Bill "Spaceman" Lee, graduate from the University of Southern California, was a popular MLB pitcher. As a charismatic pitcher for the Boston Red Sox and Montreal Expos, Lee had 3 consecutive 17-win seasons, made the 1973 All-Star team, and pitched in the 1975 World Series. Spaceman was a finesse lefty who threw a variety of off-speed pitches, including the ‘Space Ball.’ He is being inducted into the Red Sox Hall of Fame on November 7, 2008.

Spaceman Lee is a true global advocate of the game. He was the first ballplayer ever to play in the Soviet Union, Red China and Cuba. He is a baseball purist and strong supporter of the traditions of the game. Lee is opposed to the designated hitter rule, polyester uniforms, and AstroTurf.

A reporter once asked Bill Lee if he preferred AstroTurf to grass. Lee replied, "I don't know, I've never smoked AstroTurf

Lee earned his nickname "Spaceman" because of his openness on his drug use. He regularly sprinkled pot on his pre-game organic pancakes for good luck. He ate health food and practiced yoga. He claimed his marijuana use made him immune to bus fumes while jogging to work at Fenway Park.

After retiring in 1982, Spaceman ran for President of the United States. He campaigned on the slogan

"No guns. No butter. Both can kill".

 

Lee was the cadet on the Canadian Political Rhinoceros Party ticket, but unfortunately he failed to appear on any state ballot.

Spaceman Lee’s passion for life and baseball helped spread the game outside North America. His honesty, intelligence, and humanity helped spread the game to a large population of people who had no interest in baseball at all. Below is a glimpse into Spaceman.

On Drug Testing
"The other day they asked me about mandatory drug testing. I said I believed in drug testing a long time ago. All through the sixties I tested everything."

On Lefties
“You have two hemispheres in your brain - a left and a right side. The left side controls the right side of your body and right controls the left half. It's a fact. Therefore, left-handers are the only people in their right minds”

On Competition
"Hell, if KY jelly went off the market, the whole California Angels pitching staff would be out of baseball."

On manager Don Zimmer
“The designated gerbil”

Putting things in perspective
“I think about the cosmic snowball theory. A few million years from now the sun will burn out and lose its gravitational pull. The earth will turn into a giant snowball and be hurled through space. When that happens it won't matter if I get this guy out."

On the Hall of Fame
"Only when I am dead. I want to go in face down so they can kiss my ass."

In 2003, filmmakers Brett Rapkin and Josh Dixon joined Lee on a trip to Cuba.

26/07/2008, São Paulo - Cândida

Um jovem chega à casa de um casal e apaixona-se pela esposa. Ameaça-se colocar em cena um adultério, praticado por Cândida, a devotada esposa do reverendo Morell, pastor anglicano de ideologia socialista, integralmente dedicado à sua causa político religiosa. A esposa sucumbe aos encantos de um poeta galante, o jovem aristocrata Marchbanks. A peça trata do destino de dois homens e Cândida, que permanece a mesma até o fim, é o elo entre eles. Nas palavras do autor: "Minhas peças só tem um assunto: a vida; e uma só atitude: o interesse pela vida".

Com Núcleo Experimental do Teatro Augusta.

Texto de Bernard Shaw, direção e tradução de Zé Henrique de Paula e com Bia Seidl, Sergio Mastropasqua, Thiago Carreira, Fernanda Maia, João Bourbonnais e Thiago Ledier.

26/07/2008, São Paulo - Instalação de Rubens Mano na Pinacoteca aborda idéia de suspensão

O Octógono da Pinacoteca do Estado recebe a instalação do artista Rubens Mano: "Contemplação Suspensa".

A obra consiste em uma estrutura montada no espaço, espécie de ponte e um vídeo projetado nas paredes do local mostrando imagens de São Paulo capturadas em vôo de helicóptero.

Um dos objetivos do trabalho é relacionar a sensação do espectador ao assistir o vídeo do alto da estrutura e a sensação de quem capturou as imagens do alto de um helicópeto, em vôo que percorreu da Serra da Cantereira a Serra do Mar.

A instalação "Contemplação Suspensa" faz parte de projeto no qual são apresentados trabalhos realizados especialmente para o Octógono, espaço criado em 1897 pelo arquiteto Ramos de Azevedo e reformado em 1998, com projeto assinado por Paulo Mendes da Rocha.

"Contemplação Suspensa" tem curadoria de Ivo Mesquita, curador chefe da Pinacoteca.

25/07/2008, São Paulo - Meta-Sensoriais

Dança contemporânea.

Inspirados na poesia de Manoel de Barros e ancorados na investigação de suas capacidades sensoriais individuais e coletivas, sete artistas se deparam, experimentam-se e se reinventam numa dinâmica que justifica suas transposições metafóricas.

25/07/2008, São Paulo - Denise Fraga estréia no teatro A Alma Boa de Setsuan

Divertida e inteligente adaptação dirigida por Marco Antônio Braz inicia temporada no Teatro Renaissance.

A Alma Boa de Setsuan, que inicia temporada no sábado no Teatro Renaissance, em São Paulo, tem potencial para fazer longa e bem-sucedida carreira. Brecht definia como parábola essa peça cuja trama se situa numa cidade imaginária do Oriente, Setsuan. Chen Te é uma prostituta generosa e, por isso, ganha dos céus um dinheiro que investe na compra de uma tabacaria. Mas como ninguém se salva sozinho, é cercada por miseráveis. Incapaz de negar um pedido, acaba sofrendo com aproveitadores de todas as classes sociais. Para proteger seu único bem, ela inventa a existência de um primo, Chui Ta, ela própria disfarçada, que faz o ‘trabalho sujo’ de expulsar os pobres por ela.

De saída chama atenção a forma como a diferença física entre os Chen Te e Chui Ta, embora bem definida, fique parecendo um detalhe. O que parece interessar à atriz e à encenação, conseqüentemente ao público, não é ‘como’, mas ‘por que’ ela se disfarça em Chui Ta. Mais ainda, quais são as conseqüências disso. Muito claramente e ao mesmo tempo com a devida sutileza, Denise Fraga desenha uma linha ascendente no comportamento de Chen Te, que acumula cada vez mais bens e aos poucos vai perdendo o pudor de ser dura.

25/07/2008, Minas Gerais - 10º Festival Internacional de Curtas de Belo Horizonte

O 10º Festival Internacional de Curtas de Belo Horizonte acontece de 25 de julho a 1º de agosto, no Cine Humberto Mauro.

De 25 a 31 de julho, o Espaço Mari'Stella Tristão funcionará como videoteca, sala de imprensa, espaço de convivência,  e recepção do festival.

Comemorando sua décima edição, o festival apresenta ao público uma seleção com os melhores filmes do mundo, ampliação dos locais para exibição e a nova Mostra Um Olhar Particular, resultado das produções realizadas nas oficinas de capacitação do Programa Itinerante no interior do Estado. Será realizada também pela primeira vez uma Mostra Especial em comemoração dos 30 anos dedicados ao cinema do circuito alternativo e à formação de público.

Com o caráter competitivo, desde sua 3° edição, o Festival teve esse ano um número recorde de inscrições para as Mostras Competitivas Brasileira e Internacional, com o total de 1823 filmes, sendo 1216 internacionais e 607 brasileiros.

Para ver a grade completa de horários: http://www.palaciodasartes.com.br/agenda/detalhes.aspx?IdAgenda=478

25/07/2008 – Estréia nos cinemas “Arquivo X - Eu Quero Acreditar”

No segundo filme baseado na série de TV, os agentes Fox Mulder e Dana Scully voltam à ação para investigar o desaparecimento de uma mulher e um ex-padre que diz ter poderes paranormais.

25/07/2008 – Estréia nos cinemas “Ao Entardecer”

O longa é escrito pela autora do romance que inspira o filme, Susan Minot, em parceria com Michael Cunningham, de "As Horas".

O enredo resgata a história de Ann, uma senhora em estado terminal, cuidada pelas filhas, que começa a ter delírios e relembrar evento trágico de sua juventude decorrente de furtivo encontro com um médico durante o fim de semana do casamento de sua melhor amiga.

25/07/2008 – Estréia nos cinemas “Era Uma Vez...”

Às modas de Romeu e Julieta.

Dé, que mora na favela, e Nina, moça rica que vive no asfalto, se conhecem na Praia de Ipanema, no Rio de Janeiro, e acabam se apaixonando. Para viver esse amor, eles precisaram enfrentar todos os preconceitos das classes sociais em que vivem.

25/07/2008 – Estréia nos cinemas "Space Chimps"

A animação infantil leva macacos a uma aventura espacial.

