per capelli

( Vertigo, 1958 )

ma

ci ricordiamo

di una fila di bottiglie

( Notorious, 1946 )

di un paio di occhiali

( Delitto per delitto o L’altro uomo, 1951 )

di uno spartito

( L’uomo che sapeva troppo, 1956 )

di un mazzo di chiavi

( Delitto perfetto, 1954 )

perché con questi

e attraverso questi

Alfred Hitchcock riuscì

la dove fallirono

Alessandro, Giulio Cesare

Napoleone

avere il controllo dell'universo

forse

diecimila persone

non hanno dimenticato

la mela di Cézanne

ma sono un miliardo

gli spettatori

che ricorderanno

l'accendino

dello sconosciuto del Nord Express
( Delitto per delitto o L’altro uomo, 1951 )

e se Alfred Hitchcock

è stato il solo

poeta maledetto

a avere successo

è perché è stato

il più grande

creatore di forme

del ventesimo secolo

e perché sono le forme

che ci dicono

alla fine

ciò che c'è al fondo delle cose

ora, che altro è l'arte

se non ciò per cui

le forme diventano stile

e che altro è lo stile

se non l'uomo

è allora una bionda

senza reggiseno

pedinata da un detective

che ha paura del vuoto

( Vertigo, 1958 )

a portarci

la prova

che tutto questo

non è che cinema

in altre parole

l'infanzia dell'arte.

[…]

Traduzione da, Jean-Luc Godard, Historie(s) du cinéma, Gallimard, Paris, vol. IV (pp. 78-92), 1998

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Giulia y Los Tellarini: Not only has Woody got his groove back (that's assuming if the critics' positive feedback of his latest, Vicky Cristina Barcelona, was not a fluke), he also regained his hearing, more attuned to music being made in the NOW, and no place better than his host country, Spain for its local flavor and neglected indie troubadours.  The music you hear in the film's trailer, and presumbly its soundtrack (Allen stated that "Barcelona" is its main theme) will eventually land these Lucky 7 on the global map of music meccas.   This might be the year when people would start humming (and clapping) to Spanish songs like they did 2 years ago.

Latest album:  Eusebio

Think:  Early Belle and Sebastian + Ponies in the Surf + René Peña-Govea

Giulia y Los Tellarini - Il Principe

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/01%20Il%20Principe.mp3]

Giulia y Los Tellarini - Barcelona

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/02%20Barcelona.mp3]

Best Variety Show Appearance, love the Carmen Maura look in little girl white:

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Sporto Kantes:  Formed in 1990, this French drum-and-bass duo has been pumping out outstanding albums one after another.  Though still under the radar, they seem content in playing outside of the competition when the year's best lists are announced.  Weaving Afro-Caribbean and Spanish melodies into a heavy electronic framework, Sporto indulges the sin of sampling with enough originality to pass under everyone's favorite ambivalent term, "fusion."

Latest: 3 At Last

Think:  RJD2 + Gonzales + Groove Armada

Sporto Kantes - Whistle

[audio http://aurgasm.us/music/julija/Sporto%20Kantes%20-%20Whistle.mp3]

Sporto Kantes - Slits

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/11-sporto_kantes-slits_%28performed_by_sporto_kantes%29.mp3]

Best Guest Stint:  Bonus song "Ferdinand" in Jean Luc-Godard's Histoire(s) du Musique compilation

I think this tune might kickstart your neurons:

Compared to politicians and celebrities, the lives of prolific artists do not make for dramatic reading; the bulk of their waking hours are spent behind closed doors, doggedly working away in their studios. And although filmmaking is the most inherently social of the visual arts, Godard was never one for large crowds. Born in 1930 into a prosperous Swiss family, Godard spent his formative years reading world literature and watching obscure old movies. By his early twenties, he was writing tumultuous critical essays for the magazine Cahiers du Cinéma, and soon went on to direct his own debut feature film, Breathless (1960), an instant and enduring icon of European art cinema. For the next 48 years (and counting) Godard worked more or less non-stop, writing and directing nearly 50 back-to-back feature-length films. Considering this vast body of work, Godard in Brody’s estimation has now emerged as “an artist as dominant, as crucial, as protean, and as influential as Picasso”. ... more>>

The Moving Image Source is up! Offering "articles by leading critics and scholars, an international Calendar, and a Research Guide to online resources," the new website for the New York Museum of the Moving Image is far more than a "what's on" guide. It's an ever-expanding cultural database which will allow film-lovers to read up on films before and after seeing them, and will draw our attention to sites and events that may have escaped out notice.

Among the first articles are an affectionate and enlightening look at the late films of Howard Hawks, by regular Shadowplayer Dan Sallitt. It reminds me to view EL DORADO soon, and also offers a compelling and sympathetic theory of late filmmaking in general. 

We also get a review of Richard Brody's new Jean-Luc Godard biography by B. Kite, the shadow who lurks in the shadows of Shadowplay, the echo of a whistle trilled in a vanished vault, like the faded tattoo on the back of a ghost. Kite's piece not only works as an analysis of the strengths and weaknesses of the new bio, but sets out in capsule form an alternative vision of J.L.G. which you can accept in place of the biographer's portrait or superimpose on top of it as you like.

The site is a great place for specific research or just to start browsing. A couple of clicks got me the famous detonating child presidential campaign ad that basically screams "Vote Barry Goldwater and he will destroy the Earth!" and another got me to the always-stimulating Pinewood Dialogues, audio interviews and conversations with some top filmmakers and critics including Wong Kar-Wei, Terry Gilliam, David Cronenberg, Chuck Jones, Michael Powell, David Lynch...

