Fight Club (1999)

http://www.imdb.com/title/tt0137523/

Regi: David Fincher

Manus: Jim Uhls og Chuck Palahniuk (bok)

Med: Edward Norton, Brad Pitt, Helena Bonham Carter, Meat Loaf og Zach Grenier.

Spilletid: 139 min

David Fincher er nok en av mine yndlingsregissører. Han har i tillegg til Fight Club laget Se7en, Zodiac, The Game, Panic Room og Alien3. Det som kjennetegner han er en veldig klar visuell stil, han er flink å bruke teknologien på nye måter, og han bruker mye low-key lyssetting, ofte sammen med en litt kald blåfarge på bildene. Senere i år kommer han med en ny film, The Curious Case of Benjamin Button, og den ser jeg veldig fram til.

Fight Club har store stjerner i hovedrollene. Brad Pitt er nok mest kjent (Se7en, Snatch.), men Edward Norton (American History X og den nyeste versjonen av The Incredible Hulk) er ikke akkurat noen lettvekter han heller. I tillegg har de med seg Helena Bonham Carter (Big Fish, Sweeney Todd) og sangeren Meat Loaf.

Hovedpersonen i Fight Club (Norton) forblir navnløs gjennom filmen, og refereres til som fortelleren. Han har det egentlig ganske så kjipt, og sliter med søvnmangel. Han går på mange forskjellige slags støttegrupper, selv om han ikke kvalifiserer til å være der i det hele tatt. Der treffer han Marla Singer (Carter), som også utnytter støttegruppene på samme måte. De blir en slags rivaler. På en flytur treffer fortelleren Tyler Durden (Pitt), som har mange interessante synspunkter på verden. Når så fortelleren finner ut at leiligheten hans bokstavelig talt har sprengt pga en gasslekasje, er Durden personen han ringer for en midlertidig plass å bo. Durden får ham til å innse at det å slåss mot hverandre er en god måte å få ut aggresjon og andre opplåste følelser, og sammen starter de etterhvert Fight Club. Men fortelleren har ingen anelse om hvordan dette skal utvikle seg...

Fight Club er en utrolig kynisk film, og funker dermed absolutt best om du er i det humøret når du skal se den. Men uansett er den fylt av fantastiske replikker, morsomme, gjennomtenkte replikker som får deg til å se ting på nye måter. Så leveres de jo også veldig bra av Brad Pitt. Norton står også for sin del, men hans replikker er de med mer trist utsyn på livet. Tyler Durden har rett og slett sluttet å bry seg om hva som er riktig eller galt, og lever gjennomført etter sin egen moral.

Som tidligere nevnt er det en veldig stilig film visuelt. Umulige kameraføringer og bilder lagt inn i en enkelt frame, sånn at du merker at det er noe der, men ikke helt hva det er. Akkurat det siste er jo noe Tyler Durden liker å gjøre i filmen, der han setter inn en enkelt frame av en pornofilm inn i en tegnefilm på kino. Rett før rulleteksten gjør så Fincher den samme spøken mot oss, med et enkelt bilde av en penis.

Skuespillet er perfekt, i mine øyne, og en av hovedgrunnene til at jeg respekterer Norton og Pitt så mye som skuespillere. De blir gjerne påstått å være typiske Hollywood-stjerner, men disse to er et langt steg over de fleste andre.

I tillegg bør det jo dras fram at også slutten på denne er helt vidunderlig god, med en twist som vil få deg til å fly veggimellom av overraskelse, før de drar in rulleteksten med Where is my mind? av The Pixies. En finfin avslutning på filmen.

Filmen ble nominert til en Oscar, for Beste lydeffektredigering, men vant den ikke. Faktisk gjorde den det ikke særlig godt på kino, spesielt ikke i USA. Men senere har den blitt en kulthit, og har solgt i mengder på dvd. På IMDb har den 8.7/10 med 281 274 stemmer, noe som plasserer den på 23. plass på top 250. Som alltid, se på traileren nedenfor, og se filmen etterpå. Det er en av de smartere filmene du finner, etter min mening.

Har du, trofaste leser som fremdeles henger med, sett Fight Club? I såfall vil jeg gjerne vite hva du syns om den. Legg igjen en kommentar.

While I agree I would be nervous about spending those amounts of money on films period, to tell filmmakers like Cameron, Fincher, and Jonze to "reign it in" is probably not the wisest way to get the best work out of them.

Throughout the history of the motion picture business there has always been those who have decided to push the boundaries of what is acceptable, what is entertaining and most importantly, what is possible.

Even D.W. Griffith's (incredibly racist) Birth of A Nation was the most expensive film of all time - at that time - with a budget of $112,000 (2.2 million nowadays).

Without George Lucas we would not have Pixar or Avid.  Those are both companies he helped create in one form or another before ultimately selling the company and/or the technology to others.  Without Spielberg forcing the hand of CG during the filming of Jurassic Park, we wouldn't have the sci-fi action adventure bonanza's we have today.  I'm not saying they are all good, but look at The Dark Knight. to see what can happen when an true auteur is given free reign.