Com um colorido vibrante e personagens de animais, "Space Chimps - Micos no Espaço" estréia e disputa a preferência do público infantil com outros desenhos já em cartaz, como "Wall-E" e "Kung Fu Panda".

O filme está sendo lançado apenas em cópias dubladas em português. Entre seus dubladores, estão os apresentadores do programa infantil "Bom Dia & Cia", Yudi Tamashiro e Priscila Alcântara, que emprestam suas vozes aos protagonistas Ham e Luna.

25/07/2008, São Paulo - Grupo No Bailarás

Um tango provocante e divertido no Teatro Municipal.

"Grotesca Pasión Trasnochada" ("Paixão Grotesca de uma Noite Mal-Dormida", em tradução livre), é o espetáculo da companhia No Bailarás, de Buenos Aires, que une música ao vivo, sensualidade e recursos dramáticos para discutir os relacionamentos amorosos contemporâneos.

Criado e dirigido pela coreógrafa Silvana Grill, o espetáculo tem como foco principal a dança, mas une elementos de show (cinco músicos tocando ao vivo) e teatro (os camarins ficam no palco), além de uma boa dose de corpos nus, para tornar o espetáculo menos ortodoxo.

Três casais de dançarinos se revezam e interagem no palco: Julieta Biscione e Roberto Castillo, Juan Fosatti e Gimena Aramburu e Paula Gurini e Mariano Bielak (cada um deles também realiza trabalhos independentes ao grupo, como aulas e participação em campeonatos). As cenas são quase esquetes que acompanham músicas do compositor Ramiro Gallo, expressando situações como a troca de parceiros, a disputa de performance entre dois casais (com final surpreendente), strip-teases irônicos e uma curiosa dança com um “cadáver”.

25/07/2008, São Paulo - Por Instantes de Felicidade

Nova coreografia em comemoração aos 20 anos do grupo Quasar Cia de Dança.

25/07/2008, São Paulo - Cordélia Brasil

Texto de Antônio Bivar e direção de Gilberto Gawronski.

Com Maria Padilha e Cadu Fávero.

Para sustentar seu companheiro Leônidas, que sonha em ser escritor de histórias em quadrinhos, Cordélia, além de trabalhar como auxiliar de escritório, começa a se prostituir. Ela traz para casa um jovem de 16 anos, Rico, que acaba morando com eles. Forma-se então um triângulo, em que se insinua a cumplicidade entre os dois homens, já que Rico se identifica com o comportamento de Leônidas para com Cordélia. A relação torna-se cada vez mais comflituosa, acabando por precipitar um desfecho trágico que, paradoxalmente, é tratado de forma poética e absurda.

"Yayoi Kusama", LaVillette, Grande Halle, accès libre, tout l'été.

Des pyramides de cire d’abeilles, un immense carré de pollen de noisetier. Et encore des cônes de cire d’abeilles magnifiquement superposés…Depuis plus de 30 ans, l’artiste allemand né en 1950 à Metzingen, offre une œuvre inclassable entre le Land Art et l’Art minimal. La rétrospective de son œuvre a parcouru le monde de 2000 à 2002 et il obtint de nombreux prix. Sa personnalité rare, son attitude exceptionnelle, son intérêt pour la culture et la philosophie extrême orientale n’ont aucun équivalent dans l’art d’aujourd’hui. Son art apparaît comme un engagement total, une expérience intense, une dimension spirituelle dont le spectateur ne peut qu’être imprégné.

Son parcours ? Des voyages avec ses parents de la Turquie à l’Inde en passant par l’Iran et l’Afghanistan. En 1968, il commence des études de médecine. Mais la trop matérialiste médecine traditionnelle le dissuade. Et son diplôme en poche, il décide d’être artiste. Tout de suite, les formes et les matériaux du Moyen-Orient prennent place dans son travail. Lait, pollen, cire d’abeille, laque, prennent des formes hautement symboliques comme le rectangle, le carré, le triangle.

Son désir ? Atteindre une sorte d’unité première entre l’homme et l’univers, l’homme et le cosmos au travers d’activités contemplatives comme le tamisage du pollen, le versement du lait… Mais c’est avant tout une beauté superbe et pure, dépouillée et fascinante qui s’offre à nos yeux. Et le spectateur prend tout à coup conscience de sa fragilité, du transitoire, de la plénitude. En quête de l’insaisissable, du sacré, de l’Absolu que touche Wolfgang Laib.     

"Wolfang Laib", Musée de Grenoble. Du 5 juillet au 28 septembre.

(légendes en cours)

"Robert Combas", Fondation Van Gogh d'Arles, Palais de Luppé, 24 bis, Rond-Point des arènes, 13200 Arles. Du 4 juillet au 2 novembre. Voir www.fondationvangogh-arles.org

Image : Robert Combas, "Barbu Rouquin", 2007

27 mai 1871 à Paris. Georges Rouault naît dans l'agonie de la Commune, dans un Belleville criblé par la mitraille. Aimant y voir une sorte de prédestination à la tension pathétique de son oeuvre, ce gavroche devenu grand seigneur, passe les 87 ans de sa vie rivé à sa peinture. Son but ne fut ni la gloire ni la richesse matérielle, mais une satisfaction exclusivement spirituelle. Une telle exigence l'amènera à explorer avec autant de rage que d'obstination, la mouvance entre réel et imaginaire, objectif et subjectif, afin d'approcher au plus intime le mystère de l'Etre et des êtres. Sa consécration viendra sur le tard. 50 années - de 1895 à 1945 - jalonnent le parcours qui va de sa première exposition au salon des Champs-élysées, à sa renommée internationale, dont le point d'orgue fut sa rétrospective au Museum of Modern Art de New York. Dès lors, le vieux maître est reconnu comme le plus grand peintre religieux de notre temps.

Mais que de travail opiniâtre pour créer cette oeuvre insolite et audacieuse. Car jamais une telle route ne fut balisée et jamais aucun critique n'osa l'emprunter. Cette solitude dans laquelle il s'est lui-même retranché, réfugié, enfermé, à l'instar d'un Degas ou d'un Cézanne, était condition de son oeuvre. Il s'en est abreuvé jusqu'à la lie comme d'un filtre magique étanchant son idéal. C'était l'unique moyen de rester libre, indépendant, inclassable. Ni fauve, ni cubiste, "père putatif de l'Expressionnisme" comme il l'a reconnu ironiquement lui-même, il ne s'intéresse nullement à l'art abstrait, ignore les avant-gardes, rejette toute école. Il n'a même pas eu la curiosité de traverser l'Atlantique ! Bref, Rouault a simplement mené, entre son épouse et ses quatre enfants, une existence vouée au travail.

Ce fils d'ébéniste doit sa première initiation artistique à son grand-père maternel, collectionneur d'estampes de Daumier, Courbet et Manet. Puis pendant six ans il suit les cours du soir de l'Ecole des Arts Décoratifs et fait son apprentissage chez un maître verrier. A 20 ans, il entre à l'Ecole des Beaux Arts. Là, il rencontre Matisse, Marquet et Manguin, avec lesquelles il partagera en 1905 la célèbre et ô combien scandaleuse "cage aux Fauves". Mais aussi l'homme qui lui ouvrira les portes de l'Art, un professeur hors pair, très vite devenu son protecteur : Gustave Moreau. Que retiendra Rouault de l'enseignement du chef de file du Symbolisme ? Une culture surtout, Pascal en particulier, dont il gardera toute sa vie les "Pensées" sur sa table de chevet. La conviction ensuite qu'il est insuffisant de copier la nature et qu'il faut inoculer à ses oeuvres l'intensité, la force, le feu de sa vie spirituelle. Le désir enfin, de faire éclater dans chacune de ses toiles la "richesse nécessaire" de couleur et de matière sans laquelle elle ne peut être viable.

En 1898, Moreau meurt. Pour Rouault, c'est un choc et le début d'une période de crise qui durera des années. S'y amalgame le départ de sa famille pour l'Algérie et deux séjours forcés en Haute Savoie pour raison de santé. Il en résulte ce qu'il appelle un "coup de barre" pictural, un virage dont il est le premier étonné, et d'où sera issue toute son oeuvre à venir : "une peinture d'un lyrisme outrageant", avoue t-il.

En 1903, Rouault a trente deux ans. Les vingts années - jusqu'à présent bien mal connues - de sa fièvre créatrice, que le Musée National d'Art Moderne a choisi de célébrer avec éclat, ne font que commencer.