It's going to be a regular pleasure to drop in on Moving Image Source and watch it grow, like a small child, or a mushroom cloud, engulfing us all. Yes, a small child engulfing us all.

1968 ferve no mundo: é o ano de Barbarella, a heroína intergaláctica e sexy de Roger Vadim, da burguesa Séverine de Bela da Tarde, de One plus One de Godard. O álbum branco dos Beatles é lançado, e é o ano dos hippies, de Hair na Broadway. E, claro, maio de 68 fica marcado como o ano em que os estudantes lutaram por um mundo melhor - ou o que eles consideravam um mundo melhor.
1968 também ferve no Brasil. O AI-5 aperta, a luta armada contra o regime militar encontra seu ápice. Roda Viva é montada no teatro. Beto Rockfeller subverte a linguagem da novela, se afastando totalmente do dramalhão e trazendo o mundo da dramaturgia televisiva para a "vida real", com uma interpretação naturalista, inclusão de cacos e retrato de um mundo jovem e moderno. Além disso, Rockfeller é um protagonista anti-herói - assim como Macunaíma, no filme de Joaquim Pedro de Andrade. E assim como Jorge, o personagem do segundo filme de Rogério Sganzerla.
Um ano depois do Bandido da Luz Vermelha, personagem dos tablóides, ser preso, Sganzerla decide fazer um filme que tem tudo a ver com hoje - até hoje. 68 ainda não terminou, 40 anos depois? Ele incita o pós-dramático, ele traz uma estética que é inserida no Cinema Marginal mas também o ultrapassa. Em um momento de "consciência política" e "batalhas ideológicas", ele grita: "quando a gente não tem mais o que fazer... a gente avacalha!". Ali está o cômico sem ser fácil, e a reflexão sim, sobre jornalismo, sobre o momento histórico, sobre a condição do ser humano, sobre - quem diria - a guerra de classes, oui oui, e sobre... moda!

João Acácio, o verdadeiro Bandido da Luz Vermelha

Rogério Sganzerla tinha apenas 22 anos quando dirigiu Bandido. E ele era bem descoladinho, viu. Tanto que acabou conquistando e amarrando a mais descolada, Helena Ignez, linda, musa, ex de Glauber Rocha. Não é pouco! Esse grau de coolness acabou se transportando para o filme - não apenas na botinha branca Courrèges de Srta. Ignez (vulgo, no filme, Janete Jane), mas no figurino do Bandido.

Ninguém sabe quem é Jorge - e ele também não. Nos seus assaltos, ele não só usa a mulher (não perdoa a família), a cozinha e tudo o que existe na casa do assaltado, mas principalmente vai até o armário. A roupa é uma forma de adquirir uma identidade que ele não tem - a toda hora ele sofre de crises existenciais engraçadíssimas (mas não menos profundas). Ele se veste de maneira bem ousada - à moda da época - e, quando o filme termina (não vou contar o fim, mas é um momento crucial)... repare: ele está inteiro de branco! Identidade perdida - ou encontrada? Acredito que, por todos esses fatores, Bandido é um dos filmes mais importantes no que diz respeito a figurino masculino.

Isaura S/A se inspirou e usou, em seu processo, diversos filmes. Um deles é O bandido da Luz Vermelha. Quem quiser ir: esgotou as quintas, mas agora tem apresentações nas quartas do mês de junho, sem lista. Aparece que vale a pena.
Quem ainda não assistiu ao filme pode alugá-lo ou ver no cinema, hoje, às 17h.

Janeteeee!

Curiosidades:
. Segundo o livro Bordado da fama: uma biografia de Dener, Lenny Dale - homossexual militante que adorava um basfond feito de extravagâncias e frases polêmicas - era amante de ninguém menos que... o Bandido da Luz Vermelha, João Acácio Pereira da Costa.
. O filme participou do quarto Festival de Brasília, em 68. Ganhou prêmio de melhor diretor, montagem, filme... e figurino! No ano seguinte, quem ganhou na categoria Melhor Figurino foi Macunaíma.
. Ivi diz que aquele lenço na cara é Justin e caubói. Pois pra mim é super Bandido da Luz Vermelha. Eu adoro. Originalmente, João Acácio realmente usava um lenço amarrado no rosto e uma lanterna com bocal vermelho - assim como outros bandidos. Cinema marginal rules!
. Diz que João Acácio, assim que foi solto em 1997 (e antes de morrer assassinado, em 98), tinha fixação por usar roupa vermelha. Quando pediam autógrafo para ele, o cara assinava "Autógrafo" no papel. Fala se você não achou mais cool que a Mallory Knox!
. Além de participar de Profissão: Repórter, da Globo, Felipe Gutierrez faz o papel do jornalista que enche o saco de J. B. da Silva, o Rei da Boca. OK, brincadeira, não é o Gutierrez, mas o cara é superparecido, até no jeito de falar! Repara! E sabe quem é o cara? Por essa o nosso Guti não esperava... Ezequiel Neves, aquele do Cazuza. RISOS.

Fotos: as duas primeiras, de João Acácio, são da exposição Imagens de fato: 80 anos da Folha.

Recuerdo que Jean Seberg compraba una lámina de Renoir en 'A bout de souffle'.

Jean-Paul Belmondo with fag permanently clamped in gob.

Now i know why there's so much smoking in films. This films fault.

And apparently it also started the French New Wave too, and is very influential and very significant.

Probably to aspiring film directors it is, and nerdy pseudy film students.

But 50 years on it seems hopelessly dated.

I tried to imagine what it might have been like to watch this back in 1960 as an idealistic 20 year old. Whether it would have impressed me with it's cool detachment, it's anarchic spirit, it's obsessive narcissistic self-absorption. Maybe it would.