Every industry needs the mainstream mavericks.  Those that are within the industry and push it to go farther.  Us truly independent filmmakers rely on story and controversy and a select few have the capability to be do effective fx.

With a potentially unlimited budget and from within the studio system, someone must push those boundaries.  And for my money I'd prefer it to be Cameron or Fincher or Jonze.  Even Spielberg.

I'm not saying it's okay to spend hundreds of millions of dollars on films, far from it.  I'd rather take 100 million and make 100 one million dollar films.

Actually I say that but there are some films I'd like to make that will actually require a larger budget.  My point is that without allowing doctors to experiment and go down unbeaten paths we wouldn't have penicillin.

And no, penicillin and film making are not the same thing, it's just an analogy.

In closing I guess the best way to put it is that you wouldn't want to give me 300 million dollars to make a single film, I wouldn't know where to begin to spend it.

But Cameron has earned it and I for one can't wait to see Avatar.

Jake

Un paper publicado en Proceedings of the Royal Society B, lanza una nueva hipótesis sobre el papel evolutivo de la religión: protegernos de contactos potencialmente peligrosos para nuestra salud. El artículo está basado en los estudios estadísticos realizados por Corey Fincher y Randy Thornhill de la Universidad de New Mexico en Albuquerque.

En el estudio se incluyen 339 sociedades de Asia, América, África y Australia; analizadas con la Barret´s World Christian Encyclopedia para estimar el número de religiones en 219 países y la Global Epidemiology Database para sacar los datos de las enfermedades.

El análisis estadístico muestra una asociación entre altas tasas de enfermedades contagiosas y zonas con alta diversidad religiosa.

Emile Durkheim (uno de los padres fundadores de la sociología) ya dijo que la religión era el cemento que mantenía el orden en las sociedades. Ahora el artículo que nos ocupa puede ir algo más allá.

Cuanto más se dispersa la sociedad y se mezcla con otros grupos, aumenta el riesgo de contraer enfermedades. Como dice el artículo de Nature, "Strangers are bad for your health" y según los propios autores del estudio "that the psycology of xenophobia and ethnocentrism is importantly related to avoidance and management of infectious disease"

Las religiones siempre han potenciado el aislamiento, ya que evita el intercambio de ideas. Los autores del artículo afirman que no solo evitó el intercambio de ideas, sino también el de enfermedades contagiosas

Ahora las discusiones filosófico-sociológico-evolucionistas están servidas. Para empezar, a mí todo lo estadístico a pelo me da cosica. La estadística, con todos mis respetos, si quiere demostrar una cosa seguramente lo consiga. Por lo que he visto existen dos posturas; una que afirma que la religión es una consecuencia de nuestro desarrollo cerebral, y otra que afirma que ha sido importante evolutivamente cohesionando el núcleo social.

Ahora tenemos un estudio que refuerza la segunda.

En mi opinión, posiblemente sea cierto. Concuerda. Sigue el ejemplo papal de "contra el sida abstinencia". Y señala a las religiones como una de las mayores instigadoras de xenofobias, que a mí también me concuerda.

Sólo un detalle a mencionar: para mí no es evolutivamente correcto. En la mezcla está el exito. Quien haya tenido un perro pura raza y un "mil-leches" (me encanta el nombre) sabe que el Canis vulgaris (también me encanta ;) ) es más espabilao y pilla menos enfermedades. ¿Y por qué? Porque en sus mezclas también coge bagaje inmunológico por las enfermedades pasadas de unos y de otros.

    “When women choose the church norms of femininity instead of wondering if Christ wants us to grow deeper to understand our womanhood, we muffle God’s image in ourselves.  When we toe the party line instead of questioning, wondering, and doubting the script we’ve been given, we allow our desire for a husband or the men we admire to rule even our own souls.  We are living the curse.

But we are living it with `feminine’ frills.  We have pink witness-wear, dainty cross jewelry, and flowery bookmarks.  We can buy embroidered Bible covers and go to women’s Bible studies, which are geared to help us accept our curse.  Some of these women’s Bible study groups give us more lists, ways to be more gentle, quiet, and submissive.  We are told that we really are happier when a man takes care of us.  That we feel safer that way.  That we are natural followers.  And the studies we read, the jobs we accept, the pay we earn, all testify to our belief that this subordination is true femininity.  It’s much simpler to settle and forget about the ruby slippers.  It’s simpler, and anyway, isn’t this just the way life is?  Isn’t this God’s judgment on us?”

-- Jonalyn Grace Fincher

For the full answer to these and other questions regarding Christian femininity, check out Ruby Slippers by Jonalyn Grace Fincher.  Zondervan, 2007.  See my Book Reviews for more.

Join us here for Friday Film Features with Steve Green and Find Us Faithful, followed by our Saturdasy Say What?! series.  Our discussion on Christian womanhood continues next week with "Flight Paths."  Stay tuned.

