France et Italie passeront-ils à la trappe ? Pays-Bas et Roumanie s'arrangeront-ils entre amis ? Le groupe de la mort n'a jamais aussi bien porté son nom.

Ce soir, quatrième émission spéciale Euro 2008, de 20h à 23h sur VivaCité. Au menu :

• Trois invités : Etienne Delangre (consultant RTBF-Radio), Christophe Dessy (Centre de Formation de Mons, spécialiste du football français) et Marco Casto (le plus fada de nos footballeurs ritals)
• Commentaire et analyse "live" de France/Italie et de Pays-Bas/Roumanie
• Ambiance dans les cafés français et italien de Belgique
• Reportages de notre envoyé spécial Eby Brouzakis
• Interviews des acteurs et des observateurs
• Questionnaires Euro aux Diables Rouges restés au pays
• Cadeaux à gagner : 1 Larousse du football par émission

Autres émissions spéciales prévues : jeudi 19 juin, vendredi 20 juin, samedi 21 juin, dimanche 22 juin (1/4 de finale), mercredi 25 juin, jeudi 26 juin (1/2 finales), dimanche 29 juin (finale, en direct de Vienne et de Couleur Café).

Tous au poste et à vos postes ce soir ! J'aurai le plaisir de vous retrouver en compagnie de David Houdret. N'hésitez pas déjà à poster vos questions et observations sur le blog. Nous les évoquerons avec nos invités.

A mesure que le décompte avance, nous allons forcément vous parler de plus en plus des prochains Jeux Olympiques. En radio, une nouvelle émission a déjà vu le jour :

A la barre de cette émission, Mehdi Khelfat aborde aussi bien l'actualité sportive que l'actualité politique liée à cet évènement.

Vous trouverez plus de détails sur la nouvelle page de ce blog.

Et pour écouter les émissions déjà diffusées, c'est par ici.

Ce lundi à 19h, sur Vivacité, Erik Libois recevra

• Dominique Leone, le Président de Mons mathématiquement sauvé depuis ce week-end
• l'arbitre Frank De Bleeckere, le seul belge qualifié pour l'Euro
• Jules Dethier, Président du FC Liège, promu ce dimanche en 2ème division

Vos questions, vos réactions :

1. via ce blog au moyen des commentaires ci-dessous
2. via le répondeur de la rédaction des sports radio : 070/220.520
3. via sms durant l'émission au 3063

Ce lundi à 19h, sur Vivacité, Erik Libois recevra

• Johan Vermeersch, Président du FC Brussels
• Thomas Chatelle, médian d'Anderlecht

Le focus de Gaëtane Vankerkom sera consacré à l'avenir de l'école des jeunes du Brussels, compte tenu de la descente probable du club en Div 2.

Elisez galement votre "onze de la saison" via le formulaire de l'émission sur www.vivacite.be ou encore sur ce blog via les commentaires. Prix à gagner.

Vos questions, vos réactions :

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2. via le répondeur de la rédaction des sports radio : 070/220.520
3. via sms durant l'émission au 3063

Ce lundi à 19h, sur Vivacité, Erik Libois recevra Herman Van Holsbeek, Manager du Sporting d'Anderlecht.

Et en duplex exceptionnel depuis Marseille, Eric Gerets, le Belge qui a remplacé Raymond Goethals dans le coeur des marseillais.

Au sommaire également le focus d'Eby Brouzakis (consacré au boycott éventuel des JO de Pekin) et la chronique de Dominique Paquet, consacrée à la scandaleuse banderole déployée samedi au Stade de France par certains "supporters" du PSG.

Elisez galement votre "onze de la saison" via le formulaire de l'émission sur www.vivacite.be ou encore sur ce blog via les commentaires. Prix à gagner.

Vos questions, vos réactions :

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2. via le répondeur de la rédaction des sports radio : 070/220.520
3. via sms durant l'émission au 3063

Ce lundi à 19h sur Vivacité, Erik Libois recevra :

• Ivan Dewitte, Président de La Gantoise et de la Ligue Professionnelle
• Walter Baseggio, buteur de Mouscron

Au sommaire également :

La chronique de Dominique Paquet, qui préconisera "la greffe de cerveau dans le football belge".

Le Focus d'Eby Brouzakis consacré à Hernan Losada, le meilleur Argentin de Belgique.

Concours : le "Onze de la saison". Elisez votre équipe-type 2007-2008.

Vos questions, vos réactions :

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2. via le répondeur de la rédaction des sports radio : 070/220.520
3. via sms durant l'émission au 3063
4. via le formulaire sur www.vivacite.be

•  Silvio Proto (Anderlecht)
• Tim Smolders (Charleroi)

Vos questions, vos réactions :

Vous pourrez bientôt réagir en direct à l’émission au moyen de ce blog (via les commentaires). Mais en attendant que les procédures soient mises en place, merci de continuer à utiliser :

• avant 17h : sur le répondeur de la rédaction des sports radio : 070/220.520
• pendant l'émission : par sms au 3063
• via le formulaire de l'émission sur www.vivacite.be

Réalisateur: Mahamat Saleh Haroun
Avec Ali Bacha Barkai, Youssouf Djoro, Aziza Hisseine