Dans ce contexte tourmenté, tout démarre grâce à trois rencontres décisives qui lui font retrouver l'esprit religieux contestataire de son père : Huysmans d'abord, qu'il côtoie en 1901 à l'abbaye de Ligugé, Léon Bloy ensuite en 1904 et enfin, en 1911, le philosophe catholique Jacques Maritain. Dans cette société libérale du début du siècle, fascinée par la science et le progrès, imbue de sa jeune République voltairienne et bourgeoise, Léon Bloy apparaît comme une sorte d'illuminé : il croit en la douleur, exalte la pauvreté, loue les valeurs religieuses ; sans complexe, il crache des injures au visage des soit disant bienfaiteurs.

Grâce à lui, la vision du monde de Rouault se transforme. Il se libère brutalement de la tutelle de son maître et laisse tomber son mysticisme littéraire et esthétique. Désormais il examine, il fustige, il dénonce les travers de la Belle Epoque : il redevient le fils de la Commune. Le tempérament à l'emporte-pièce de ce timide explosif, sa rudesse, sa spontanéité, se dévoilent outrageusement. Partout la conquête d'une expression religieuse, viscérale, charnelle, s'affirme. Partout aussi, il déverse dans ses toiles les cauchemars qui le tourmentent, cette misère qui l'horripile, l'amertume qu'il réfrène depuis des années. Il regarde l'Homme sous l'angle du jugement divin. En accusateur. Par instinct sociologique aussi. A la manière d'un Forain, d'un Toulouse-Lautrec et surtout d'un Grosz ou d'un Dix. En bon chrétien, il prend le parti des pauvres contre les riches, devient le portraitiste de la décadence, de la dépravation, de la Faute. Ses oeuvres ne sont plus que débauche de péchés que symbolisent prostituées, clowns et personnages de cirque, mais aussi juges, mondains, pharisiens poussifs, ruisselant de graisse et de prétention.

Pourtant, Bloy abominera sa peinture âprement expressive, brutale, déjà "expressionniste". Il n'y voit que "d'atroces et vengeresses caricatures", une "hideur infernale", des "ébauches". Déconcerté par le "non finito", les fameuses parties en réserve apprises de Cézanne, une touche libre et véhémente, des cernes noires, des traits obscurs d'ou jaillissent de violents contrastes d'ombre et de lumière, il ne voit pas qu'ils sont de la même famille religieuse, humaine, artistique. Ce clair-obscur qu'il est le dernier à utiliser, ne symboliserait-il pas la lutte du Bien et du Mal ? Et, à la différence des cubistes, au lieu de déformer les corps, il souligne les lignes, exagère l'expression dans le même souci de saisir l'aspect le plus perçant de son modèle : son art nègre à lui, n'est-ce pas la religion ?  Bien sûr, ces filles de joie que Degas regarde avec impassibilité, Forain avec ironie, Lautrec avec mépris, Rouault les plaint et souffre de leur souillure. En pleure même. Dans tous ses "types", il fuit l'anecdote. Nul décor, nul accessoire, nul superflu. Peu porté aux distinguos, l'artiste conduit de l'individu à l'espèce, du singulier à l'universel. Le nu, le clown, le juge sont intemporels. Il ne donne que des attitudes, des gestes, des expressions qui généralisent toujours davantage. Une prostituée ? Des poings sur les hanches, une chevelure provocante, la bouche pulpeuse, le regard vide. De même, il est aveugle au pittoresque des quartiers ouvriers et misérables, auxquels il a consacré à la suite de Daumier, de nombreux ouvrages. Contrairement à Pissaro ou Signac, ce "pauvre aidant les pauvres à sauver les pauvres" (Dorival) ne remarque que le désespoir des maisons lépreuses, le sordide des rues sans joie, insensible aux usines, aux machines, pour d'autres symbole du modernisme. Bien loin des réalistes sociaux tel Millet, Courbet ou Degas, il n'exalte ni la gloire, ni la vertu du travail : il en dénonce la servitude.

En 1917, le marchand de tableaux Ambroise Vollard le prend sous contrat. L'artiste réalise de nombreuses illustrations pour "Les réincarnations du père Ubu" ou les "Fleurs du mal" de Baudelaire. Il commence en même temps son "Miserere" qu'il mettra dix ans à achever. En 1920, Rouault est arrivé à maturité. Sa tristesse n'atteindra désormais ses semblables que pour se jeter aux pieds d'un Christ barbare, dans des scènes bibliques. Ses thèmes, son intention persiste tout en perdant son accent moralisateur. Son style s'adoucit, sa recherche se tranquillise, l'huile prend la place de l'aquarelle. Sa révolte de justicier s'est muée en obéissance : il a alors 50 ans. 

"Hommage à Georges Rouault, 1871, 1958. L'effervescence des débuts". Centre Pompidou, 75004 Paris. Tél. : 01 44 78 12 33. Du 25 juin au 13 octobre. Musée, niveau 5. Voir www.centrepompidou.fr 

Image : Georges Rouault, "Paysage avec barque sur l'eau", 1906, gouache et aquarelle sur papier, 36x47cm, Donation Geneviève et Jean Masurel, Musée d'art moderne Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq, courtesy ADAGP, Paris, 2008, Photo : Muriel Anssens.

Ubicado en el Centro de Negocios y Comercio de la Ciudad de México - EXPO-REFORMA, Morelos # 67, Colonia Juárez, a dos cuadras del Metro Juárez.

Los días 18, 19 y 20 de Julio (3 días) de 10:00 a las 19:00 horas.

Venta de Cómics, Mangas, Juguetes, Videos, CD´s, Playeras, Pósters, Autógrafos, Pins, Trading Cards. Concursos, Torneos (Halo 3, Guitar Hero y muchos mas), Anime, Pláticas y Espectáculos juveniles.

Cosplay, Pump It Up, Juegos de Rol: Yu-Gi-Oh, Presencia de Editorial Vid y muchos atractivos más.

Admisión General: $50.00
Niños y Disfrazados: Gratis.
Con Tarjeta “Punto Joven”: 2 X 1

Pide más Informes en el teléfono:
(01-55) 5698-6273

O en el sitio oficial aquí

Vía: Supercomics

The southern hemispheres largest rest home provider, The Selwyn Foundation, has recently dispatched a team to South Africa to attend the Opportunities New Zealand Expo, held over the 19th and 20th July in Johannesburg, specifically to recruit potential migrants.  Human resource manager Lorraine Sobotka says "a worldwide shortage of registered nurses means it is harder than ever to find people who want to care for the elderly".

6000 people are expected to attend the Expo this weekend and The Selwyn Foundation, combined with many other influential Kiwi companies, expects to be offering hundreds of jobs to skilled South Africans over the two days. 

If you are interested in attending the Expo, click here.  If you aren't able to attend but are interested in migrating to New Zealand, visit www.workingin-newzealand.com.

Richard Avedon, 1980/1985- Portrait de Red Owens, ouvrier dans l'industrie pétrolière, Oklahoma,

(c)tiré de l'ouvrage In the American West.

J'y ai appris plein de choses passionnantes sur l'artiste dont notamment, que Catherine avait déjà noté, le film musical Funny Face (j'adore Funny Face !!) s'inspirait déjà du culturissime photographe à peine âge d'une trentaine d'année ! Entre nous, je n'avais jamais fait le rapport entre Avedon et le rôle joué par Fred Astair...

Bref, j'ai navigué un peu sur le net, et je suis tombée en extase devant des photos, non pas issues du book d'Avedon, mais sur les photos de son appartement new yorkais dans l'Upper East Side ... pleines d'inspiration !!!

Photos de Andrew Moore - Crédit photo (c) New York Magazine - Home Design

De plus amples informations sur le site du NY Mag (en anglais) : http://nymag.com/nymetro/shopping/homedesign/features/10784/

Le sol de plancher recouvert de tapis rouges à motifs végétaux ou motifs "native indian", murs blancs, étagères blanches jonchées de livres, meubles en bois foncé (genre acajou ?), l'omniprésence de la lumière et des plantes vertes, tables encombrées de bibelots et livres, murs artistiquement occupés...

Ce portrait de Charles Chaplin, niché là au milieu du jardin, dans l'absolu est un drôle de pied-de-nez par sa génèse ? Vous ne trouvez-pas ?

Et voilà, c'était la minute déco !

* J'ai repris le titre anglais du NY Mag !

]]> http://workinginnewzealand.wordpress.com/?p=54 Wed, 16 Jul 2008 03:24:39 +0000 workingin http://workinginnewzealand.wordpress.com/?p=54 The Opportunities New Zealand Expo is gearing up in South Africa for this weekend and is expected to be a huge success.  The Expo, being held in Johannesburg on the 19th and 20th July, is a chance for potential migrants to meet some of New Zealand's top employers and recruitment agencies who are keen to employ skilled, experienced staff.