Seine Filme erwecken den Eindruck, als befreie David Fincher sich in seinen Werken von all dem negativen Gedankensmog, von all dem Ballast, den er tagtäglich sieht, den er zu spüren bekommt und verabscheut. Als finde er in direkter Verdammnis, in beißender Gesellschaftskritik Erkenntnis und Erlösung, eine Art seelische Befreiung also. Vielleicht ist dem wirklich so, vielleicht, und das ist wahrlich nicht auszuschließen, ist das letztlich doch nur Kino, das Fincher inszeniert und präsentiert, keine ausgleichende Gerechtigkeit also, die gebannt auf Zelluloid mehr Fragen hinterlässt, als Antworten gibt. Es ist nicht unbedingt der Mensch als solchen, den Fincher verdammt und anprangert als vielmehr die Gleichgültigkeit und Naivität der Massen. Es ist nicht ein menschliches, sondern ein von Menschen durchaus akzeptiertes System, das er zeichnet, aufzeigt und entlarvt, eine pessimistische, verabscheuungs- würdige Gesellschaft, die sich über ihren Besitztum definiert (Fight Club), die sich hinter ihren prallgefüllten Finanzkonten versteckt, um ihre charakterliche Arroganz zu kaschieren (The Game) oder eben jene, die als Sinnbild für den gestörten Geist des Menschen steht (Se7en). In Se7en, seinem 1995 erschienenem Neo noir-Thriller, führt David Fincher seinem Publikum eine verzweifelte Welt vor Augen, die kühl ist, weil sie sich nur für sich selbst interessiert, die verrückt ist, weil Kriminalität bereits zur anerkannten Selbstverständlichkeit geworden ist, und die traurig ist, weil man sich fragen muss, ob man in diese “kaputte” Welt überhaupt ein Kind setzen sollte. Dabei verallgemeinert Fincher seine Intention nicht, er fokussiert eben jene amerikanische Metropolen, egal welchen Bundesstaates, die in Gleichgültigkeit und Kriminalität unterzugehen drohen. Se7en, das ist David Finchers Illusion einer Desillusion.

Detective Lt. William Somerset (Morgan Freeman) steht genau eine Woche vor seiner Pensionierung. Glücklich oder erfreut scheint der routinierte, sorgfältige und erfahrene Cop darüber nicht zu sein, ist sein Beruf, Verbrechens- bekämpfung in einer von ihm verhassten Welt, doch sein einziger sinnvoller Lebensinhalt. Somerset trauert den scheinbar verloren gegangen Charaktereigenschaften der Menschen allerdings wenig nach, hat er sich doch mit dieser Tatsache bereits vor Jahren abgefunden. In seinen letzten sieben Tagen als Staatsdiener wird ihm sein Nachfolger David Mills (Brad Pitt) zugewiesen, ein impulsiver, zynischer, sarkastischer “Neuling”, der (noch) zu emotional für diese Art Arbeit scheint. Unbedingt sympathisch sind sich die beiden von vornherein nicht, ebenso wenig wie sie gleicher Meinung sind. Zwei gänzlich unterschiedliche Charaktere also, der eine ruhig, besonnen und immer nach Dienstvorschrift, der andere aufbrausend und wenig abgebrüht. Eines allerdings verbindet sie: der Hass gegenüber einer für sie unverständlichen Gesellschaftshaltung und gegenüber dem kriminellen Abschaum, der auf den Straßen wütet, obgleich Somerset eben diese verstörte, “kranke” Welt mehr oder weniger akzeptiert, wenn auch noch immer verdammt, während Mills mit dieser nicht umzugehen versteht. Mills, der mit seiner Frau Tracy (Gwyneth Paltrow) aus dem Norden in eine Großstadt gezogen ist, und sich ebenso an das städtische Moloch gewöhnen muss wie seine Ehefrau, ermittelt bereits an seinem ersten Tag als Detective mit seinem neuen Partner Somerset an einem absurden Mordfall. Sie finden in einer schäbigen Wohnung einen krankhaft fettleibigen Toten auf, sitzend auf einem Stuhl, gefesselt an Füßen und Händen, der Kopf hängend im Essen. Scheinbar wurde er von seinem Peiniger solange mit Lebensmitteln gefüttert, bis dieser an inneren Blutungen starb. Schnell stellt sich heraus, dass dieser grausame Mord nur der erste einer Serie ist, die nach dem Muster der sieben Todsünden vollzogen wird. Somerset und Mills erwarten nach dem zweiten brutalen Mord an einem wohlhabenden Anwalt also noch fünf weitere Tötungsdelikte eines verrückten Verbrechers.