Maybe I'd be wanting to walk around with a fedora hat on and a fag on and a fuck you attitude on - being a bit of a wannabe cool-dude gangster. Wanting to put my pecker in pretty Parisian girls so bad. Aching them for it. Being a bit of a bad lad cus they like it. Spinning enigmatic talk like:

"Why are you unhappy?" (she says) .... "Because I'm unhappy" (I say).... "Thats silly" (she says) (It is. But I'm being a clever dick)....

I could say, "It's life; burglars burgle, murderers murder, lovers love"... (that would get their knickers off)....

I could poke my cock out, being enigmatically epigramatically existential: "I want to be immortal - then die" (I'd be in then)

I wouldn't bother to love the girls. Altho i would bother them with love, and talking about it all the time, being a right pest.

And then do the post-coital comedown: "When we talked, I talked about me, you talked about you, when we should have talked about each other".

That would piss them off. But they wouldn't care. Cus they wouldn't be loving me as much as i hadn't been loving them. Cus we'd both be too self-preoccupied in only loving ourselves.

And still that fag would dangle. I'd be puffing my smoke and ash all over them.

"Why you looking at me?" I'd say. "Because I'm looking at you" they'd say (getting their own back)

The jazz xylophone would tinkle annoyingly away. I'd stick my shades back on. (So as not to listen to it)

"I'm sick of it all. I'm tired" I'd say, "I want to sleep". I'd give her my gun to shoot me in the back. "Why are you going to shoot me" I'd say. "Because I'm going to shoot you" she'd say. ("Because you're a scumbag" is what she'd really be thinking)

"You're a scumbag" I'd say. She'd have her Mona Lisa smile on. I'd Bogart her back with an existential grin. Time to go to sleep. One last puff....

She's shot me. Thank God.

Is this a "Forever film"? No. Without the historical context, and the cooing of the critics- you'd want to skip this film. I promise you, you wouldn't want to watch it.

I'd been putting it off. But finally felt obliged to, dutifully having to pay homage to the "Godfather of the Avant-Garde". Cus Godard's one of the "Greats" right?.

Only, i don't think I'll be wanting to watch too many more of Jean-Lucs films in a hurry.

They're enough to make me wanna commit slow suicide - go smoke myself to death.

Dir: Jean-Luc Godard, France

3/10

Que tal uma sessão de Godard ao meio dia, todos os sábados, até o dia 28 de junho? Essa é a proposta do Espaço Unibanco com a seleção "Jean-Luc Godard Anos 60". Delicie-se com:

Sábado - 31 de maio - 12h

"Desprezo" ("Le Mépris", França/Itália, 1963, Drama, 110 min, cor)

Sinopse: O casal Paul e Camille vivem aparentemente felizes em Roma, até que um incidente leva a mulher a desprezar profundamente o marido.

Sábado - 7 de junho - 12h

"O Pequeno Soldado" ("Le Petit Soldat", França, 1963, Drama, 97 min, PB)

Sinopse: Um agente secreto francês se recusa a cumprir uma missão, mas acaba por realizá-la após ser preso e torturado.

Sábado - 14 de junho - 12h

"O Demônio das Onze Horas" ("Pierrot le Fou", França/Itália, 1965, Drama, 115 min, cor)

Sinopse: Um jovem pai de família se prepara para uma festa quando descobre que a babá que vai ficar com seus filhos é uma moça com quem já teve um caso.

Sábado - 21 de junho - 12h

"Alphaville" ("Alphaville, une Étrange Aventure de Lemmy Caution", França/Itália, 1965, Ficção Científica, 98 min, PB)

Sinopse: Um detetive particular chega a uma futurística cidade, onde um cientista proíbe o amor e qualquer tipo de expressão individual.

Sábado - 28 de junho - 12h

"Made in USA" ("Made in USA", França, 1966, Drama, 90 min, cor)

Sinopse: Uma mulher investiga a suspeita morte de um comunista por quem foi apaixonada.

Ingressos custam R$ 5 e a exibição é sempre às 12h.

Fonte: Folha de São Paulo

Agora há pouco, o Jornal do Almoço da RBS TV convidou o técnico da seleção brasileira de boxe tailandês e um psicólogo para falar sobre imagens de "crianças lutando boxe tailandês" que teriam sido exibidas no Fantástico do último domingo. O psicólogo, é claro, mandou contra o esporte "violento", enquanto o técnico afirmou que a federação internacional do esporte proíbe que crianças lutem, o máximo que elas podem fazer é treinar. E além disso, lembrou que o boxe tailandês, assim como outras artes marciais, não é só luta, há também toda uma filosofia por trás. Que nem o judô - aliás, não são tão poucas crianças que fazem judô.

Falando sobre o vídeo - que a meu ver mostrava crianças treinando - o técnico disse que ele poderia muito bem ter sido editado, até porque os outros participantes do Jornal do Almoço falavam sobre terem visto no Fantástico "uma criança chorando" e tal não foi exibida hoje.

Isso me faz lembrar, mais uma vez, Pierre Bourdieu e seu livro "Sobre a televisão". Bourdieu fez uma citação do cineasta Jean-Luc Godard e seu trabalho de análise de uma fotografia de Joseph Kraft:

E eu teria podido retomar por minha conta o programa proposto pelo cineasta: "Este trabalho consistia em começar a se interrogar politicamente [eu diria sociologicamente] sobre as imagens e os sons, e sobre suas relações. Era não dizer mais: 'É uma imagem justa', mas: 'É justo uma imagem'; não dizer mais: 'É um oficial do exército dos federais sobre um cavalo', mas: 'É uma imagem de um cavalo e de um oficial'."¹

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¹ BOURDIEU, Pierre. Sobre a televisão. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Ed., 1997, p. 12.