Among others attending is the company Navman, which is looking to recruit around 10 new staff members for its 100-strong in-car navigation business unit in Auckland.  They are looking specifically for designers and engineers.

The health sector will also be strongly represented, offering jobs to nurses, doctors, physios, dentists, speech therapists and more.

WorkingIn, the organisers of the event, are expecting over 6000 visitors to the Opportunities New Zealand Expo in Johannesburg, its fifth Expo globally this year, and expects hundreds of jobs to be offered to hopeful migrants over the weekend and the following weeks.

If you have an interest in migrating to New Zealand, the Opportunities New Zealand Expo could be your ticket there.  Doors of opportunity are going to open in Johannesburg this weekend.  So grab your CV and head on down!

Muestra los distintos estilos de vida en iberoamérica, através de fotografías; mostrando costumbres, tradiciones, arquitecturas y distintas tribus urbanas.

Los países participantes fueron Argentina, Brasil, Perú, México, etc.

Próximamente habrá una nueva expo acerca de los refranes. Yo le eche un vistazo y se ve muy buena.

Souvenir de la dernière rétrospective de César au Jeu de Paume.

"Après la rétrospective au Jeu de Paume, ça ira mieux. Je suis d'une nature angoissée... et je ne suis pas venu ici depuis plusieurs semaines", avoue le vieux maître.  A peine passée l'incroyable porte chargée de  stuc gris de cette petite rue tranquille du 14ème arrondissement, tout à côté du cimetière Montparnasse, César se laisse prendre en main par son assistante et bougonne. "Depuis quelques jours je n'arrête pas de somnoler. D'habitude je plaisante, j'ai de l'humour... c'est peut être ça la vieillesse", confie t-il. Qu'à cela ne tienne. A 76 ans, le sculpteur qui vient de remporter avec Cy Twombly, Tadao Ando, Luciano Berio et Andrzej Wajda, le Praemium  Impériale au Japon, apparaît bien  plus en forme qu'il ne veut  l'avouer. Et sa légendaire bonne humeur pointe au-dessus de chaque oeuvre de l'atelier. Un café cherché par Pascale,  et le voilà reparti.

Dans l'entrée d'abord, César Baldaccini circule au milieu d'un bel imbroglio de cartons en tous genres et d'oeuvres, emballées, déballées,  parmi lesquels trône un de ses  gigantesque pouce blanc. Plus loin des compressions de toutes sortes, cartons, métal, bicyclette. Contre le mur, plusieurs "Hommages à Morandi" sagement protégés dans leur plastique.  A leur  côté, insolite, une cruche  bleu vif ramassée aux puces de Nice, il y a plus de trente ans, attend toujours un éventuel sacrifice à la presse. Dans le bureau attenant, au-dessus du canapé Le Corbusier, trois petites compressions. En face, une série de photographies datant de 1957, représentant César en compagnie de Picasso, dont le prénom revient sans cesse au fil de la conversation :"C'est une période rare où je n'avais plus de barbe, commente t-il. Un ami m'avait offert un rasoir électrique, alors je l'ai essayé !".

"Je me suis installé dans cet atelier en 1969. Je faisais alors des mousses", explique ce touche à tout génial, regardant devant lui le grand espace blanc, lumineux, surmonté sur toute sa  longueur d'une large verrière. "Mais j'ai toujours travaillé en nomade, continue ce fils d'émmigrés toscans, dans des entreprises,  actuellement en Normandie". Dans le fond de la pièce, sous la mezzanine, une ribambelle d'instruments bien rangés sur plusieurs niveaux. Ceux de son fidèle restaurateur, affublés de longs cheveux et d'une barbe blanche. Comme lui. Et partout, sur des tables ou posées à même le sol, de nombreuses oeuvres de ce protée des matières et des techniques, des premières métamorphoses métalliques aux derniers autoportraits en plâtre,  assemblées par thèmes, par séries.

Ici, une drôle de ménagerie toute de fer soudé. Noire, morbide, inquiétante.  Poules, insectes, hiboux. Des bouts de matière assemblés au chalumeau. Des boulons, des clous, des morceaux de métal fondus. Présences hallucinatoires nées d'une impossible ferraille, de bribes et de débris. Un spectacle de creux, de bosses, de déchirures. De sutures. "J'ai fait beaucoup d'insectes dans les années cinquante, parce que le métal s'y prête, explique cet incroyable fils de Duchamp et de Rodin dont il connaît tous les secrets d'atelier. Si j'avais utilisé la terre, j'aurai fait autre chose, comme Arp, comme Fontana et ses boules fendues... la terre incite à faire des gestes continus. Avec le fer, on ne peut pas prendre le matériau en main parce qu'il est chaud. Mais le sculpteur reste un tripoteur, un type qui a l'esprit du toucher... Il y a toujours derrière le cuisinier, le feu. Selon ce qu'il met dedans, le résultat est différent", dit-il simulant le geste de pétrir, puis celui de souder.  

Là, des rectangles de métaux compressés, broyés, violentés. Morceaux de carcasses de voitures. Entrailles affolantes aux masses de couleurs sombres d'où s'échappent des jaunes, des bleus, des rouges ou des blancs. De celles qui firent scandale au Salon de Mai de 1960 et le hissèrent comme locomotive du Nouveau Réalisme.  L'art de César a besoin d'un choc. D'un crash. Plus encore. D'un massacre, d'une étreinte infernale et grandiose entre lui et l'objet. "C'est vrai, c'est en détruisant que je construit", constate-t-il. Comme Pollock ou Tobey en peinture, comme Giacometti et Germaine Richier en sculpture, César se laisse fasciné par les affres, les épanchements de l'informe, par le jeux de ces matières qu'il préfère usées, pétries, déchets, résidus de notre société. Premier sculpteur à s'être servi d'une machine pour réaliser des oeuvres d'art, il entremêle somptueusement lyrisme et minimalisme, avec un zest de dadaïsme  et d'humour picassien.

Dispersées une peu partout dans l'atelier, des "expansions" de petit format. Troisième geste radical datant de 1967, cette fois. "Je prenais un récipient et remuait le produit, puis je le faisais sortir plus ou moins vite ou lentement. Les gens utilisaient alors la mousse dans un moule. Moi, je l'ai utilisée de manière libre. Pour celle-ci, explique l'artiste tournant dans ses mains une petite expansion jaune en forme de champignon, cherchant à savoir pourquoi elle est bancale, j'ai mis le produit dans le sceau et je n'ai pas touché... C'était un jeu".  Gestes jubilatoires, aléatoires, euphoriques : remuer, renverser, déverser. Coulées roses, oranges, bleues, immenses bonbons ondulants, vagues fluorescentes ou nacrées, qui s'étalent, s'épanchent, gonflent. Chairs qui se plissent, se déplissent. Onctueusement, sensuellement. César inventeur, César magicien qui n'en peut plus de s'approprier et manipuler matières et objets de notre modernité. Rien que pour le plaisir de faire.

Mais César artisan surtout. Hanté par la nostalgie de la grande statuaire qu'il appris, étudiant, à l'Académie des Beaux-Arts, rue Bonaparte. "Pour moi, un sculpteur, c'est un statuaire, comme Maillol ou Rodin. Mais Man Ray, Spoerri, Tinguely, Calder, ce sont des artistes, comme moi". Et pourtant. Au fond de l'atelier, un "Centaure" de petit format rappelant la statue équestre qui interpelle le passant place de la Croix Rouge  à Paris. Et juste devant lui, entre deux autoportraits de bronze, l'original en plâtre de quelques centimètres de haut de ses célèbres "Pouce", comme celui de douze mètres installé à la Défense depuis 1994. Monumentalité.  De celle qu'il vénère. La Grande Grèce et l'Italie. Marc Aurèle au Capitole, Donatello à Padoue, Verrocchio à Venise. César, la contemporanéité renouvellée.

"César, anthologie par Jean Nouvel", Fondation Cartier pour l'art contemporain, 261, boulevard Raspail, 75014 Paris. Du 8 juillet au 26 octobre. www.fondationcartier.com.

Images :

- "César", Paris; 1997, courtesy César/Adagp, Paris, 2008. Photo iverné/elnour

- compression jaune : "Gialto Naxos 594", 1998, photo Aurelio Amendola, Courtesy César Administration, Stéphanie Buzutil, Adagp, Paris, 2008.