David Fincher meint es offensichtlich ernst mit seinen Intentionen, todernst sogar. Er lässt sich auf keinerlei Kompromisse ein, bleibt konsequent, und zwar bis der Abspann seines Serienkillerthrillers aufblitzt. Er zeichnet ein pessimistisches Gesellschaftsbild, eine düstere, unverständliche Welt, in der sich seine vier Protagonisten ebenso wenig zurechtfinden wie identifizieren können und die durch die spannungsgeladenen, fein geschliffenen und intelligenten Dialoge zwischen Somerset und Mills geprägt und verdeutlicht wird. Es ist schon fast beängstigend wie wenig ironisch er seine Geschichte erzählt, wie stur er bei seinem Statement bleibt, als wolle er alles erreichen, nur nicht die Filmebene, als gäbe es kein “Das ist ja nur ein Film”. Und er symbolisiert diesen Pessimismus, visualisiert ihn, indem er Raum und Zeit visuell als auch inhaltlich einengt, die Handlung einrahmt, als wäre da kein Notausgang, kein Entkommen. In Se7en, in dieser unbekannten Metropole, die repräsentativ für jede amerikanische Großstadt steht, regnet es fast ausschließlich, ist das Wetter trüb, als verdiene es eine derartige Welt nicht anders, als stehen Somerset, Mills und Tracy sprichwörtlich im Regen, als würden die drei an ihrer Ungewissheit über das Ekelerregende dieser Gesellschaft erkranken. Es ist ein komplexes, sehr intimes Figurenspiel, das Fincher und Drehbuchautor Andrew Kevin Walker aufbauen. Ohnehin ist Walkers Skript wahrlich grandios geschrieben, weil es intelligent und vielschichtig ist und so auf verschiedenen Ebenen funktioniert, weil es Stilbrüche begeht und so den modernen Thriller definiert und weil es Finchers Intentionen gerecht wird. Intentionen und Ambitionen, die Se7en erst zu dem machen, was es ist - ein zeitloses Meisterwerk der 90er Jahre, virtuos inszeniert, perfekt photographiert.

Die personifizierte Reflexion dieser “kaputten”, dieser subversiven Welt ist der Serienkiller John Doe, der in seinem “Spiel” die Fäden in den Händen hält, als wäre er Gott, oder zumindest von diesem beauftragt worden. Er rächt sich an seinen Mitmenschen, richtet er die Todsünden doch gegen seine Sünder, legt diese allerdings falsch aus. Er ist streng-katholisch, verstößt trotzdem gegen Gottes Gebote und tötet. Er begeht unberechtigte Selbstjustiz, predigt seine Taten und versucht diese zu rechtfertigen. John Doe ist krank, verkörpert geradezu das, was er verdammt und ausrotten will, ist verrückt, geistesgestört, nicht jedoch ungebildet. Er geht methodisch vor, sieht seine Straftaten als symbolischen Akt an, und involviert Somerset und vor allem Mills in seinen perfiden Plan, der aus den Jägern Gejagte macht und kehrt so das Opfer-Täter-Spiel um. Seine Moral ist keine Moral, es ist lediglich eine, die seiner eigenen Definition entspringt, nicht allerdings der eigentlichen dieses Ausdrucks. Doe stellt sich unerwartet der Polizei respektive den beiden Detectives, weil er es so will, weil das zu seinem Plan gehört und weil er mit diesem ein Zeichen setzen will, das die Menschen erschüttert. Und plötzlich, also mit Does Selbstauslieferung, spielt sich nichts mehr in engen, dunklen Räumen ab, hört es auf zu regnen. Als wäre das der Schritt zur bitteren Erkenntnis, als ergebe etwas einen makaberen Sinn, beginnt die Sonne zu scheinen, spielt sich der Rest des Films draußen, außerhalb der “voll gestopften” Großstadt, ab. Und so unbedrohlich diese Helligkeit wirkt, so sträflich, erschreckend und, ja, böse ist diese Erkenntnis. Als wäre dieses Ende doch nur eine logische Konsequenz Finchers Mikrokosmos. Und das ist es auch.

Anthony Capristo

zuerst erschienen bei: Intermoviession

DA ALIEN³ A FIGHT CLUB

David Fincher è ormai avvezzo a immagini lugubri e di squallore. Sin dagli esordi il suo estro creativo l'ha portato a costruire ambientazioni tetre e sature di un cupo pessimismo.

Alien³ (1992), suo primo lungometraggio, si muove in una fantascientifica prigione, tra ferri arrugginiti, ombre minacciose e condutture claustrofobiche. Seven (1995) presenta scenari suburbani sporchi, umidi, dove violenza e delinquenza sembrano essere i due imperativi categorici.

Qui il pessimismo di Fincher raggiunge l'apice: “Viviamo in un bel mondo vale la pena battersi per esso, scriveva Ernest Hemingway. Condivido solo la seconda parte”. Con queste parole il detective Somerset (Morgan Freeman) segna la fine del film.

Altro tema ricorrente del regista è il binomio violenza\morte. Ecco dunque che in Alien³ la morte viene vista dalla comunità di detenuti credenti come una punizione divina, tanto da spingerne alcuni a immolarsi di propria volontà. John Doe (Kevin Spacey), il killer di Seven spiega come i suoi omicidi abbiano un fine di purificazione sociale, estirpando il male che affligge il mondo, facendo di sé un modello esemplare – anche in questo caso le motivazioni sono di tipo religioso.

Solo col successivo The Game - Nessuna regola (1997) sembra abbandonare i suoi scenari acquei e putrescenti, più legati a una scrittura di genere, per far emergere il gioco (già il titolo da un'indicazione) cinematografico, con colori chiari, lindi, asettici, che richiamano l'ambiente del set.