Distribution: Pyramide Distribution

Date de sortie : 27 Décembre 2006

Synopsis: Tchad, 2006. Le gouvernement a accordé l'amnistie à tous les criminels de guerre. Atim, 16 ans, reçoit un revolver des mains de son grand-père pour aller retrouver l'homme qui a tué son père...
Atim quitte son village et part pour N'djaména, à la recherche d'un homme qu'il ne connaît même pas. Il le localise rapidement : ancien criminel de guerre, Nassara est aujourd'hui rangé, marié et patron d'une petite boulangerie...
Atim se rapproche de Nassara, lui fait croire qu'il cherche du travail et se fait embaucher par lui comme apprenti boulanger, avec la ferme intention de le tuer... Intrigué par l'attitude d'Atim à son égard, Nassara le prend sous son aile et lui apprend l'art et la manière de fabriquer du pain...
Une étrange relation se tisse bientôt entre les deux êtres. Malgré sa répugnance, Atim semble trouver chez Nassara la figure paternelle qui lui a toujours fait défaut...

La situation au Tchad
Ancienne colonie française, le Tchad devient indépendant en 1960. Une opposition ancienne entre le nord du pays, majoritairement musulman, et le sud, chrétien et animiste, est alors ravivée. Le chef de l'état, François Tombalbaye, mène en effet une politique autoritaire, qui met à l'écart les populations du Nord, et suscite la rébellion de ces derniers. En 1979, les hommes du Nord prennent le pouvoir par la force, et le pays continue de s'enfoncer dans la violence, à laquelle viennent s'ajouter la famine et la sècheresse.

A l'image de ce pays, le réalisateur nous offre un film âpre, dépourvu de musique où les couleurs de la nature contrastent fortement avec la froideur des sentiments exprimés. judicieusement mis en scène, Daratt se regarde comme un conte philosophique brillant, qui s'imprégnera en vous de manière durable.

Si vous hésitez encore, sachez que Daratt (Saison Sèche) a décroché le Prix spécial du jury à la Mostra de Venise en 2006.
Gage de qualité et d'anticonformisme, ce film est produit par le réalisateur et scénariste, Abderrahmane Sissako, dont le dernier film en date Bamako, est une critique sévère et intelligente du FMI est à découvrir de toute urgence. Certaines salles le programment encore. A toulouse, jettez un coup d'oeil du côté du Cratère.

Critique du film par Olivier Barlet (publiée dans Africulture)

Le réalisateur Mahamat Saleh Haroun viendra présenter son film, à Toulouse, au cinéma Utopia, le jeudi 28 décembre 2006.

En attendant sa venue, vous pouvez télécharger ici le 12ème numéro de Klr-Obscur entièrement conscaré au réalisateur. L'intw présentée ici fut réalisée pendant le festival Ciné 32 de la ville de Auch, en Octobre dernier.

Réalisation : Jean-Paul Salomé
avec Sophie Marceau, Julie Depardieu, Marie Gillain

Distribution : TFM Distribution

Date de sortie : 5 mars 2008

Synopsis : Engagée dans la Résistance française, Louise s'enfuit à Londres après l'assassinat de son mari. Elle est recrutée par le SOE, un service secret de renseignement et de sabotage piloté par Churchill. Dans l'urgence, on lui confie sa première mission, l'exfiltration d'un agent britannique tombé aux mains des allemands alors qu'il préparait le débarquement sur les plages normandes. L'homme n'a pas encore parlé mais le temps presse. Louise doit d'abord constituer un commando de cinq femmes spécialement choisies pour les besoins de l'opération.

Jean-Paul Salomé a choisi de sortir de l’ombre une page oubliée de notre histoire : l’engagement des femmes dans la Résistance. Malheureusement, son souci du détail historique quelque peu approximatif et son casting improbable, donne plus à ce beau projet l’apparence d’un énergique divertissement de série B, qu’un film de guerre rigoureux.

Héroïnes de pacotilles

Pourquoi revenir sur cette période ?
Jean-Paul Salomé : C’est en lisant un article du Times à Londres, sur l’histoire Lise Villameur qui venait de décéder à 98 ans. J’ai été intrigué par la présence de résistantes françaises dans un service secret crée par Churchill et j’ai rencontré Olivier Wieviorka, historien spécialiste de la seconde Guerre Mondiale, pour qu’il me guide dans mes recherches. Ces femmes n’ont pas tiré parti de cet engagement patriotique, contrairement à beaucoup d’hommes, pour leur vie professionnelle, sociale ou politique. A la libération, De Gaulle ne voulait pas mettre en avant les agents ayant travaillé pour les anglais. Pour ces femmes, la page était tournée : elles avaient fait leur devoir et la vie normale reprenait le dessus.

C’est pourtant une fiction…
Jean-Paul Salomé : Il n’existe pas de biographie officielle, c’est donc une invention, mais bâtie sous l’œil de l’historien à partir d’éléments qui ont vraiment existé. Louise, le personnage de Sophie Marceau s’inspire de Lise Villameur qui a bien rejoint son frère en Angleterre et Gaëlle Lemenech, le personnage de Deborah François, d’une jeune bertonne devenue spécialiste des explosifs à Londres. J’ai choisi le cadre cinématographique du polar pour éviter le chronique des années de guerre.