Regarde et va voir !

Essayez de vous retenir !!!! Et si avant de voir l’exposition, vous passiez par le sous-sol pour regarder le film consacré à Avedon. Pour le voir, comprendre avant de regarder. Parce qu'il est tellement important de le voir bouger, parler, diriger, travailler, aimer, parler, philosopher... L’homme est donc là. L’artiste. L’immense photographe. Magnifique. Mais aussi magnifique qu’absolu. Jusqueboutiste jusque dans son moindre regard. Le moindre montage. Le film montre un Richard Avedon toujours angoissé, toujours stressé. Sur le fil du rasoir. Et il danse, trouve l’équilibre. En regardant au plus profond de son modèle. Comme en fouillant son âme. Pour laisser sur le papier une émotion. Unique. Et dans le film, il parle de sa femme, de son fils. De la maison qu’il a acheté à Long Island pour son fils et ses petits enfants. Oui. L’homme est là. Bien vivant. Gai. Toujours prêt à s’amuser aussi. A rire. A aimer. Et puis allez-y. Montez vite voir l’œuvre. Cette œuvre immense. De celui qui regardait ses modèles jusque dans les pupilles pour en étudier la luminosité. Cette première grande rétrospective du photographe américain dévoile tous les aspects de son œuvre. Les stars de cinéma comme un impressionnant portrait de Marilyn presque désespérée. Les artistes comme Giacometti, Andy Wahrol et les membres de la Factory dans une composition magistrale et humoristique. Mais aussi son vieux père, les yeux clairs et le visage ridé de Samuel Beckett, sa femme superbe qui le regarde les yeux dans les yeux. Mais ses personnages sont aussi clochards, mineurs, SDF, forains. Marqués par la vie. Et même là se retrouve cette mise en scène incroyable et parfaite. Cette recherche de la vérité, du regard, toujours du plus profond du regard, de l'âme. De l'homme dans son humanité. Ancré dans la beauté, la grâce comme dans la vie.

"Richard Avedon", Jeu de Paume, 1, place de la Concore, 75001 Paris. voir www.jeudepaume.com et www.richardavedon.com Du 1er juillet au 28 septembre.

Images : "Autoportrait", photographie Richard Avedon, courtesy 2008 The Richard Avedon Foundation;  "Bjork", photographie Richard Avedon, courtesy 2008 Richard Avedon Foundation. ; "Twiggy, coiffure de Ara Gallant", studio de Paris, janvier 1968, Photo Richard Avedon, courtesy 2008 Richard Avedon Foundation.

« Je n’ai pas deux vies distinctes, dit l’artiste. J’ai une vie, et les photos personnelles en font partie au même titre que les œuvres de commande ». Elle est presque une légende. Un monstre sacré. De la photographie. De l’image. De ces instants magiques que chacun voudrait toujours capter. Elle les a tous photographiés. Les Stars. Les hommes politiques. Ses amis. Ses parents. Et défilent devient nos yeux éblouis  200 photographies qui paraissent convoquer la terre entière. Shoots historiques. Yoko Ono, John Lennon, Jamie Foxx, Nicole Kidman, Demi Moore, Brad Pitt, George W.Bush, Richard Avedon, Patti Smith, Cindy Sherman. Et encore Hillary Clinton, la Reine d’Angleterre. Et puis comme par magie, celle qui commença à travailler dans cette Amérique de « Rolling Stone » en 1970, livre des moments de sa vie intime. Des moments simples et rares. Les photographies de la naissance de ses trois filles, les réunions de famille, son père et son frère torses nus….Et son amie , sa compagne Susan Sontag, comme une lumière, un phare.  Mais n’oublions pas qu’elle a réalisé plus de 142 couvertures pour Rolling Stones, sans compter Vanity Fair, Vogue et ses publicités pour Gap, Givenchy. Elle vit à New York avec ses trois enfants et offre une œuvre merveilleuse et pleine de rêve. De souvenirs. Une exposition aussi rare qu’inoubliable.

"Annie Leibovitz. A Photographer's Life, 1990-2005", Maison européenne de la photographie, 5,7, rue de Fourcy, 75004 Paris. Tél. : 01 44 78 75 00.Voir www.mep-fr.org;

A lire : "Annie Leibovitz. La Vie d'une photographe, 1990, 2005", Editions de la Martinière, 480 pages, 105 eiros.

Image : En haut, "Annie Leibovitz", Paris, 2005, courtesy Martin Shoeller, 2005. En bas, "Patti Smith et ses enfants, Jackson et Jesse". St Clair Shores, Michigan, 1996. Courtesy Annie Leibovitz/Contact Press Images

Paris, janvier 1966. Alberto Giacometti s'éteint, épuisé, dans son atelier minuscule et poussiéreux de la rue Hippolyte Maindron. Là, pendant près de 40 ans, ce jusqu'auboutiste de la figuration s'est acharné, face à la force de l'abstraction dominante, à faire poser le modèle, à interroger la réalité avec fureur et désespoir. Il y a brûlé ses yeux et sa vie. Il y a consacré toutes ses forces jusqu'à leur anéantissement. Le vieux maître était devenu l'ombre de ses sculptures, long, filiforme, le visage bosselé. Terrifiant. Sans aucun doute, il avait été touché par la grâce divine, métamorphosé en dieu dans sa quête de l'Absolu, de la "vraie vie" dont parlait Rimbaud.

En effet, que de temps pour s'arracher des mains ces corps ravagés, ces figures rongées par la lèpre. Que de travail pour faire surgir de la glaise, du plâtre ou sur le papier, ces portraits, ces bustes, ces nus assis ou debout, les têtes de Diego, d'Annette, de Caroline. Car de son enfance passée à Stampa, petit village de la Suisse italienne, aux années de gloires parisienne et internationale, toujours il fut déchiré par les épreuves et l'incertitude, tenté par les ruptures et  le renoncement.

A 20 ans, il accompagne son peintre de père en Italie. C'est la révélation. Les Tintoret et les Giotto, les mosaïques byzantines et l'art égyptien l'ébranlent. Dès lors, il ne cessera d'arpenter les musées, de questionner  toute chose et tout être  humain, inlassablement, à la recherche d'une  ressemblance impossible. En 1922, Giacometti poursuit son apprentissage à Paris, à l'académie de la Grande Chaumière, dans l'atelier de Bourdelle. Mais, à la fois par dépit amoureux et constat d'impuissance, il tourne casaque. Une parenthèse de dix ans s'ouvre. D'abord, il sacrifie à l'influence de ses aînés, Laurens, Brancusi ou  Lipchitz. Y amalgame la leçon des arts primitifs, fétiches africains, sculptures mélanésiennes ou cycladiques. Puis ses rencontres avec Miro, Masson et Leiris le propulsent, en 1930, dans le maelström surréaliste. Bien entendu, Freud et Bataille  lui  permettent de mettre à nu les fantasmes sexuels et la rage qui le tourmentent. Le modèle intérieur supplante la réalité concrète. Et  d'inquiétants objets portent dans une lumière aveuglante les énigmes de la nuit  des  rêves, du sexe, de  l'imaginaire: tandis qu' "Homme et femme"  exhibe le spectacle abstrait d'un viol,  dans une "Cage", des formes  s'entredévorent dans un climat convulsif. Partout on retrouve  la même  intensité  dans  l'affrontement. Car partout aussi, le recours à la violence n'est qu'un moyen extrême, le plus désespéré peut-être, d'assouvir le  désir, de supprimer cette sensation de vide qui sépare les êtres, isole du monde, et l'empêche d'atteindre la réalité qui le fuit.