Qui comincia a emergere una vena ludica che attraverserà la sua successiva produzione. Fight Club (1999) raccoglierà tutte queste tendenze.

In Fight Club la violenza è ancora presente, ma i toni si diversificano da quelli precedenti. L'approccio ludico del regista statunitense porta a mostrare infatti una violenza iper-realistica che, proprio in virtù dei suoi eccessi, si svela come fittizia, realizzata su un set, rendendo lo spettatore partecipe della finzione filmica.

IL GIOCO DI DAVID FINCHER

Non c'è operazione più delicata che svelare un film per quello che è: finzione. Rimuovere l'illusione, infatti, porta a due principali conseguenze apparentemente contraddittorie.

La prima, porre una barriera tra film e spettatore. L'identificazione con la realtà mostrata, infatti, non può avvenire; l'intero cosmo diegetico appare come fittizio, perde tutto il suo senso di realtà. Questo apparentemente allontana spettatore e pellicola, ma il gioco tipicamente post-moderno di Fincher attenua questa dimensione, riavvicinando le due sfere.

I personaggi guardano in macchina, interpellano e chiamano in causa lo spettatore, che si sente coinvolto. I numerosi richiami metacinematografici portano chi guarda a non proiettarsi nell'universo diegetico, ma a rimanere in una sorta di limbo che sta a metà tra spettatore e film: un nuovo schermo immaginario che si crea durante la visione, dove tutto è dichiaratamente finto e la realtà alterata, come la cabina di proiezione in cui Tyler gioca (come Fincher) a inserire dettagli e fotogrammi nelle pellicole.

Allontanamento, si diceva, ma anche complicità, sottili ammiccamenti tramite cui il regista si diverte a sollecitarci, a provocarci, a presentaci momenti forti e truculenti per poi ammettere che “è solo un film” e che forse gli unici che possono veramente farsi del male sono gli spettatori...

Questo atteggiamento giustifica, dunque, ogni tipo di eccesso ed esuberanza del regista. La telecamera, grazie all'inserzione di sequenze realizzate in digitale, può compiere movimenti impossibili, andare oltre ogni propria potenzialità.

L'occhio arriva al massimo della mobilità, sembra che non abbia limiti. Assistiamo, durante i titoli di testa, a una rapidissima carrellata in CGI da alcune cellule neuronali all'intero cervello, per poi uscire da un poro della pelle, percorrere la canna di una pistola, e infine trovarci davanti agli occhi di un Edwad Norton spaventato, con un'arma infilata in bocca.

L'occhio, dunque, ha visto l'impossibile, si è spinto oltre le sue capacità, ma, ironia di Fincher, l'identità dell'uomo che impugna la pistola rimane celata. Il digitale, che può estendere la percezione umana virtualmente all'infinito, raggiungere un metafisico altrove, rimane sotto controllo di un regista-demiurgo che segna i limiti dello sguardo e, con sommo compiacimento, ci accompagna in un itinerario di luci e ombre.

Mostrare per celare: spirito di contraddizione? No, ironia post-moderna.

“L'uomo ha la percezione di non essere all'altezza dei propri stessi prodotti”¹ Da questo assunto prende piede, a parere di chi scrive, l'intera realtà post-moderna.

Ritmi comunicativi informatizzati e frenetici portano all'utilizzo di simulacri e protesi del nostro corpo e dei nostri sensi. Questi strumenti mediatori permettono di superare i limiti a cui il corpo e la carne sono inscindibilmente legati. SFX , digitale e CGI nel cinema, per esempio, sono le protesi atte a rappresentare l'irrappresentabile, a costruire esperienze di visione che il nostro solo corpo non può aspirare a raggiungere.

I brutali combattimenti in Fight Club, quindi, non sono semplicemente gratuite dimostrazioni di machismo, o scontri rituali perché un individuo eccezionale emerga dal gruppo come capo. Non è un ritorno al tribalismo. Non è nemmeno quell'euforia, quel sublime isterico² composto di alti e bassi senza più una funzione conoscitiva e completamente aleatorio di cui parla Jameson.

Le lotte e il sangue versato nel film, dunque, sono la più estrema affermazione di un corpo ormai in disuso, puro supporto -in senso informatico- di una vita che si esprime attraverso altri mezzi e verso altre direzioni.

Ritorno all'antica integrità quindi, recuperare i frammenti di se stessi andati perduti. La violenza può avere valore conoscitivo ci dice Brad Pitt\Tyler Durden : “Cosa sai di te stesso se non ti sei mai battuto?”.

Per costruire il nuovo, inoltre, bisogna distruggere il vecchio, bisogna fare tabula rasa per ristabilire l'ordine. Non è dunque un controsenso cercare la propria salvezza nell'autodistruzione. Forse lo è solo apparentemente, o lo sarebbe se non fosse legato a un clima di frammentarietà.

Ma Fincher intanto se la ride, conscio di averci svelato che certa finzione è più vera della realtà...