Pourquoi proposer une mise en scène si classique ?
Jean-Paul Salomé : On a revu les films qui continuent de nous marquer avec la même intensité malgré l’épreuve du temps : Lacombe Lucien et Au revoir les enfants de Louis Malle, L’Armée des Ombres de Melville, Mr Klein de Losey ou Le bon et les méchants de Lelouch. Et on a conclu que c’était leur forme classique qui faisait leur force et leur charme. J’ai donc choisi d’être le plus précis possible et le plus rigoureux pour les coiffures, les costumes ou les couleurs. Et bien évidemment j’ai mis un point d’honneur à tourner à Paris et dans des décors naturels.

Comment avez- vous établi le casting ?
Jean-Paul Salomé : Avec Laurent Vachaud, on a écrit le scénario en ne pensant qu’à des comédiennes disparues comme Simone Signoret ou Ginette Leclerc. C’est assez étrange j’en convient (rires). Puis on s’est attaqué au véritable casting du commando, un peu comme l’a fait le colonel Buckmaster, responsable du réseau à Londres dans le film. Le voulais des comédiennes qui n’avaient jamais tournées ensemble, aux filmographies et caractères différents pour les faire ressortir à l’écran. Mais je voulais aussi une pointe de réalisme. Les allemands et les anglais devaient ainsi parler leur langue entre eux. Je suis donc allé faire les castings dans les pays concernés. Moritz Bleibtreu, acteur de cinéma et de théâtre très connu en Allemagne, m’a dit qu’il savait qu’un jour ou l’autre on lui proposerai d’interpréter un nazi et que, quitte à l’accepter, il préférait que ce soit celui-là. Il est d’ailleurs ici remarquable. Aujourd’hui, le temps a passé et le cinéma peut montrer des personnages plus nuancés.

A quel public s’adresse votre film ?
Jean-Paul Salomé : Je voulais montrer à ceux qui n’ont pas connu la guerre les raisons de l’engagement dans la résistance. Par conviction religieuse par exemple. Même si le pape de l’époque ne condamnait pas les théories nazie et le fascisme, beaucoup de catholiques ont pris le maquis avec les communistes.

Une rencontre diffusée le 05 mars, à télécharger ici.

[En cliquant sur ce lien, une page Internet MegaUpload s’ouvrira. Entrez les lettres dans la case correspondante, puis faites OK. Ensuite il faut patienter quelques secondes (le temps du décompte. Puis cliquez sur download, et choisissez l’emplacement du fichier mp3 sur votre disque dur.]

Bonne écoute !

Réalisation : Cédric Klapisch
Avec Juliette Binoche, Romain Duris, Fabrice Luchini

Distribution : Mars Distribution

Date de sortie : 20 février 2008

Synopsis : Pierre est malade. Il risque de mourir. Inquiet, il porte un regard différent, distancié sur les parisiens qu'il croise et qui l'entourent. Sa solitude, le fait d'envisager la mort, le rapproche d'une sœur trop éloignée. Pierre redécouvre la vie du haut de son appartement, celle des autres et celle d'une ville entière. Des maraîchers, une boulangère, une assistante sociale, un danseur, un architecte, un SDF, un prof de fac, une mannequin, un clandestin camerounais... constituent Paris.

Plus mature, plus ambitieux que ces précédentes réalisations, Paris, ravira les amateur de l’univers feutré et théâtral de Cédric Klapisch. Les autres se contenteront d’assister à un divertissement sensible, voire "lelouchien", servi par un casting élégant, dans un Paris trop caricatural. Rencontre avec un réalisateur parisien et fier de l’être.

Haut le(s) Coeur(s)

Pourquoi cet hommage ?
Cédric Klapisch : Après avoir réalisé beaucoup de films dont l’action se situait à Paris, j’avais besoin de lui rendre hommage. C’est ma ville et je me sentais redevable vis-à-vis d’elle. Et puis Paris, c’est la vie, c’est aussi ça le message du film.

Quel quartier vous fait vibrer ?
Cédric Klapisch : Ce n’est pas un mais des quartiers. Parce que contrairement à d’autres capitales européennes, il n’y pas un mais des centres. On peut se dire que St germain, Le Marais, Montmartre, ce sont des centres. Ce qui me fait vibrer, c’est le côté vivant de Paris. Certaines banlieues proches peuvent devenir des centres comme Montreuil et ses pôles culturelles forts, donc il y a dans Paris quelque chose de très évolutif.

Comment filmer Paris ?
Cédric Klapisch : Au feeling parce quand on se lance dans un tel projet, il y a beaucoup d’écueils à éviter à commencer par la carte postale. J’ai donc filmé ma ville le plus simplement possible. J’ai seulement tenu à prolonger ce qui faisait le sel de mes films précédents, tout en m’interrogeant sur le temps qui passe. J’ai donc choisi de faire ce film en automne qui représente une certaine tristesse et paradoxalement quelque chose de très flamboyant avec ses couleurs et sa lumière.

Peut on comparer Paris à un village ?
Cédric Klapisch : On est obligé pour vivre dans cette ville gigantesque de se fabriquer un village, sinon c’est inhumain. J’ai l’impression que chaque parisien et c’est encore plus vrai pour les gens qui arrivent à Paris, doivent adopter ce tempérament de village. On a sa boulangerie, son bistrot. D’ailleurs quand on démange, on est souvent triste de quitter son quartier et ses commerçants.