En 1935, Giacometti étouffe dans le cercle vicié de l'abstraction. Il laisse tomber Breton et ses acolytes, et commence enfin la grande aventure de sa vie, celle qui le laissera à jamais obsédé par les visages insaisissables, celle qui le tiendra tel un ermite, cloîtré jusqu'à sa mort. Et le travail d'après nature reprend. De 1935 à 1940, chaque jour, comme un écolier accomplissant ses devoirs, il s'efforce de copier la tête d'un modèle et celle de son frère Diégo. Mais chaque jour aussi, cette réalité le laisse sur sa faim. Il persiste. Il l'enferme dans son atelier, ne se consacre plus qu'à la sculpture, n'expose plus jusqu'en 1947. Seulement, ses oeuvres deviennent de plus en plus petites. Et de Genève où il séjourne pendant la guerre et rencontre sa compagne Annette Arm, il ne rapportera qu'un tout petit nombre de minuscules figurines qui rentraient dans une boîte d'allumettes. A son retour à Paris, il plonge dans  l'existentialisme, se lie avec Sartre et Simone de Beauvoir. La nouvelle période qui s'engage développe et porte à maturité son oeuvre la plus connue et dite phénoménologique. Son but ? "Faire sentir le vide autour de la tête". Car faire oeuvre pour Giacometti, c'est fixer la réalité que l'oeil découvre à distance, immergée dans son espace, cernée par le vide qui la retranche. Désormais, la main dessine, peint, modèle, aussi bien les traits distinctifs que tout ce qui l'isole : l'image recrée, unit comme par magie, les signes d'une présence et les traces d'un retrait. D'où l'extrême étirement des figures, d'où l'amincissement de la tête qui tranche l'espace comme une fine lame de couteau. D'où aussi l'amplification du socle dont elle semble jaillir tout en s'y enracinant, entraînant des blocs entiers du chaos qui les empoigne. A coup sûr, c'est toujours la même silhouette qui surgit, une silhouette dans laquelle on reconnaît l'allure d'un Giacometti gris, gris comme cette poussière qu'il ne voulait pas que l'on enlève de son atelier, gris comme une figure d'ombre rasant les murs dans la nuit.

Et dans l'interminable débat de l'artiste avec son modèle, il célèbre les noces perpétuelles de la création et de la destruction, du faire et du défaire. Bien entendu, sa folie iconoclaste s'oppose à sa présence. D'un côté Giacometti pousse ses figures sur la scène comme un impresario ferait d'un acteur hésitant. De l'autre il les refoule, les éclabousse de signes, de traînées, de bris de lignes qui font pleuvoir sur elles des coups de fouet. Dès  qu'il détache avec détermination une silhouette compacte placée bien au centre du tableau, il force les visages, les corps et les murs à se débattre dans la même toile d'araignée, vannerie prodigieuse et légère, illimitée et inextricable. C'est une lutte d'influence, acharnée et  meurtrière, entre la représentation et son absence, entre les griffures du crayon, les lacis des pinceaux et les coups de gomme.

Il est arrivé à Giacometti, à force de creuser l'apparence de ce qu'il voit et vit, d'en toucher le noeud et la mort. Sur le visage de la poseuse, cerne après cerne, lasso après lasso, soudainement les orbites se creusent et les os saillent. Mais l'artiste ne s'est pas arrêté là. Car l'être a supplanté le néant, la vie a vaincu la mort. Et malgré le sentiment d'échec du peintre qui, à la fin de sa vie, tel Cézanne, n'arrivait plus à achever ses oeuvres, il a fait jaillir la formidable énergie de la vie, de l'Absolu, du Sacré.

"Giacometti", Musée des Beaux-Arts, Le Château, 14000 Caen. Jusqu'au 31 août. Voir www.ville-caen.fr

Image : http.//himmel.blog.lemonde

24/07/2008, São Paulo - Gerben Mulder

A Galeria Fortes Vilaça tem o prazer de apresentar a segunda exposição no Brasil do holandês Gerben Mulder.

O artista mostra suas conhecidas pinturas figurativas e apresenta, pela primeira vez, esculturas em bronze. Em ambas as linguagens, Mulder cria um mundo fantástico, povoado por criaturas imaginárias que se situam entre o drama e a comédia.

Seus personagens possuem proporções distorcidas, olhos inchados e alucinadamente saltados. Com rostos de adultos e corpos de crianças, as figuras caminham em uma linha tênue entre inocência e perversão.

Recentemente, a paleta de Mulder tornou-se mais vibrante. O artista se distanciou dos tons pastéis e passou a trabalhar com cores fortes, como azuis escuros, vermelhos intensos, amarelos e verdes vivos. Tal abundância de cores contrasta com os complexos temas que Mulder aborda.

As esculturas suscitam no espectador ainda mais curiosidade e estranhamento do que as pinturas.

Trabalhando sem inspirações concretas, Mulder permite-se ser guiado por seus mais secretos e íntimos pensamentos. Sua energia e criatividade dão a seus trabalhos uma aura incomum e autêntica.

24/07/2008, Ceará - O espetáculo ‘Eu ando, tu andas...eles observam’ poetiza movimentos do cotidiano

Inspirado na observação da vida cotidiana, no olhar indiscreto dos curiosos que percebem passos, pernas e balançados de corpos, o espetáculo ‘Eu ando, tu andas...eles observam’ traduz em poesia o modo singular dos andares.

Resultado de pesquisa da bailarina e atriz Dryca Lima, a peça utiliza técnicas do teatro e da dança contemporânea para refletir sobre o ato e a gestualidade do andar. Cartaz de julho do projeto Quinta com Dança, o espetáculo foi contemplado pelo Prêmio de Circulação na Área da Dança no IV Edital de Incentivo as Artes, da SECULT, em julho de 2007, e com o Prêmio Funarte Petrobras de Fomento às Dança, na categoria Montagem, em dezembro de 2005.

Dryca realizou a pesquisa em Fortaleza, Crato, São Paulo e Distrito de Barão Geraldo, em Campinas. O intuito foi o de captar detalhadamente a particularidade dos diversos andares e estudar a estrutura física e construção de tais gestos. Também foram colhidos vários depoimentos de transeuntes. Para o seu laboratório, a bailarina uniu estudos e técnicas desenvolvidas pelo grupo de teatro Lume (Campinas), por Rudolf Laban, coreógrafo, educador e pesquisador da linguagem da dança, por Leonora Lobo, também coreógrafa e pesquisadora, e também apontamentos de Stanislavski sobre as emoções do ator.

Dryca encontrou abordagens semelhantes de reconhecimento e lapidação do corpo do intérprete e afinou um caminho: teatro e dança contemporânea estão mesclados para poetizar os gestos do corpo. O resultado são recortes de cenas que tentam motivar para a reflexão sobre esse gesto que passa despercebido. ‘Eu ando, tu andas...eles observam’ procura o real significado da palavra ‘andar, que no palco deixa de ser apenas um resultado da mecânica do corpo, do movimento maquinizado, para dar espaço as sensações e a essência do gesto.

O espetáculo tem direção e encenação de Dryca Lima, sonoplastia de Glairton Santiago, concepção de luz de Aldo Marcozzi, figurino de Thaís de Campos e produção de Sidney Malveira.

24/07/2008, São Paulo - Cuentos Pequenõs

Direção e Atuação: Hugo Suarez e Ines Pasic.

É um desfile pitoresco de divertidos personagens que, nos breves momentos de sua existência sobre a cena, procuram aqueles pequenos momentos poéticos que se encontram escondidos na vida diária. Essas personagens, com seus sonhos e frustrações, com seus êxitos e fracassos, narram o eterno drama da tragicomédia humana.

23/07/2008, São Paulo - Cristina Canale na Galeria Nara Roesler

As 15 imagens sobre tela e sobre papel que compõem esta exposição de Cristina Canale (Rio de Janeiro, 1961) giram em torno de cenas, nas quais animais domésticos, poltronas, mesas de bilhar etc se interagem, estruturando a espacialidade da tela a partir destes elementos.

Trata-se de interiores onde cães e gatos, de certa forma, tomam o lugar da figura humana, ou trazem animais em contato com a “civilização”, como as girafas no Zoológico, ou cavalo no Jockey Club. Em algumas obras a artista carrega de ironia as imagens, ao retratar móveis de design e ambientes que poderiam ter saído de uma revista de decoração nos quais os ‘bichinhos’ se comportam como donos da casa.

Além das pinturas sobre tela, serão apresentadas pela primeira vez em São Paulo obras em papel. Nestes trabalhos, Canale mistura, assim como nas telas, soluções de cunho pictórico e de desenho. Segundo ela, o papel  permite um outro equilíbrio destas linguagens e outra sensibilidade da matéria. O material é outro também, pois nos papéis utiliza aquarela, crayons, grafite e bastão oleoso, enquanto nas telas usa basicamente óleo e bastão oleoso.

23/07/2008, São Paulo - Desenhos Antelo, de Fernando Lindote na Galeria Nara Roesler

A exposição consiste de sete desenhos sobre papel e seis óleos sobre tela selecionados pelo crítico Ivo Mesquita.

Fernando Lindote (Rio Grande do Sul, 1960, vive e trabalha em Florianópolis), que também está presente em outra individual na cidade, no Centro Universitário Maria Antonia, apresenta na Galeria Nara Roesler Desenhos Antelo, mostra itinerante que seguirá para o Rio de Janeiro e Florianópolis, reunindo trabalhos inéditos, realizados entre 2006 e 2008.