IMMAGINARIO, SCHIZOFRENIA, TYLER DURDEN

Edward Norton , narratore senza nome, vive passivamente la sua esistenza priva di qualsiasi soddisfazione. Schiavo alienato di un mondo-macchina serializzato e ripetitivo. Duplica la sua condizione costruendo un altro se stesso, una sua immagine speculare, la concretizzazione di tutta la propria distruttiva volontà repressa. “Illusione fondamentale dell'Io specchio che aliena l'uomo da se stesso e ne fa il suo doppio”³ la chiamerebbe Metz.

Un centro dell'immaginario -uno dei tanti, poiché l'inconscio è eccentrico- un fantasma psichico, una confusione tra sé e altro in senso lacaniano: Tyler Durden.

Norton, infatti, non riconosce in Brad Pitt se stesso. Lo vede, invece, come altro da sé, proprio opposto, propria Nemesi. Attratto dal suo stile di vita trasgressivo decide di seguirlo; le due personalità sembrano sovrapporsi, in realtà Durden è frutto di una identificazione non avvenuta.

Perché questo mancato riconoscimento?

Il protagonista sogna di essere Tyler Durden. In lui non riconosce la propria solitudine, il proprio fallimento, legato a quel freudiano disagio di civiltà che frattura e scinde portando alla condizione schizofrenica. Apparentemente il narratore sana questo divario, tra essere e voler essere, tra il desiderio e l'appagamento di tale pulsione.

In realtà la piaga si estende, l'ordine simbolico si deve costituire sulla rimozione dell'immaginario, ma ciò non avviene. Psichismo inconscio e conscio, dunque, rimangono confusi, in una dimensione schizofrenica o fantasmagorica.

Norton dunque percepisce nuove falle nella propria vita, le pulsioni ataviche che riemergono dal suo immaginario non rimosso -Tyler- assumono connotati progressivamente più distruttivi.

Si sta configurando, dunque, il riconoscimento prima non avvenuto, con la costituzione di una propria immagine esteriore. Il narratore, infatti, prende coscienza della vera identità di Durden: il proprio fantasma psichico, un'unità esteriore, il Me.

Attraverso questo fantasma Norton riesce a riconoscersi, ciò porta al pieno raggiungimento dell'ordine simbolico. La confusione primaria tra sé e altro scompare, lasciando solo una traccia nei sedimenti più profondi dell'inconscio.

Secondo Lacan, però, una ricomposizione tra Io -Norton- e Me -Tyler- è impossibile, tra essi si colloca infatti la pulsione di morte. I due sono destinati allo scontro.

I just watched the Coen brothers' No Country for Old Men. It was ostensibly a Western based on the book of the same name by Cormac McCarthy, starring Javier Bardem, Josh Brolin, and Tommy Lee Jones, about a man who happens across a drug-running deal gone awry and finds a satchel full of money. How much, you ask? Not sure, but it was a small satchel full of hundreds, so probably a million, tops. Not much more, certainly.

I'm very proud of myself for having written the above paragraph without saying anything actually negative about the film. My mother always said if you can't say something nice, don't say anything, but I managed to say something without its being not-so-nice.

Though I could. Oh, boy how I could.

I've not seen A Simple Plan, with Billy Bob Thornton and Bill Paxton, but I'd wager the movies (and their books) had similar themes; you happen across money procured via ill-gotten ways, and you try to keep it, and Bad Stuff Happens. (tm)

Javier Bardem seems to have gotten a lot of press and respect for a bad haircut, but John Cusack played a much better, more layered hitman in Grosse Point Blank. I realize the movies are pretty much on opposite ends, but the only thing Bardem's character lacked was a mustache he could twirl as the sociopathic villain sans sense of humor. Monomaniacal in his single-minded pursuit of the money. Hired by someone? I never caught that. He just shoots a lot of people, sometimes with a little attachment dohickey on the end of an oxygen tank. Which Tommy Lee Jones mentions completely non sequitur in a completely unrelated scene, because, as you know, Bob, this is how cattle ranches work.

Tommy Lee Jones was certainly the best part of the movie. There really weren't any characters to care about. Josh Brolin, while certainly not unlikable, wasn't all together sympathetic, either, and he wanted only one thing clearly; to survive with money. As motivations go, certainly, it's what we all hope, but he does some fairly stupid things several times along the way (like chucking the briefcase over a border fence it's not clear why he's crossing, anyway).

I think what most disappoints me is the movies ignored. I mentioned both Zodiac and Gone Baby Gone in a post the the other day; as crime movies go (and No Country was, pretty much, a crime movie set in the Southwest), both were far superior in their own ways. Casey Affleck's troubled detective fought hard to save the life of a young girl despite that her mother was not the most responsible person in the world; a definite motivational dilemma that sought but never found an easy answer. Even the den--denou--climax/resolution was layered and nuanced.

Zodiac was even better, and was the sort of movie Fincher should have been recognized for. Fincher is an easily recognized director, stylistically; watch Fight Club and Panic Room and there are telltale signs it was the same guy. In a good way. Even his lesser appreciated fare (Sean Penn: better in The Game than in anything since he was Spicoli? Discuss) has his fingerprints all over it.