IMDB

(1965, Jean-Luc Godard)

Pop culture, classic literature and American noir become filler in Godard's stylish vision of careless, dangerous romantics on a crash course with fate.

Jean-Paul Belmondo and Anna Karina are perfectly matched lovers on the run. The Criterion edition features director Sam Fuller in a green-tinted cameo.

4.5/5.0

Jean-Luc Godard (foto) desistiu de comparecer a um festival de cinema em Tel Aviv após um grupo palestino pedir que o cineasta francês boicotasse Israel.

Godard, um dos fundadores do movimento cinematográfico conhecido como Nouvelle Vague, na década de 1960, cancelou a viagem ao Festival Internacional de Cinema Estudantil, citando "circunstâncias além de seu controle", disseram os organizadores do festival nesta segunda-feira (2).

Leia a matéria completa clicando aqui.

I will give a disclaimer that may seem obvious to some and outrageous to the rest: we all have (thankfully) very different and (hopefully) active moral sensibilities, especially when it comes to media. This is healthy and a very good thing, in my opinion. However, this also means that if you read this list thinking that, because I consider myself a devout Latter-day Saint, you will not be offended by movies on my lists, you may be mistaken, just as I might be offended by movies on your lists. For example, I wrote in my last post here that many Disney movies and the messages they purport are offensive to me, and I'd never allow a great deal of them in my home.

I'll give a short example. One of the most devout films I know of (American or not) is Robert Benton's Places in the Heart. It speaks of a Christianity so purely visually that it is an example of the pinnacle of what the medium can accomplish if only placed in the hands of a devoutly gifted artisan. The film doesn't flaunt Christianity, it rather cannot escape it. It is built into every shot and every situation. And its PG rating reminds us that parents should watch it with their children (it is a film that will lead to very powerful and needed questions from 6-year-olds and teenagers alike). Yet when it was shown several years ago for the example of 'Transcendence in Cinema' in BYU's Intro to Film class, one person complained and called it vulgar and wrote several angry letters about it to the president of the university. There may be no other mainstream film (though you may not have heard of it — it stars Sally Field, among several others) more innocuous (even Ben Hur is described as homo-erotic) or more powerful to have ever shown Christianity. Yet this person called it vulgar. Why? Because Sally Field's shoulders were showing while bathing in the film.

Now the first reaction is to judge or criticize. I hope we avoid that. This person's mode for expressing their disapproval should be criticized and not their sentiment. Could Sally Field be considered immodest in this scene? I wouldn't want myself or my wife to be in a scene this way, so I can't criticize this person, though I strongly disagree with them. I just want to make it clear that I am not taking responsibility for you feeling 'safe' with these movies.

Here is the French Language List. (Several of the films are not from France or some are from France but made by directors from other countries.)

Rosetta (1999) — This Palm d'Or winner (the most prestigious award in the world) is unlike anything that you have ever or will ever see in you life. It is a thriller of the highest order but in the grittiest realism I know. The filmmakers, the Dardennes Brothers from Belgium, spent the first 20 years of their career making documentaries. The thing that sets this thriller apart from anything else you're likely to see (ever) has nothing to do with the intensity felt throughout or the (COMPLETE!) lack of music throughout the film or the refusal to demonize any single character or group of people. But what truly sets it apart is instead the fact that the main character's goal is simply to find and keep a job. It is honest, fulfilling work that is praised above all else. It has not only impacted me but also legal officials in Belgium to such an extent that labor laws were actually changed as a direct result of them seeing the film. Can you say that about ANY other work of art? Please email me if you know of any.

The Son (2002) — Following suit with yet another Palm d'Or, the Dardennes Brothers made, in my opinion, an even more moving film that would make any psychologist/moralist/humanist take interest. The topic? Fatherhood — in one of the most unassuming and passionate displays of complex Christianity I know of. Attention lovers of Ayn Rand and Dickens alike. (I'll also say that I spent the evening periodically weeping after my first viewing of this utter masterpiece).

A Man Escaped (1956) — This film is widely regarded as one of the greatest films ever made by one of the greatest filmmakers ever to have lived: Robert Bresson. The story tells of the escape of one man from a WWII prison. The film embodies simplicity, the definition of the modernist credo 'less is more.' Perhaps the easiest introduction to 'transcendentalism' in film is also the most profound illustration of a Catholic orientation toward the body and spirit — and the escape of the latter from the former.

To Be and To Have (2002) —A year spent filming in a French primary school reveals Nicolas Philibert to be by far the most Christian of all living filmmakers. A must-see for anyone interested in education, children, selfless devotion, or kindness, for that matter. The film imposes no emotion whatsoever; instead we are left with the images of the everyday goodness of one man. I'm convinced that no one can leave this film without becoming a better person. All the better to watch it often. Nearly inexhaustible.

The Gleaners and I (2000) — Agnes Varda is most often associated with the directors of the French New Wave and known as one of the world's premiere female directors, yet in the United States she is mainly known as the widow of Jacques Demy and responsible for the restoration of his masterpieces (The Umbrellas of Cherbourg and The Young Girls of Rochefort). This film, however, will make you wonder why you haven't heard more about her. It's true that Roger Ebert gave it 4 stars, but it received relatively little press in the States. Shot on hand-held video cameras, the film is a travel log of sorts and a philosophical meditation on gleaning, waste, poverty, and art. Varda's film is filled with the observations of a mature artist in her fifth decade of film production. Yet her genius lies in her honesty about herself and her ability to relate to every one of her subjects, be they homeless, philosophers, lawyers, fanatics, rappers, punks, or psychoanalysts. Anyone concerned with law, poverty, inequity, French culture (or world culture for that matter), metaphysics, or political structure should take note. Perhaps my list is a bit long, but I truly love this film.