A série sobre papel foi desenvolvida a partir de dois desenhos realizados por Lindote após as duas folhas (A4) terem sido assinadas em branco por Raúl Antelo, escritor e crítico nascido na Argentina, professor titular de literatura na Universidade Federal de Santa Catarina, muito próximo ao artista, que recentemente recebeu bolsa Guggenheim para pesquisa sobre Marcel Duchamp. Já os demais trabalhos da série, de dimensões maiores (70 x 50 cm), foram realizados com vários materiais argila, folha de chumbo, grafite e fita branca.

Completam a exposição seis óleos sobre tela em preto e branco, nos quais a assinatura de Antelo não aparece, mas permanecem os sistemas de imagem dos desenhos em papel, que às vezes lembram máquina e às vezes pedaços de corpo e sugerem uma circulação, guardando referências a artistas como Duchamp e Picabia (quatro telas de 100 x 100 cm e duas de 50 x 70 cm).

23/07/2008, São Paulo - 16º Anima Mundi

16º Anima Mundi começa em São Paulo.

A 16ª edição do Anima Mundi será aberta ao público no Memorial da América Latina e no Centro Cultural Banco do Brasil, em São Paulo. O festival vai até o próximo domingo com uma programação que traz 441 filmes de diversos países do mundo.

Durante a etapa paulista do Anima Mundi ocorrem quatro mostras competitivas: – de longas-metragens, curtas, infantil e portfólio – e quatro informativas – “Animação em Curso”, “Futuro Animador”, e as “Panoramas” de curta e longa.

O evento também terá concursos em outras mídias: “Anima Mundi Web” (com animações para internet) e o “Anima Mundi Celular” (competição de filmes para celulares).

Os filmes que estão competindo no Anima Mundi se dividem em seis categorias, curta-metragem, longa-metragem, curta infantil, animação brasileira, filme de estudante e filme de encomenda.

Os vencedores das categorias curta-metragem, longa-metragem, curta infantil, animação brasileira e filme de estudante serão escolhidos por voto popular. Outras premiações também irão contemplar os participantes como o “Prêmio Anima Mundi Especial” e o “Prêmio Aquisição Canal Brasil”, que pagará 10 mil reais ao melhor curta-metragem nacional escolhido por voto popular.

Além dos filmes, o Anima Mundi oferece workshops e palestras aos visitantes, como o workshop do grupo japonês Tochka. No site do evento (www.animamundi.com.br/default.asp) é possível conferir a programação completa dos filmes e atividades.

23/07/2008, Rio de Janeiro - Gonçalo Ivo no MNBA

Em sua primeira individual no MNBA,  Gonçalo Ivo apresenta a partir do dia 23 de julho a exposição A Cor-Espaço / Pinturas e Objetos.

Com curadoria de Fernando Cocchiarale, a exposição vai exibir oito telas de grande formato e  47 objetos de madeira.

Entre os destaques estão  Tissu D’Afrique, 2007, uma pintura de 120 x 580 cm,  um imenso quadro em tons de branco, medindo 200 x 400 cm e Objeto, 2008, um totem de 367 cm de altura.  Na mostra,  os objetos são pinturas em têmpera tridimensionais, muitas vezes calcinadas, com colagem de folhas de ouro, prata ou bronze.

Na ocasião será lançado o livro Gonçalo Ivo, de autoria de Fernando Cocchiarale e textos de Ladi Biezus, Roberto Pontual, Oscar D’Ambrosio, Ligia de Franceschi e Edgar Lyra.

23/07/2008, São Paulo - Christian Cravo: Espiritoculto

Christian Cravo retrata a religiosidade de diversos cantos do mundo.

A partir de 23 de julho, o fotógrafo Christian Cravo expõe Espiritoculto, na Caixa Cultural Paulista. A mostra, que tem curadoria do próprio fotógrafo, traz 58 imagens feitas entre 1998 e 2007 em diversos países, do Haiti à Índia. São fotografias documentais que retratam, com sensibilidade, o ser humano em momentos de devoção às suas crenças.

Chama a atenção na mostra a universalidade do tema que foi retratado por Cravo privilegiando as características de cada culto ou cultura.

19/07/2008, Pernambuco - Marcelo Solá abre exposição no MAMAM no Pátio e inaugura a programação 2008

Após trinta dias de residência artística em Recife, Marcelo Solá inaugurará exposição na galeria do Mamam no Pátio.

A mostra será composta por duas imagens de lambe-lambe, cinco desenhos, as anotações do período de estada do artista feitas em seu caderno de desenhos e um diário de viagem  - com pequenos textos e rascunhos – que irá compor um livro de artista. A expoisção abre, oficialmente, a programação 2008 de residências artísticas do Mamam no Pátio que ainda trará os artistas João Modé (RJ), Leandro Lima & Gisela Motta (SP) e Paulo Nazareth (MG).

A mostra ficará até setembro e, em seguida, dará lugar ao trabalho da chinesa Duan Jianyu, primeira artista participante do projeto  Made In Mirrors a residir em Recife.

Segundo Solá, o aspecto da cidade mais inspirador para a criação dos seus trabalhos foi a coexistência de diferentes expressões culturais num mesmo espaço urbano, característico do Recife. A interseção entre o profano e o religioso, observados pelo artista através da coexistência das igrejas com os bares no Recife Antigo e também do impacto das festas juninas sobre a população, o fascinaram e estão refletidos em toda a exposição.

18/07/2008, Minas Gerais - Mestre Didi

Mestre Didi, aos 90 anos, reconhecido em todo o mundo pela sua arte, atividade literária e religiosa, abre esta mostra na Galeria Murilo Castro.

São 28 esculturas feitas em material orgânico, como nervuras e palmas de palmeira, palha da costa, contas vegetais, búzios e couro, com representações e dimensões variadas. Cada obra é um emaranhado de linhas, curvas, círculos, triângulos e setas, desenhando formas finas e a maioria verticais, apontando para o céu.

Algumas das obras apresentadas nesta exposição participaram da “Bienal de Valencia”, Espanha, em 2007, da exposição na “Comune di Milano - Cultura Musei e Mostre”, Itália, em 2005, e na “Mostra do Redescobrimento - Brasil 2000 Anos”. Outras são obras inéditas.

A exposição conta com curadoria e texto de apresentação de Emanoel Araújo, diretor do Museu Afro-Brasil de São Paulo. O catálogo é enriquecido com textos de Washington Olivetto, Angela Gutierrez e Juana Santos que é antropóloga e esposa de Mestre Didi.

A galeria será totalmente ambientada por Pedro Pederneiras, cenógrafo do Grupo Corpo, para receber esta importante exposição. Uma produção à altura de Mestre Didi.

]]> http://arteref.wordpress.com/?p=476 Thu, 24 Jul 2008 15:17:09 +0000 arteref http://arteref.wordpress.com/?p=476

16/07/2008, Rio de Janeiro – Trajetórias em Processo

Na próxima quarta, dia 16 de julho, Anita Schwartz Galeria inaugura a mostra coletiva "Trajetórias em Processo", com obras de artistas emergentes que exploram diferentes linguagens como vídeo, pintura, fotografia, escultura e performance.

Participam da exposição Cristina Ribas, Felipe Cohen, Gilberto Mariotti, Marcos Abreu, Romano, Wagner Malta Tavares e Wagner Morales.  "Trajetórias em Processo", que tem curadoria de Guilherme Bueno, inaugura o programa da galeria Anita Schwartz de acompanhamento da produção de artistas emergentes da cena brasileira recente. Sua proposta, contudo, é alternativa em relação às outras iniciativas desta natureza, uma vez que valoriza sobretudo a consolidação de artistas que já possuem uma poética amadurecida, ultrapassando tanto a idéia da “revelação”, quanto do artista já consagrado.

Sua ousadia está em apostar na afirmação de artistas que vem percorrendo o circuito nacional e internacional nestes últimos anos (em mostras como o Rumos Itaú Cultural, o Salão da Bahia, o Projéteis de Arte Contemporânea da Funarte, o Panorama do MAM-SP entre outras) e que se encontram em um momento bastante singular dentro de suas respectivas produções. “Não se trata, portanto, de falar de revelações ou gerações, mas atentar para as diferentes possibilidades consolidadas na arte brasileira recente, nas quais se testemunha um conjunto de indagações enfrentadas com confiança e positividade”, explica o curador Guilherme Bueno.

]]> http://arteref.wordpress.com/?p=473 Thu, 24 Jul 2008 15:11:50 +0000 arteref http://arteref.wordpress.com/?p=473 15/07/2008, São Paulo - Performance em expansão

Curso com Lucio Agra.