Une ville aux milles visages ?
Cédric Klapisch : Chaque acteur incarne un visage de Paris. Je voulais parler de l’immigration, de la mode, des intellectuels, de la danse ou des maraîchers. Paris est une ville de contrastes mais avec finalement peu de mixité sociale. Je voulais donc montrer, avec ces gens de la mode qui vont à Rungis, qu’il y a des milieux qui essayent de se mélanger, qui s’encanaillent. Toutes ces différences constituent l’âme de Paris.

Romain Duris acteur central ?
Cédric Klapisch : Au départ j’avais peur qu’il n’accepte pas de jouer un personnage aussi introverti et au contraire ça l’a excité. Il a réussi à construire cet homme dense, plein de profondeur, à même d’émouvoir et de faire rire. C’est lui, avec sa maladie qui structure toute l’histoire.

Pourquoi ce kaléidoscope musical ?
Cédric Klapisch : J’ai toujours choisi des musiques préexistantes pour mes films. Là, Je voulais qu’elle soit à l’image la ville. Un mélange de différentes tendances pour accentuer le côté mosaïque du film. Paris ce n’est pas que de l’accordéon, il y a un peu d’Afrique, un peu de jazz.

Une rencontre diffusée le 20 févrirer, à télécharger ici.

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Bonne écoute !

Thriller français

Réalisation : Nicolas Boukhrief
avec André Dussollier, Marthe Keller, Julien Boisselier

Distribution : Wild Bunch Distribution

Date de sortie : 30 Janvier 2008

Synopsis : Un flic retraité, à la mémoire défaillante, intègre une maison de repos spécialisée et commence à suspecter des crimes dans l'établissement.

5 ans après Le Convoyeur, Nicolas Boukhrief, s’entoure de la même équipe pour réaliser Cortex, polar puzzle angoissant sur fond de maladie d’Alzheimer. Porté par André Dussollier tout en retenue, ce huit clos silencieux séduit par sa singularité et son humilité. Rencontre avec un réalisateur et une scénariste happés par l’ampleur de leur sujet.

Une affaire d’identité

Comment vous est venue l’idée de mélanger polar et Alzheimer ?
Frédérique Moreau : On pensait orienter le film vers le fantastique. On s’est donc mis à évoquer ce qui nous faisait le plus peur, à savoir perdre la mémoire. Le scénario s’est alors modifié. L’aspect polar, très marqué du début, s’est peu à peu dilué en découvrant cette maladie, les patients et les gens qui la traitent.
Nicolas Boukhrief : C’est drôle la mémoire, ce dont je me souviens, c’est que l’on voulait tous les deux faire un film sur des gens d’une génération au dessus de la notre. Très vite, on est parti sur un polar et Alzheimer est venu bien plus tard.
Frédérique Moreau : On voulait vraiment s’orienter vers un film de genre. D’ailleurs, dès les premières versions, on a cherché à représenter les hallucinations du malade. Puis Nicolas a préfère la sobriété en refusant de montrer quelque chose auquel on n’accède pas.
Nicolas Boukhrief : Comme pour Le convoyeur, c’est en enquêtant qu’on s’est retrouvé confronté à des réalités humaines qu’on ne soupçonnait pas. J’ai été tellement frappé par l’humanité de ces personnes, que tout l’aspect gothique a disparu. Le film s’est énormément adouci, il a mûri.

Le fantastique revient par bribes ?
Nicolas Boukhrief : Le film devait nous permettre de ressentir le monde à travers les yeux de quelqu’un atteint d’Alzheimer. C’est un film sur la sensation, sur l’émotion et pas du tout intellectuel. Mais on ne pouvait qu’aller vers le fantastique puisqu’on travaille sur une vision altérée du monde.

Le giallo est une source d’inspiration ?
Nicolas Boukhrief : Oui, avec cette idée de qui est le tueur. Effectivement, c’est un genre auquel on a pensé. D’ailleurs la première version du film était plus giallo, au sens graphique du terme, avec plus de meurtres. Puis quand on a découvert la réalités d’Alzheimer, il est devenu giallo uniquement dans le fait que le giallo représentante toujours des meurtres dans un milieu donné : la mode, la politique…

André Dussollier s’est-il imposé dès le scénario ?
Nicolas Boukhrief : Dès qu’on a commencé l’écriture, j’ai pensait à lui. Il avait une certaine beauté, de la prestance et de la classe. Il fallait à la fois un acteur que tout le monde connaisse et qui en même temps ne soit pas habitué à ce genre de premier rôle. Quelqu’un qu’on n’a pas vu trop souvent pour rentre son personnage crédible et attachant. Dussollier répondait parfaitement à ces exigences. Au début, on nous a dit de prendre Delon, mais ça ne m’intéressait pas de faire Le samouraï a Alzheimer (rires) !

C’est lui qui imprime sa lenteur au film ?
Nicolas Boukhrief : C’est le rythme qu’il a imposé au personnage. Vous savez, on ne filme toujours que le rythme de l’acteur. Et c’est la façon dont il a abordé la maladie aussi. Mais c’est une des données fondamentale de ces endroits la lenteur, la douceur du son.
Frédérique Moreau : Et puis on est dans le tête du personnage donc on perçoit tout comme lui.