Until Zodiac. He was completely invisible, like Scorsese was finally invisible in The Departed. Fincher finally gave his utmost attention to simply telling the story well, without tricks or gimmicks, and man did it ever work. Even Gyllenhaal gave the sort of performance that makes you forget your watching Gyllenhaal.

Zodiac was not my favorite movie, but it was certainly one of the most perfectly conceived and executed films I've ever had the distinct pleasure of watching.

And it should whooped No Country all over the place last night.

Which ultimately means that the only thing the Academy actually got right last night was the award it gave Once.

Premiärdatumet för Star Trek flyttas från 25 December 2008 till 8 Maj 2009.

Som om det inte var nog så flyttas David Finchers efterlängtade The Curious Case of Benjamin Button från 26 November till 19 December. Martin Scorceses Shutter Island med Leonardo DiCaprio kommer 2 Oktober 2009. Eddie Murphys Nowhereland flyttas från 26 September till 12 Juni 2009. Ben Stiller-komedin Tropic Thunder flyttas från 11 Juli till 15 Augusti 2008, och Renée Zellweggers skräckthriller Case 39 flyttas från 22 Augusti till 10 April 2009.

Allt detta för att strejken är slut och de vill fila ytterligare på manusen. Hoppas jag. Benjamin Button har som allt annat Fincher har att göra med varit på gång i ett flertal år. Filmatiseringen av F. Scott Fitzgeraldnovellen med samma namn tillkännagjordes för tre år sedan, om mannen som åldras baklänges och föds gråhårig. Inte en enda vettig bild har släppts från filmen än på grund av Finchers perfektionism gällande effekter. Jag <3 Fincher.

Hurdy Gurdy man di Donovan rappresenta per me un caso di insipienza musicale. Mi sono chiesto a lungo a chi appartenesse questo splendido brano "vagamente new wave" presente nella colonna sonora di Zodiac di David Fincher (2007), per scoprire, in seguito, che si trattava di Hurdy Gurdy man di Donovan, e soprattutto che nulla aveva a che fare con la new wave. Motivo d'inganno è stata la voce vagamente "spettrale" e malinconica di Donovan (in questo molto new wave), oltre al fatto che la canzone suonava puntualmente durante le riprese girate in notturna. Il singolo fu però uno degli eventi di punta della stagione hippie britannica britannica ('68): in questo pezzo, la dolce e cupa ballata di Donovan, accompagnata dalla chitarra acustica, si colora di visioni psichedeliche, grazie alle distorsioni del chitarrista Alan Parker (a riprendere reminiscenze da lsd di Grateful Dead e di Jefferson Airplane) e agli inserti raga indiani. Hurdy Gurdy man ("l'uomo con l'organetto") ricorda nella costruzione Where is my mind? dei Pixies (l'inizio in acustico, la forma della ballata acida, quel sussurrio "uuuh" a fungere da incipit), altra canzone presente in un film di Fincher, ovvero Fight Club.

Link:pagina di Scaruffi du Donovan, testo di Hurdy gurdy man

My bestest pal Robert Thomson suggested -- immediately -- this example of Euphoric Cinema from the recent V FOR VENDETTA. Despite my recent vow to keep action movie climaxes out of this slot, I remembered how moved I was by this flick, and relented.

Contains mega-spoilers (it's the end of the film, OK?).

Blowing up the Houses of Parliament is a fantasy that only really took hold of me during this latest Labour administration. During the Thatcher years I tended to dream more modestly, of assassination. But direct action like that rarely results in actual political improvements, however satisfying it might feel at the time.

V FOR VENDETTA is a political fairy tale, and they're obviously not worried about such concerns.

It's pretty amusing that Tony Blair's son assisted in crowd control when they filmed outside Parliament. The more so since the filmmakers aren't fooling -- the dystopian fascist state they portray is the one we're living in, and the government they suggest detonating is the one sitting in power right now.

Boom.

Although I find the V.O. cheesy, and weakening to the message, I must admit I had tears in my eyes as the end creds rolled to the tune of "Street Fightin' Man"...

I can understand Alan Moore getting cheesed off at the bad films made from his comics (The League of Extraordinary Gentlemen was such a simple concept you really would have thought that even Don Murphy could get it right; From Hellhad a central principle of historical accuracy behind it which, once abandoned, renders the whole exercise of adaptation pointless) but he should have cut this one some slack. The Wachowskis altered the premise, and the message, mainly to bring it up to date and make the film more cutting and relevant.

Our second explosive outburst is the suggestion of producer Laura Clarke: the ending of FIGHT CLUB. Here the fireworks arguably come second to the song, the Pixies' lovely Where Is My Mind? A lovingly chosen song can be infused into a film and meld with its images; on the other hand, a big-budget film can just buy up great songs and pour them over its scenery like syrup. Deciding which is the case here is a matter for you.