Beauty and the Beast (1946) — Visual splendor unlike anything else I know. This film, by poet, artist, as well as filmmaker Jean Cocteau (yes, The Cocteau Twins are named after him), is the truest example of a fairytale.

Time Regained (1999) — This film by Chilean political refugee Raul Ruiz is perhaps the greatest literary adaptation I've yet encountered. I'll admit that I have yet to read Proust's monolithic work, but sources I trust claim this to be the most faithful and artistic adaptation possible. For a large part of his career, Ruiz, whose films were only recently made available in the United States (despite his use of American actors like John Malkovich), averaged something like six films a year — a massive output only possible in France. This is a towering feat of mise-en-scene; not only is the graceful camera movement enchanting, but the set elements (lighting fixtures, furniture pieces, walls) refuse to stay put as well. This is not a fantasy, horror, or any other supernatural-based genre. The space in this (as well as others of Ruiz's films) is simply constantly expanding and contracting. The scene is always swelling and brooding to compliment its high literature foundation.

Caché (2005) — Though this is Micheal Haneke's most commercial release, I consider it to be his finest to date of the features I've seen. His view of the social-class rift seems most fair to me here though still stilted. His characters are most developed and his camera is most disciplined in this film. I've written much more about it on my blog, but it is my favorite commercial/mainstream release of the past several years.

Notre Musique (2004) — Israeli-Palestinian conflict, Colonization of American Indians, Destruction of Culture, Dante's Divine Comedy, Levinas, War, Cinema, Heaven, Beauty. Jean-Luc Godard's film is as coherent as my sentance was: at times it seems to lack action, yet it's wrought with ideas. It is filled with beauty and profundity — but only for the extremely attentive. By far the most difficult film on my list by the world's most difficult director. (This also means, at least at times, the most rewarding, in my mind.) On your first viewing, you probably won't know what the film was about. It may seem like you get next to nothing, but it is a challenge well worth it, and its images will stay with you for a very long time. To view it and reap its fruits, you must either be extremely well versed in cinema or extremely intelligent. I'm closer to the first, so I don't feel too bad about not being the second. But then again, it helps to be both.

The Children of Paradise (1945) — The textbook example of complexity of emotion. Both the literary classicist and passionate illiterate will find something here to fill the soul. Terry Gilliam, of Monty Python as well as the director of films such as Brazil, 12 Monkeys, Tideland, and The Brothers Grimm, has claimed it to be the greatest movie of all time. Its epic nature and delicate intimacy are as astounding today as they were 60 years ago.

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It's not exactly like rain on your wedding day, or a free ride when you've already paid but, for some reason, my first Better Than Sex selection turned out to be something enormous, meaty and felt really good in my mouth. Who would’ve thought a bowl of Chasyu Tonkotsu Ramen at Yakitori Taisho would do the trick? Apparently, my friend LH, who dragged me into the scrappy Japanese pub at St. Marks place to try the ramen noodles with extra roasted pork in pork soup base. We were going for dinner there before scooting over to Film Forum for Jean-Luc Godard’s “Vivre Sa Vie”. While the hooker Nana had her “life to live” in that film, I had my own palate to please.

After demanding that the waitress swear to the dish not having a single trace of bananas, pumpkin seeds and figs – the top three “super foods to increase libido”, according to www.raiselibido.com - I was instantly won over as soon as the bowl landed in front of me. What’s not to love about the tonkotsu ramen, whose every thick slice of pork melted as you ate them, and every spoonful of its rich and milky broth possessed my taste buds? (And at 8.50, it's just the right length price.) The pork, above all, churned my butter. To paraphrase Mae West, “It’s not the meat in my life, it’s the life in the meat.” And the pork slices are practically bursting with it, locked in a seductive tango with the broth. Some of the the fat melts into what's left of the broth which taste better the longer the pork resides in it. The broth returns the favor, adding a bit of flavor to the meat and – I’ll stop right here as obsessing over meat clearly does not augur well for this blog. 

Let me point out, though, that ramen isn't the specialty of Yakitori Taisho - the kind of Japanese pub that I imagine worn-out Japanese executives roll up their sleeves at while hunkered over a bowl of no-nonsense grilled fare at day's end - its incredible variety of skewers is, and LH and I helped ourselves to chicken liver, beef guts and quail eggs. We also had a delicious serving of Agedashi Tofu (deep-fried tofu) and Mentai Potato (french fries with spicy cod roe and mayo sauce).

That’s one day down, 99 more to go. 

Em se tratando de Maio de 68, o pensamento fraco é sempre fortíssimo: 

- Uma palavra, o que é?

- Uma palavra é o que se cala.

- E você?

- Eu?

- Sim, você, e um para o outro.

- Eu.

- Não, você. Alguém que quer aprisionar esse outro, inesquecível, que pode nos surpreender.

- E eu agora?

- Sim. Eu de desculpas, eu de rejeição e muito mais.

- E nós agora?

- Nós, os discursos dos outros.

Tuer un homme pour defendre une idee n'est pas de defendre une idee, c'est de tuer un homme

Notre Musique, 2004, Jean-Luc Godard

Os destaques incluem dois clássicos de Jean-Luc Godard (A chinesa, na Cinemateca, e One plus one - com os Rolling Stones -, na Galeria Olido) além de quatro filmes do cineasta brasileiro mais representativo do período, Glauber Rocha: 1968, Câncer (esse filme é super raro e tem Hélio Oiticica no elenco, vale muito!), História do Brasil e Terra em Transe.