Quelles est la symbolique du Rubik’s cube ?
Nicolas Boukhrief : C’est une invention de Titoff, le comique marseillais. Il y a 5 ans, je devais réaliser une comédie, une espèce de film à la John Waters et Titoff, qui n’était pas très connu à l’époque, était d’accord pour le faire. Le personnage principal était un serial killer complètement explosé qui avait un comportement manique avec un objet à définir. Et Titoff m’avait dit à l’époque, pourquoi pas un Rubik's cube, qui serait comme un animal pour lui et là il est partit dans un ce ces délires où il parlait et jouait avec le Rubik’s cube. Ce film ne s’est jamais fait, mais j’avais gardé cette idée dans un coin de ma tête et au moment de Cortex, je cherchais un objet qui fasse travailler la mémoire au personnage de Dussollier et j’ai pensé au Rubik’s cube. Ce n’est que plus tard qu’on s’est rendu compte que l’on donnait réellement cet objet aux personnes atteintes d’Alzheimer quand elles avaient des moments de stress. Ça les détend. D’ailleurs, c’est même le logo d’une association de malade d’Alzheimer.

Le travail des autres acteurs
Nicolas Boukhrief : Ils étaient tous très préparés et ont tous pris cela très au sérieux. Il y avait comme une sorte de contrat moral sur ce film. On savait tous qu’il fallait être très précis pour ne pas faire injure aux gens qui étaient concernés directement par la maladie. On est content puisque jusque là, les médecins qui ont vu le film trouvent que la représentation d’ Alzheimer est juste, qu’on ne caricature pas. Donc pour moi, le contrat est atteint. Le reste, les entrées, c’est une autre affaire. Je crois qu’au départ on a sous estimé cette matière et qu’au font c’est elle qui nous a embarquée.

Une rencontre diffusée le 30 janvier, à télécharger ici.

[En cliquant sur ce lien, une page Internet MegaUpload s’ouvrira. Entrez les lettres dans la case correspondante, puis faites OK. Ensuite il faut patienter quelques secondes (le temps du décompte. Puis cliquez sur download, et choisissez l’emplacement du fichier mp3 sur votre disque dur.]

La musique utilisée sur le montage de l’interview est extraite de la BO du film composée par Nicolas Baby.

Bonne écoute !

1- Itw rencontre avec Nicolas Boukhrief accompagné de l'actrice Claude Perron et de la scénariste Frédérique Moreau, pour son nouveau film Cortex. André Dussollier, remarquable, y campe un flic retraité, à la mémoire défaillante, qui intègre une maison de repos spécialisée. atteint de la maladie d'Alzheimer, il commence à suspecter des crimes dans l'établissement. Pour Nicolas Boukhrief, Cortex est né d'une envie de travailler avec la scénariste Frédérique Moreau. "Nous avons échangé quelques-uns de nos sujets et nous avons découvert que nous cherchions tous les deux une histoire qui puisse mettre en scène des caractères d'une génération au-dessus de la nôtre, se souvient-il. Je tenais à refaire un polar, en huis clos si possible. Frédérique a évoqué la maladie d'Alzheimer, j'ai parlé d'un flic à la retraite atteint par la maladie, Frédérique a suggéré une maison d'accueil spécialisée, j'ai commencé à me poser la question de l'identité du "méchant"... Et ainsi de suite jusqu'au script final. Nous avons vraiment écrit ce scénario à quatre mains." Une fois le pitch trouvé, Frédérique Moreau a présenté le script à Sylvie Pialat. "L'idée l'a emballée et elle s'est lancée dans le financement avec un enthousiasme qui n'a pas failli à ce jour, poursuit le cinéaste. L'écart entre le moment où je lui ai énoncé le sujet et le premier jour de tournage est d'ailleurs le plus rapide que j'ai connu sur mes quatre films. De l'instant où nous avons commencé à écrire jusqu'au dernier jour du mixage, le travail sur Cortex a été constant et la production a toujours su le soutenir et, souvent, l'anticiper." Film labyrinthique, noir, très lent et parfaitement documenté sur le milieu médical, Cortex vous happe pour sa simplicité et son origanilté.
La musique utilisée sur le montage de l'itw est extraite de la BO du film composée par Nicolas Baby.

2- 2ème édition du Festival Zoom Arrière du 1er au 20 février 2008. Pour sa deuxième édition, Zoom Arrière réaffirme son amour au patrimoine cinématographique et à sa transmission vers un large public. Organisé par La Cinémathèque de Toulouse, ce festival tentaculaire et institutionnel se déroule comme l'année dernière, autour de cinq sections avec comme invité d'honneur, Olivier Assayas. Plus dynamique qu’en 2007, Zoom Arrière offre une programmation toujours plus riche et plus dense en un lapse de temps plus court. 20 jours seulement pour parcourir les 60 films à l’affiche, participer aux nombreuses rencontres avec des invités prestigieux et favoriser l’avènement des brunchs du patrimoine, option plus chic que le vulgaire gobelet de pop corn noyé de Coca.
Une Cinémathèque de Toulouse en ébullition qui sortira de ses murs pour se rendre au Théâtre du Capitole, au TNT ou dans diverses salles de Midi-Pyrénées pour des événements exceptionnels.
Liste des invités, tarifs, horiares à retrouver sur le nouveau programme de La Cinémathèque de Toulouse ou sur http://zoomarriere.com
Ouverte le vendredi 1er février avec un ciné-concert autour du film Les quatre cavaliers de l'Apocalypse (1921) de Rex Ingram. Un classique du film de guerre à la fois outrancièrement patriotique et antimilitariste, avec ce plan final où des croix blanches recouvrent des collines verdoyantes. Un long métrage qui ouvrit en grand les portes d'Hollywood, à un jeune immigré italien, qui se fit d’abord connaître comme danseur mondain avant de devenir star : Rudolf Valentino.
A noter qu'une grande partie de la programmation revient sur le film de guerre en parallèle d'un colloque des plus enthousiasmants : « 1914-2008 : une guerre qui n'en finit pas », le 14 février. A suivre dans les prochaines émissions ...