FIGHT CLUB's romantically nihilistic endpoint was seen by some as rather embarrassing after 9:11, but seems to have emerged from that shadow. Many terror-pundits prophesied that large-scale destruction would no longer be dished up as entertainment after the WTC conflagration, but we knew better, didn't we? And I'd argue that it's America and Britain's behaviour since 2001 that has made scenes like the V FOR VENDETTA pyrotechnics display so desirable and cathartic.

DAMN it felt good to watch that building blow up.

But there will be no more such eruptions here at Euphoria Shadowplay: nothing that explodes, ignites, crashes, or gets riddled with bullets and falls to the ground in a blood-sodden heap. Just the little moments that make you joyous. So come on, all you wonderful people out there in the dark -- this is YOUR chance to show the world your smiliest things!

Men først, en kanskje litt klarere prioritering av den lille konkurransen vi har gående her. DU må kun tippe hva som blir de fire øverste filmene i denne julekalenderen, uavhengig av rekkefølge! Og jeg annonserer herved at premien blir en ”New Energy”-sjokolade!!! Helt seriøst! Siste frist får bli 15. desember (ja, i morgen), ellers begynner det å bli litt lett å tippe.

Det er 14. desember, og her er den 12. beste filmen 2007:

#12 – Zodiac

http://www.imdb.com/title/tt0443706/

Trailer:

Regi: David Fincher

Manus: James Vanderbilt og Robert Graysmith (bok)

Med: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Robert Downey Jr. og Brian Cox

Spilletid: 158 minutt

David Fincher er en av mine absolutte favoritt-regissører, og når man ser på filmografien han, burde ikke det være noen overaskelse: Alien3, Se7en (et mesterverk av en thriller), The Game, Fight Club (også et mesterverk) og Panic Room, i tillegg til en haug med musikkvideoer for hun, han, de, hun og….ja, han.

Zodiac handler om tre menn og deres jakt for å finne ut hvem seriemorderen Zodiac var. Det er basert på en sann historie om en morder som herjet i San Fransisco-området på 70-tallet. Han hadde ikke noe spesielt mønster for drapene sine, men han la igjen kryptiske hint i form av koder på åstedene. Robert Graysmith, som har skrevet boken som og er grunnlag for denne filmen, er en tegneserietegner i en avis, men han klarer å løse kodene. I tillegg følger vi med en etterforsker og en reporter.

Som tag-linen til filmen sier, ”There’s more than one way to lose your life to a killer.”. For å ta problemet med filmen først, de fanget jo aldri Zodiac-morderen virkeligheten, så du vet de ikke kommer til å gjøre det i filmen heller. Det handler derfor mer om hvordan å bli besatt av en sak, på en måte kan ta livet ditt. Dette gjør jo at du hele tiden har en litt utilfreds følelse, for du vet det ikke vil få en fin løsning på slutten. Så det kan jo diskuteres om stoffet er noe særlig bra å lage film av.

Men når det er sagt, så er det meste annet helt genialt. Skuespillet er eksemplarisk, spesielt Robert Downey Jr. beviser nok en gang at han har det som trengs. I tillegg er filmen filmet helt digitalt. Det ser spesielt ut, men jeg liker absolutt den stilen.

De mordscenene som er med, i tillegg til en kjellerscene, er utrolig spennende og intense. Jeg mener, den linja som sies på slutten av traileren; ”I’m not the Zodiac, and if I was, I certainly wouldn’t tell you…”. Den barre renner over av skummelhet og spenning, i min mening. Et av drapene, som bli gjort med knivstikking, er også så realistisk og fælt at det er vanskelig å se på.

Så denne filmen er en litt lang affære (2,5 timer), som går fra det litt uinteressante til neglebitende spenning. Hvis du liker sjangeren, er det definitivt verdt å se.

Den Høye Fotograf’s dom: 8/10 (men kan kanskje rykke opp til 9/10 når jeg ser den igjen)

Andres dom:

IMDb: 7.9/10

VG: Terningkast 5

Dagbladet: Ingen anmeldelse, ytterst rart og merkelig og også underlig i tillegg, kan jeg legge til, og nevne, og til og med bemerke.

Kommentarer og synspunkter blir mottatt med glede. Følg med i morgen for plass nummer 10, og les plass nummer 11 rett ovenfor her! (viss du ikke allerede har gjort det)

The film starts with the first murders, and then follows the staff at the newspaper that received correspondence from the killer and the two main detectives on the case. The tone is very serious and focused. Much like an episode of Law and Order it is all about the investigation and we get small snippets of the personal lives of those involved.

This was a bit of a problem for me. While I was engrossed in the investigation I had no emotional investment in any of the characters. That is until the investigation is all but closed and a cartoonist at the newspaper who was fascinated by the Zodiac case decides to write a book about it. From here we have someone to follow along and start fitting all the pieces that were presented to us in the first half of the film.

I'm not sure I would have sat through it in a theater but for DVD it plays well and it is interesting to watch how different police work was without all the technology we have now.

Be warned that the brief scenes of the victims meeting their fate (while not overly bloody) are disturbing because of the tone of the film and matter-of-fact demeanor of the killer.