Eu, com certeza, não perderia também Hitler III Mundo, Bla Bla Bla e Bandido da Luz Vermelha.
 

A CHINESA - incrivelmente pop, incrivelmente lúcido em uma época que todos eram chineses (estaremos vivendo um revisionismo)

O BANDIDO DA LUZ VERMELHA - jovem, insano, sem medo de ser brega e ultramoderno ao mesmo tempo agora.

TERRA EM TRANSE - já pelo fato de ser o filme que Zé Celso olhou para fazer "O Rei da Vela", que Hélio e Lygia elegeram como uma das maiores contribuições para as artes plásticas, que Caetano sistematicamente elege como fundador do Tropicalismo, provando que o cinema era mesmo a lanterna de popa daquela geração. O extrato que coloco aqui é a parte final. O populista interpretado por José Lewgoy cede ao golpe de Estado de Porfírio Diaz (Paulo Autran maravilhoso!!!!) e o poeta (Jardel Filho) prefere se suicidar. Reparem que na posse de Porfírio, a leitura elevadíssima de Glauber sobre as chacretes ao fundo e também na linguagem clipada que anos depois seria reconhecida como mérito da MTV. 

 
Programação e sinopses:

03.06 | TERÇA
Galeria Olido
15h00 - O bandido da luz vermelha
17h00 - Meteorango Kid – Herói intergalático
19h30 - Hércules 56

04.06 | QUARTA
Sala Cinemateca / Petrobras
16h00 - 1968 + Câncer
18h00 - História do Brasil
21h00 - A chinesa

Galeria Olido
15h00 - Meteorango Kid – Herói intergalático
17h00 - Bla bla bla + Hitler III Mundo
19h30 - O Rei da Vela

05.06 | QUINTA
Sala Cinemateca / Petrobras
16h00 - A chinesa
18h00 - Universidade em crise + Desesperato
20h00 - Retomada

Galeria Olido
15h00 - Partner
17h00 - Fogo que não se apaga + Memória e história em utopia e barbárie
19h30 - Corações e mentes

 06.06 | SEXTA
Sala Cinemateca / Petrobras
17h00 - Amantes constantes
20h00 - A insustentável leveza do ser

Galeria Olido
15h00 - Bla bla bla + Hitler III Mundo
17h00 - O bandido da luz vermelha
19h30 - One plus one

07.06 | SÁBADO
Sala Cinemateca / Petrobras
16h00 - Os sonhadores
18h00 - A chinesa
20h00 - Amantes constantes

Galeria Olido
15h00 - Hércules 56
17h00 - One plus one
19h30 - Partner

08.06 | DOMINGO
Sala Cinemateca / Petrobras
16h00 - Terra em transe [exibição em 35mm]
18h00 - O dragão da maldade contra o santo guerreiro
20h00 - 1968 + Câncer

Galeria Olido
15h00 - Fogo que não se apaga + Memória e história em utopia e barbárie
17h00 - Corações e mentes

1968, de Glauber Rocha e Affonso Beato
Rio de Janeiro, 1968, 16mm, pb, 21’
Documentário inacabado que registra uma manifestação estudantil no Rio de Janeiro em 1968.

Amantes constantes (Les amants réguliers), de Philippe Garrel
França, 2005, 35mm, pb, 178’ | Legendas em português
Louis Garrel, Clotilde Hesme, Julien Lucas, Eric Rulliat
Um romance entre um poeta e uma escultora que se conheceram durante as manifestações de maio de 68. Vencedor dos prêmios de Melhor Direção e Melhor Fotografia no Festival de Veneza de 2005.

O bandido da luz vermelha, de Rogério Sganzerla
São Paulo, 1968, 35mm, pb, 92’ | Exibição em DVD
Paulo Villaça, Helena Ignez, José Marinho, Luiz Linhares
Clássico do cinema moderno brasileiro que toma como ponto de partida um caso policial de grande repercussão.

Bla bla bla, de Andrea Tonacci
São Paulo/Rio de Janeiro, 1968, 16mm, pb, 26’ | Exibição em DVD
Paulo Gracindo, Irma Alvarez, Nelson Xavier, Marcelo Pietsh França
Num momento de grave crise nacional, um ditador, confrontado na cidade e no campo por revoltas e guerrilha, faz um longo pronunciamento pela televisão buscando justificar seu programa de governo e obter uma paz ilusória.

Câncer, de Glauber Rocha
Brasil/ Itália, 1968-1972, 16mm, pb, 86’ | Exibição em DVD
Odete Lara, Hugo Carvana, Hélio Oiticica, Antonio Pitanga
Num dos mais radicais projetos do diretor, três personagens – um típico malandro carioca, o receptador de seus pequenos golpes e uma loura sensual – envolvem-se em situações cujo tema é a violência psicológica.

A chinesa (La chinoise), de Jean-Luc Godard
França, 1967, 16mm, cor, 96’ | Legendas em português
Jean-Pierre Léaud, Anne Wiazemsky, Juliet Berto, Lex De Bruijn
Um grupo de estudantes franceses de ideais maoístas discute a possibilidade de mudar o mundo através do terrorismo. Um retrato, com toques de pop-art, do movimento esquerdista francês um ano antes dos eventos de Maio de 68.

Corações e mentes (Hearts and minds), de Peter Davis
Estados Unidos, 1974, 35mm, cor, 112’ | Legendas em português
Documentário que marcou época ao trazer à tona as devastadoras conseqüências humanas da Guerra do Vietnã.