3- La revue de cinématographique alternive et associative : Versus.
Contre point de vue sur le cinéma de genre et de toute oeuvre audiovisuelle estimée subversive ou incontournable, Versus est un titre de presse parallèle autofinancé, sans publicité et entièrement indépendant. Arès 5 années d'existence la revue vient de faire paraître son 12 numéro, couvrant la période Hiver-Printemps 2008. Riche en contenu et dotée d'une maquette claire, Versus est une découverte des plus réjouissante dans un univers très formaté.
Versus paraît trois fois par an.
Prix de vente: 3€
Revue à se procurer à Toulouse chez Ombres Blanche, ou Utopia.

Film français

Réalisation : Laurent Charbonnier
avec Cécile de France

Distribution : TFM Distribution

Date de sortie : 19 Décembre 2007

Synopsis : A chaque saison, la terre entière résonne des chants, des râles et des cris amoureux des animaux. La danse et les offrandes sont souvent les meilleurs instruments pour attirer l'être convoité, donnant lieu à des parades parfois cocasses ou attendrissantes, souvent spectaculaires. Leurs rites amoureux constituent un miroir où l'homme se reconnaîtra bien souvent...

Spécialiste reconnu du monde animalier, chef opérateur sur Le peuple migrateur, Laurent Charbonnier, nous émerveille avec Les animaux amoureux. Ode à la beauté du monde, appel au rêve, ce premier long métrage mis en musique par Philip Glass, se savoure avec les yeux d’un enfant. Rencontre avec un insatiable observateur et arpenteur de la nature.

L’art de la séduction

C’est un film qui vous tenez à cœur ?
Laurent Charbonnier : Je rêvais de réaliser un long métrage animalier, depuis ma découverte du film Le territoire des autres, en 1970. J’étais gamin à l’époque et vu que j’ai commencé à réaliser des documentaires en 1978, voilà presque 30 ans que j’attendais de l’exaucer. Je n’ai donc pas attendu Microcosmos ou Le peuple migrateur pour avoir envie de faire ce film. En revanche, s’il s’est monté financièrement assez facilement, c’est probablement grâce au succès des ces oeuvres. Je suis heureux d’avoir enfin pu réalisé un long métrage qui restitue la richesse des comportements de séductions. Mais même signé Laurent Charbonnier, c’est avant tout le fruit d’un travail d’équipe.

La réussite de ces 2 films vous a-t-elle offert plus de liberté ?
Dans Le territoire des morts, il n’y avait pas 3 secondes de commentaires. J’avais été totalement séduit par cette forme de réalisation. J’ai donc décidé de la reproduire pour que les gens puissent ressentir dans la salle ce que nous vivions du haut de nos miradors. Je voulais qu’ils se retrouvent face à ce spectacle incroyable, entourés de sons enivrants, sans qu’aucune voix off ne les guide. En décrivant les espèces, ce serait devenu un de ces films que l’on fait d’habitude pour la télévision. Or, je ne voulais pas faire un documentaire, mais un spectacle, une fable animalière poétique, un opéra animalier. Il y a donc peu de commentaire : 2 minutes au début et 2 à la fin avec un texte intelligent et concis d’Yves Paccalet. Il y a aussi relativement peu de musique au profit du rendu des bruits de la nature pour accentuer l’immersion du spectateur. J’ai pu réellement faire le film dont j’avais envie.

Les animaux sont-ils amoureux ?
Je ne peux pas vous dire s’ils le sont vraiment, en tout cas je ne vois pas pourquoi ils se donneraient autant de mal à danser et parader s’ils ne l’étaient pas. Après, peut-on être sûr que seuls les humains réfléchissent, j’en doute. Mais je reste persuadé que l’homme est un animal comme les autres qui a tendance à penser qu’il n’est pas un. Mais ce sont des questions scientifiques, auxquelles je ne tente pas de répondre. Ce film n’est que le témoignage de ce que j’ai vu et qui continue de m’enchanter.

Y a t-il une volonté de responsabiliser le spectateur à qui vous montrer cette diversité, en disant libre à vous de la sauvegarder ou pas ?
Si on avait utilisé la voix ou le texte pour transmettre un message défaitiste racontant que dans une trentaine d’années il n’y aurait plus d’animaux, le résultat n’aurait été ni marrant, ni original. On connaît tous ces risques. Etait-il raisonnable de faire un film pour le redire ? Je préfère réaliser un spectacle esthétique pour permettre de s’évader afin de mieux comprendre combien ce monde est fragile et mérite d’être sauvé. Il y a une méconnaissance de la nature et de la faune. Or, pour protéger cet environnement il faudrait déjà que les gens le connaissent.

Site Officiel

Pour mieux comprendre l'ampleur du travail demandé pour la réalisation de ce documentaire animalier exceptionnel, je vous propose de rencontrer Martine Todisco, ingénieur son sur le film et collaboratrice régulière de Laurent Charbonnier.
Une interview, diffusée le 19 décembre 2007, à télécharger ici.