Uma análise da performance contemporânea a partir de suas origens e das várias faces dessa linguagem, por meio de diferentes abordagens. Serão discutidas suas articulações com outras práticas artísticas, sua relação com o campo mítico dos rituais, os antecedentes da performance no Brasil, a expansão de seu conceito como base de compreensão das novas lógicas na atualidade, dentre outros temas. As aulas contarão com a presença de artistas convidados, que estarão em São Paulo participando da mostra Verbo.

Programação:
- 15 de julho: A multiplicidade das noções de performance, seus antecedentes no Brasil e a performance antropófaga
- 16 de julho: Genealogia da performance; o happening e a interface com modalidades artísticas em desenvolvimento. Experimentos nas áreas de música, artes plásticas e tecnologias no Brasil

- 17 de julho:  Performance e oralidade, experimentos com a linguagem poética e a e-poetry; o trânsito com o Jazz e a stand-up comedy; a herança beat; performance e artes plásticas: limites e conexões

- 18 de julho: Performance e ritual: construção do campo mítico; as idéias/práticas de Renato Cohen, Richard Schechner e Victor Turner; treinamentos psicofísicos

15/07/2008, São Paulo - Barão de Mauá – O Empreendedor

Exposição e lançamento do livro.

O Centro Cultural Banco do Brasil inaugura a exposição Barão de Mauá – o empreendedor, resultado de pesquisa histórica e contemporânea do livro de Gilberto Maringoni, que será lançado na ocasião.

A exposição - que leva a assinatura do designer Victor Burton - é a primeira sobre Irineu Evangelista de Souza, o Barão de Mauá. Serão mostrados reproduções fotográficas, ilustrações, gravuras, quadros, mapas e documentos, alguns oriundos do Museu Histórico, do Instituto Histórico e Geográfico e de coleções particulares.

Durante a exposição, será agendado um dia para a exibição do filme Mauá – O Imperador e o Rei, de Sérgio Rezende, e um debate sobre o Barão de Mauá com a participação do autor do livro, Gilberto Maringoni, o protagonista do filme Mauá, Paulo Betti, e o professor do Instituto de Economia da UFRJ, João Sicsú, ainda sem data definida.

Durante a abertura do evento, haverá a participação especial do ator Paulo Betti, como mestre-de-cerimônias, vestido com o figurino utilizado por ele quando interpretou Irineu Evangelista de Souza.

15/07/2008, São Paulo – Duas exposições Duchamp no MAM

Paralelamente à mostra “Marcel Duchamp: uma obra que não é uma obra ‘de arte’”, o Museu de Arte Moderna de São Paulo apresenta na Sala Paulo Figueiredo a exposição “Duchamp-me”, com curadoria de Felipe Chaimovich.

A mostra traz cerca de 40 obras do acervo do museu de artistas brasileiros inspirados em conceitos do franco-americano.

O foco é a ruptura estabelecida por Duchamp com relação à perspectiva tradicional, que era então a divisão do espaço imagético de forma ordenada, com as figuras distribuídas pelo quadro partindo de um ponto central (o ponto de fuga) até a “superfície”, como se a cena fosse vista pela base de um cone ou pirâmide invertidos. Essa concepção de perspectiva fora estabelecida por Brunelleschi e Masaccio, em Florença (1420), mas o advento da fotografia veio reiterar em pleno fim do século 19 e início do século 20 essa premissa, já que a câmera dispõe de um único orifício central pelo qual entram os feixes de luz.

Como em todos os aspectos da obra do franco-americano, a anarquia na perspectiva visava reestabelecer ao artista o poder de criar livremente, sem se prender a cânones e a modelos que engessavam a expressividade artística. Isso fez com que Duchamp se interessasse pelo abstracionismo e por novas formas de representação, como em “O Grande Vidro” (1915-1923), cujos elementos são colocados de forma bidimensional, como em uma pintura plana, que na verdade é a reunião de elementos coletados e minuciosamente posicionados.

Na seleção de Felipe Chaimovich que estará na Sala Paulo Figueiredo, a peça central é a instalação “Uma vista” (2002), de Cássio Vasconcellos, em que uma paisagem da cidade de São Paulo é formada por 67 fotografias penduradas em um eixo central, que desobedecem a noção de perspectiva tradicional pelo posicionamento das imagens em diferentes planos que não seguem uma distribuição concêntrica e alinhada.

15/07/2008, São Paulo - VERBO 2008

A VERBO, evento de performance que ocorre anualmente na galeria Vermelho, chega à sua quarta edição apresentando 51 projetos que refletem o campo de tensão representado pela performance na arte atual.

São fotos, instalações, performances, vídeos e stills de vídeo que apontam para a tentativa do artista de colocar em perspectiva um diálogo com o observador através do  seu corpo.

Elementos carnais da iconografia tradicional serão apresentados em contraposição à assepsia do cubo branco em trabalhos que sugerem a dependência, o cuidado, a necessidade de compromisso e de dominação.

A seleção de trabalhos aponta também para o poder associado ao sagrado, ao profano, às rotinas do cotidiano e à dor infligida pelo homem a si mesmo e aos outros. Atos de violência, rotinas diárias de alimentação, respiração, reprodução e sexualidade que, por conta da natureza civilizada do homem não aparecem em público, especialmente em situações onde a tradição limita a liberdade individual.

Além disso, a VERBO 08 apresenta também ações que abordam questões relacionadas ao estatuto da performance na arte atual, como, sua inserção institucional e no mercado de arte; sua aproximação com outras mídias, e, por último, sua atual eficácia como instrumento crítico e de resistência ao sistema vigente.

Para discutir tais questões, o Centro Cultural São Paulo em parceria com a Vermelho, criaram o seminário Verbo Conjugado que ocorrerá paralelamente às ações na galeria. Dividido em quatro dias, o seminário discutirá temas como, Performance e Documentação, Performance e Reencenação, Performance e Resistência Cultural, entre outros, e conta com a participação de artistas e intelectuais de várias áreas. Simultaneamente, o Mariantonia - Centro Universitário da USP, programou o curso Performance em Expansão que pretende apresentar uma análise da performance a partir de suas origens, abordando suas várias faces e articulações com outras práticas artísticas.

15/07/2008, Ceará - Pausa Dramática de julho debate Exclusão Social

Textos como “Meire Love”, história de uma menina-moça que tenta fugir da prostituição e acaba morta, e “Anônimos”, que revela a solidão de idosos em asilos serão narrados no Pausa Dramática, que dias 15 e 16 de julho debate o tema Exclusão Social.

Esta edição do Pausa Dramática apresenta os textos Meire Love, de Susy Élida, e Anônimos, de Sidney Malveira e Ricardo Guilherme. No dia 15, os atores Ricardo Tabosa, Rogério Mesquita e Yuri Yamamoto dramatizam a leitura do primeiro, Meire Love. No universo selvagem a que são submetidas, meninas prostituídas procuram, por intermédio dos sonhos, um espaço para a felicidade. Meire planeja fugir da vida miserável e de exploração sexual. Seu plano é descoberto e ela, misteriosamente, aparece morta, afogada, na beira da praia. A partir de então, Meire torna-se o centro da discussão de três jovens. Ao final da leitura deste dia, a autora Susy Elida conversa com a platéia.

No dia 16, Sidney Malveira narra caminhos de saudades, decepções, alegrias, amores, sonhos. Seu texto descreve cenas de um asilo de idosos e os sentimentos que povoam o cotidiano dessas pessoas. No foco das cenas, uma velhinha e dois velhinhos contam suas histórias. Depois da leitura, a bailarina e coreógrafa Sílvia Moura debate com a platéia.

Esta edição do Pausa aborda questões acerca da exclusão social com foco nos maus tratos em crianças e idosos. Os texto são comoventes e abrem a questões como: o que pode ser feito? Qual a nossa responsabilidade? Como a arte deve se posicionar em relação a exclusão social?.

Del 1 al 3 de agosto de 2008, el Instituto Mexicano de la Juventud organiza un encuentro de aficionados al cómic y demás formas de entretenimiento para jóvenes, denominado Expo Comic Poder Joven, en las instalaciones del Instituto ubicado en Serapio Rendón No. 76, Col. San Rafael, Delegación Cuauhtemoc, en la ciudad de México.

La entrada al evento es totalmente libre y gratuita, en el se reunirán importantes creativos del medio, vendedores de Anime, Juguetes, Manga, Comics, etc. El horario es de 10:00 AM a 7:00 PM.

Para más detalles visita la página oficial de Poder Joven.

Vía: Supercomics