Desesperato, de Sérgio Bernardes Filho
Rio de Janeiro, 1968, 35mm, pb, 85’
Raul Cortez, Mariza Urban, Nelson Xavier, Mário Lago, Ferreira Gullar
Após pesquisar as "zonas negras do Terceiro Mundo", escritor lança um livro sobre patriotismo e luta pela liberdade. Ao voltar pra casa, encontra uma estrutura arcaica que não pode mais suportar.

O dragão da maldade contra o santo guerreiro, de Glauber Rocha
Rio de Janeiro, 1969, 35mm, cor, 95’ | Exibição em 16mm
Othon Bastos, Mauricio do Valle, Odete Lara, Jofre Soares
Com ares tropicalistas, o filme retoma o personagem Antonio das Mortes, de Deus e o Diabo na Terra do Sol, contratado por um coronel para exterminar um bando de cangaceiros.

Fogo que não se apaga (Nicht löschbares feuer), de Harun Farocki
Alemanha, 1969, 16mm, pb, 25’ | Legendas em português | Exibição em DVD
Com escassos recursos, o diretor apresenta uma visão da Guerra do Vietnã que critica a abordagem sensacionalista da imprensa.

Hércules 56, de Silvio Da Rin
Rio de Janeiro, 2006, 35mm, cor/pb, 93’
Documentário sobre os presos políticos trocados pelo embaixador americano seqüestrado por revolucionários que lutavam contra a ditadura militar.

História do Brasil, de Glauber Rocha e Marcos Medeiros
Brasil/Itália, 1974, 35mm, pb, 166’
Revisão crítica da história do Brasil, por meio de uma montagem dialética de material recolhido nos arquivos e cinematecas de vários países.

Hitler III Mundo, de José Agrippino de Paula
São Paulo, 1968, 35mm, pb, 70’ I Exibição em DVD
Jô Soares, José Ramalho, Eugênio Kusnet, Túlio de Lemos
O nazismo toma conta da cidade: prisão e tortura de revolucionários, um samurai perdido no caos, amantes trancafiados, o ditador e sua corja de bárbaros conservadores.

A insustentável leveza do ser (The unbearable lightness of being), de Philip Kaufman
E.U.A., 1988, 35mm, cor, 171’ | Legendas em português
Daniel Day-Lewis, Juliette Binoche, Lena Olin, Derek de Lint
Adaptação do best-seller de Milan Kundera sobre jovem cirurgião que é forçado a rever sua postura de alienação política ao envolver-se num triângulo amoroso, na cidade de Praga em 1968.

Memória e história em utopia e barbárie, de Silvio Tendler
Rio de Janeiro, 2005, vídeo digital, cor, 50’ | Exibição em DVD
Documentário que aborda e interpreta os cinqüenta anos que precederam o início do século XXI: o pós-Segunda Guerra Mundial, os movimentos de contra-cultura, as ditaduras militares na América Latina, a Guerra do Vietnã etc.

Meteorango Kid – Herói intergalático, de André Luiz de Oliveira
Salvador, 1969, 35mm, pb, 85’ | Exibição em DVD
Antonio Luiz Martins, Sonia Martins, José Wagner, Carlos Bastos
Com humor e escatologia, o filme apresenta o cotidiano de um revoltado universitário em busca de aventuras. Um ilustre exemplar da vertente baiana do cinema marginal.

One plus one (Idem), de Jean-Luc Godard
Inglaterra, 1968, 35mm, cor, 97’ | Legendas em português | Exibição em DVD
Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman, Charlie Watts
Uma série de vinhetas sobre a contracultura, os Panteras Negras, a mídia e a liberação das mulheres, intercaladas a imagens da banda Rolling Stones em estúdio, trabalhando na gravação de seu clássico álbum Beggars Banquet. Versão do diretor para o longa lançado com o título de Sympathy for the Devil.

Partner (Idem), de Bernardo Bertolucci
Itália, 1968, 35mm, cor, 105’ | Legendas em português | Exibição em DVD
Pierre Clémenti, Stefania Sandrelli, Tina Aumont, Sergio Tofano
Baseando-se livremente em O Duplo, de Dostoiévski, o filme conta a história de um estudante cuja existência solitária é abalada pelo aparecimento de um homem que o incentiva a ter um maior engajamento político.

O Rei da Vela, de José Celso Martinez Corrêa e Noilton Nunes
São Paulo/Rio de Janeiro, 1971-1982, 35mm, cor, 160’ | Exibição em DVD
Renato Borghi, Henrique Brieba, Esther Góes, Maria Alice Vergueiro
Registro da revolucionária montagem do Teatro Oficina para peça de Oswald de Andrade, acrescido de imagens externas filmadas posteriormente e cenas de arquivo retiradas de documentários e filmes familiares.

Retomada (Reprise), de Hervé Le Roux
França, 1996, 195’, 35mm, cor/pb | Legendas em espanhol | Exibição em Beta digital
A partir de um registro do final de uma greve numa fábrica na periferia de Paris, feito por dois estudantes de cinema em junho de 1968, este documentário busca reencontrar, quase 30 anos depois, uma operária que foi filmada em sua eloqüente recusa a retomar o trabalho.

Os sonhadores (The dreamers), de Bernardo Bertolucci
França/ Itália/ Inglaterra, 2003, 35mm, cor, 115’ | Legendas em português
Michael Pitt, Eva Green, Louis Garrel, Jean-Pierre Léaud
Em meio aos tumultos políticos de Paris em 1968, três estudantes se vêem envolvidos num triângulo amoroso marcado pela descoberta e pelo desejo de liberdade.