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Bonne écoute !

Réalisation : Serge Bozon
avec Sylvie Testud, Pascal Greggory, Guillaume Depardieu

Distribution : Shellac

Date de sortie : 21 Novembre 2007

Synopsis : Automne 1917. Au loin, la guerre bat son plein. A l'arrière, Camille, une jeune femme, vit au rythme des nouvelles de son mari parti au front. Un jour, elle reçoit une courte lettre de rupture. Bouleversée, elle décide de se travestir en homme pour le rejoindre. Elle rencontre une troupe de soldats et s'apprette à les suivre.

D’une beauté formelle ahurissante, La France prend un malin plaisir à balader le spectateur entre films d’amour et de guerre. Radical et musical, ce vagabondage en bleu et blues, auréolé du Prix Jean Vigo 2007, envoûte. Rencontre avec Serge Bozon, cinéaste singulier.

La patrouille perdue

Est-ce que c’est un film de guerre ?
Serges Bozon : C’est un film sur la guerre, et plus on avance, plus sa présence devient prégnante. Mais en même ce n’est pas un film de guerre au sens où on n’est pas sur le front. On ne film pas des gens qui se battent. La présence de la guerre est toujours à la limite du hors champs. La violence n’est pas ici un élément du décor. Elle n’arrive que très tard et s’exprime contre des civils. Donc au fond, il s’agit d’un film de guerre itinérant croisé avec une intrigue romanesque.

Est ce que c’est le film d’une troupe en construction ?
Pendant 45 minutes on n’a l’impression que ce sont des gens qui marchent. C’est l’envoûtement du voyage. Puis d’un coup la présence de la guerre remonte et le film devient plus tendu. Les enjeux physiques augmentent et le groupe s’unit de plus en plus alors qu’on croit de moins en moins à leurs possibilités de s’en sortir.

Pourquoi ce parti pris narratif ?
J’ai une horreur viscérale de l’académisme dont les films de guerre pâtissent beaucoup. J’avais donc pensé ce film comme une machine de guerre contre cet académisme. Je l’ai construit comme une comédie musicale, avec la même prise de risque : celle de choquer une partie du public. J’ai voulu tenter des choses très expressives, très criardes.

La musique de Benjamin Esdraffo est inattendue dans un film de guerre
Les mélodies sont une synthèse de la popsike anglaise et de la sunshine pop californienne. C’était le meilleur hommage que je pouvais rendre aux films de guerre anglo-saxons de Walsh ou Fuller construits autour d’une petite unité en mouvement. Les titres sont joués ici en son direct dans la nature, sur des instruments de fortune. Or, loin d’être anodines, ce sont ces chansons qui font exister l’unité du groupe.

Il faut accepter de se laissez perdre, pour rentrer dans le film ?
Je crois, d’ailleurs les chansons servent aussi à ça. C’est une manière de donner le La, c’est comme un sésame. Elles remplacent bien des paroles. Si vous acceptez la chanson, vous pouvez accepter beaucoup de choses après. Même sans effets de merveilleux, il y a une dimension de conte voulue ici.

Pourquoi l’appeler La France ?
Pour 4 raisons. 1ère raison, j’aime les titres simples, c’est plus accrocheur. Deuxièmement, s’il y a bien un genre de film dans lequel le pays où l’on vit est un personnage, c’est le film de guerre, parce qu’on est censé défendre son pays. Troisièmement, dans un film, le plus important c’est ce qu’on voit à l’image. Or là, on est 99% en extérieur. Ce qu’on voit, c’est le paysage français donc la France. Et quatrième raison, c’est 14-18, une guerre que la France a gagné, mais je ne filme pas les vainqueurs, mais ceux qui se sont perdus dans les ombres de la victoire.

Pour aller plus loin, je vous propose d'écouter cette rencontre avec Serge Bozon, ainsi q'une intervew de Benjamin Esdraffo responsable de la musique du film. A télécharger ici.

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Le thème musical du sujet est signée The Olivia Tremor Control.  Quant aux pose musicale, elle sont extaites de la BO du film.

 Bonne écoute !

Le Pot-au-feu de Mary Meerson
Par Léone Jaffin, éditions la Différence, 256 p., 20 euros.

Le Pot-au-feu de Mary Meerson dresse le portait subjectif d’un personnage de légende, gardien du temple de la cinéphilie mondiale : Mary Meerson. Compagne d’Henri Langlois depuis 1940, elle est « celle qui a construit avec lui la célèbre cinémathèque française ». Charismatique, redoutable négociatrice, découvreuse de talents, Mary croquée ici dans les dernières années de sa vie, se voit clouée au lit, énorme, les mains et l’oreille rivées à son fameux téléphone rouge. De sa voix grave et chantante, elle appelle les quatre coins du monde dans la langue de ses interlocuteurs, aux heures les plus incongrues.
C’est ainsi, que victime d’un des ses coup de fil matinaux, Léone Jaffin, arrache à Mary Meerson, en guise de plates excuses, la recette de son fameux Pot-au feu. « Il me faut plus de trois heures disait-elle pour l’expliquer ! ». Une conversation marathon de plus de quatre heures où, de digressions en digressions, l’intérêt culinaire se voit bien vite supplanté par celui pour le cinéma.
Et c’est là que réside tout le talent de Léone Jaffin : elle arrive à faire parler Mary Meerson d’elle-même. Un événement, car en véritable battante, Mary ne cessa d’œuvrer pour le 7ème art, au point de s’effacer devant sa passion. Impossible donc dans ces conditions de s’imaginer rédiger ses mémoires. Elle n’en a pas le temps, trop de travail. Et surtout elle demeure trop discrète pour parler d’elle.
L’intérêt de ce livre est donc double : en cherchant à retrouver Mary Meerson, Léone Jaffin donne l’occasion à d’autres de découvrir ou redécouvrir cette iconoclaste exilée russe menant de main de maître la cinémathèque. S’il existait à la Cinémathèque française, comme l’a écrit Jean Cocteau, « un dragon qui veille sur nos trésors », ce serait sûrement elle.