Terra em transe, de Glauber Rocha
Rio de Janeiro, 1967, 35mm, pb, 105’
Jardel Filho, Glauce Rocha, Paulo Autran, José Lewgoy
No país imaginário de Eldorado, em meio a uma disputa pelo poder, um poeta à beira da morte rememora sua participação em lutas políticas. Obra-prima de Glauber Rocha, o filme inaugurou um debate sobre o populismo no Brasil e foi o ponto de partida para o Tropicalismo.

Universidade em crise, de Renato Tapajós
São Paulo, 1965, 16mm, pb, 20’
Retrato de uma greve estudantil motivada por uma invasão policial ao conjunto residencial da USP.
 

Serviço:
ENTRADA FRANCA
CINEMATECA BRASILEIRA
Largo Senador Raul Cardoso, 207
Metrô Vila Mariana
Outras informações: 3512-6111 (ramal 215)
www.cinemateca.gov.br
GALERIA OLIDO
Av. São João, 473
Metrôs Anhangabaú / República
Outras informações: (11) 3331-8399

Scena z niedawno oglądanego przeze mnie filmu "Vivre sa vie" Jean-Luca Godarda z 1962.  Nie będę się rozwodził na temat samego filmu - wszystko co napisałbym byłoby pozytywne, a w każdym razie wszystko w dziele Godarda bardzo mi się podoba, bo po prostu lubię jego styl.

Istnieją pewne teorie, że Mia Wallace z Pulp Fiction była wzorowana na Postaci Nany.

Um dos grandes orgulhos do povo de cinema é proclamar que Maio de 68 começou na realidade em fevereiro quando Henri Langlois, amado por quase todo mundo da 7ª arte (fato em si já bem raro!) foi demitido da presidência da Cinemateca Francesa pelo Ministro da Cultura, André Malraux, famoso escritor, uma espécie de Gilberto Gil do governo De Gaulle.

Estudantes X De Gaulle

O intelectual e pesquisador de cinema provocou uma série de protestos de estudantes, intelectuais e classe artística e acabaram ficcionados por Bernardo Bertolucci em seu filme "Os Sonhadores" (The Dreamers, 2003).

O poder nas ruas

Gosto de pensar nessa alegoria pois o cinema sim, na década de 1960 era A manifestação, A expressão mais antenada que o mundo dispunha. Não à toa que todo jovem tinha planos de fazer um filme na época.

Sim, muitos vão me perguntar, e a música? Diferentemente da música e igualmente à moda, o cinema tem a indústria, a reprodução/cópia em seu DNA, no seu específico. Realiza-se sempre em uma escala que o único, o precioso não se impõe (apesar da moda sofrer com o paradoxo da Alta Costura). O que se chama indústria fonográfica é a tentativa da música de acompanhar esse novo momento do Homem que o sempre citado e lido nas universidades Walter Benjamin chama de reprodutibilidade técnica. Outro fator, o cinema assistido na época e comentado era o que de mais moderno e avançado em termos de linguagem estava sendo feito, aliás o cinema fez um tour de force e avançou em menos de 100 anos o que as artes estavam discutindo durante mais de 3 mil anos. Os Cinemas Novos colocavam a discussão da imagem em pé de igualdade e logo "avant-garde" (desculpa o termo mas acho que posso usá-lo em se tratando de Maio de 68 ) em relação a qualquer outra arte visual. Já a música consumida era a pop, que tem os seus méritos mas estava longe da pesquisa de ponta que a música fazia com os pós-serialistas, concretos, aleatóriose eletrônicos. Não era Berio ou Boulez que era consumido e sim Beatles, nenhum problema, mas não era a informação nova de linguagem em música que estava sendo absorvida.

Voltando aos 24 quadros por segundo: Godard em 67 ao filmar "A Chinesa" já contava em imagens aquilo que iria se tornar realidade. Um grupo de jovens esquerdistas querem mudar o estado das coisas durante as férias. Eles alugam um apartamento, vivem em torno das palavras de ordem, tentam matar um líder político e no fim devolvem o apartamento e voltam para as suas vidas normalmente. Exatamente como aconteceu um ano depois.

"A Chinesa": premunição

Mas quando o evento ocorre no calor da hora, ele e seus amigos de Nouvelle: François Truffaut, Alais Resnais, Eric Rohmer, Claude Lelouch com o apoio de Monica Vitti, Milos Forman, Roman Polanski e Carlos Saura impedem a realização do Festival de Cannes que ocorria ao mesmo tempo que os estudantes estavam protestando na rua. As salas de projeções viraram foruns acaloradas. Romantismos à parte, para eles era inconcebível realizar um festival enquanto o mundo estava mudando.

Só coloco esse adendo pois lembrei de uma edição do SPFW que aconteceu durante ameaças de ataques do PCC e tirando o nosso fashionista trotkista Alcino Leite e sua companheira Nina Lemos, ninguém se manifestou em crítica sobre o absurdo que estava acontecendo na cidade. Como se moda e vida não tivessem nenhuma ligação! Aliás tento acreditar que hoje a moda é A manifestação, mas ainda no armário, pois nos falta auto-estima e sofremos de um complexo de inferioridade avassalador, basta ver como pagamos pau pros artistas plásticos, designer e arquitetos que ainda estão quando muito com idéias do século 20 e criando igualmente se nesse época vivessem.

A moda deve encontrar seu específico e não depender de outras artes como assim fez o cinema na década de 1960 que abandonou a literatura e o teatro para encontrar-se.

Apesar das muitas mudanças que Maio de 68 trouxe, a maior de todas, para o bem e para o mal, é o estrelato da subjetividade, prova maior que isso são os blogs e EU um exemplo.

Ignacio Jáuregui.

pd. si, lo que ven en mis axilas es un chivo tremendo. Hacía calor, muchos amigos, etc.