Mais elle permet surtout à toute une génération de revivre cette épopée de la cinémathèque française. Car si aujourd’hui, il convient de parler d’institution, et ce sentiment s’amplifie avec le déménagement dans les nouveaux locaux de Bercy, il est bon de se rappeler que ces débuts s’effectuèrent sous le signe de la passion et du bénévolat. Une institution généreuse qui forma tous les cinéastes des années 1950 et 1960.

Le couple Meerson-Langlois connut vingt ans de prestiges, avant d’être proprement viré par l’administration, en 1968. Un épisode connu sous le nom de l'affaire Langlois. Les derniers à goûter au fameux Pot-au-feu de Mary Meerson ont donc été les grévistes venu défendre leur Cinémathèque.

Retour sur l’itinéraire artistique d’une femme exceptionnelle qui allait écrire une des pages de l’histoire du cinéma. Cette rencontre avec Léone Jaffin reste l'une des plus folles et des plus enthousiasmantes réalisées à ce jour.

Une émission à télécharger ici.

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Bonne écoute !

D’une durée hors norme : 15 heures découpées en 14 épisodes (13 épisodes et un prologue pour être précis), Berlin Alexanderplatz n’est pas simplement le film le plus ambitieux du cinéaste allemand Rainer Werner Fassbinder. Il constitue l’obsession d’une vie celle du réalisateur face à l’œuvre de ce medecin devenu écrivain: Alfred Döblin, auteur du roman du même nom publié en 1929, qui inspira cette série. Un livre épais, disponible en poche chez Folio Gallimard et dont l’impact littéraire en Allemagne serait comparable à celui de Voyage au bout de la nuit de Louis Ferdinand Céline, en France. Un roman clef dans l’histoire du cinéma français contemporain puisque c’est en coécrivant en compagnie du cinéaste René Féret une adaptation de ce livre d’Alfred Döblin que Robert Guédiguian fit ces premiers pas dans cet univers. Malheureusement, ce projet ne pu voir le jour, les droits du livre ayant déjà été acquis par un jeune cinéaste allemand, très prometteur.

Tourné pour la télévision entre 1979 et 1980, Berlin Alexanderplatz décrit la vie des bas-fonds de Berlin aux jours sombres de la République de Weimar en suivant le destin tragique de Franz Biberkopf. Un homme qui dès sa sortie de prison (pour le meurtre de sa femme) décide de commencer une nouvelle vie, une vie honnête. Mais la société n’entend pas laisser un homme seul choisir ainsi sa destiné !

Considéré comme sa plus grande réalisation, Berlin Alexanderplatz est une oeuvre moderne, un immense film, fidèle à un immense roman. Tout le monde en convient. Pourtant cette œuvre devient rare. Peu diffusée, oubliée à la mort du réalisateur en 1982, jamais édité en VHS, le film s’abîme, se dégrade.

Peut on laisser mourir et disparaître un tel héritage cinématographique ?
C’est la question que se posa Juliane Lorenz, monteuse de Berlin Alexanderplatz et présidente de la Fondation R.W. Fassbinder. La réponse était évidente : impossible de laisser perdre un élément extraordinaire de l’histoire cinématographique allemande. Aussitôt, elle dirigea le projet de restauration de cette œuvre. Une restauration numérique longue, complexe qui permit de créer pour la première fois une copie fidèle aux choix esthétiques du réalisateur, et de tirer des copies neuves 35 mn ainsi que des masters HD pour la télévision et les DVD. En Allemagne, le film fut diffusé pour la première fois sur la chaîne publique ARD le 12 octobre 1980, à raison d'un épisode par semaine. Une époque où la plupart des téléviseurs étaient encore en N&B, ce qui minimisa la violence picturale du travail de Fassbinder. De plus, tourné en 16mn et en couleurs, le film devait perdre sa lumière si particulière lors de son transfert au format de diffusion télé. Considéré alors comme trop sombre la série fut programmée plus tardivement en soirée, perdant ainsi un public considérable. Peut de personnes ont donc pu assister à l'épilogue de cette série cloturant cette adaptation sur une orgie de séquences délirantes (crucifixion, humains menés à l'abattoir ou combats de rue).
Donc, plus qu’une restauration il s’agit ici d’une véritable redécouverte de cette adaptation radicale de l’oeuvre de Döblin, supervisée par Schwarzenberger, directeur de la photo du film.

Un pari fou qui trouva écoute et appuie en France chez l’éditeur Carlotta films, à qui l’on doit déjà la sortie en DVD et en salles d’une grande partie de la filmographie de R.W. Fassbinder, figure emblématique du nouveau cinéma allemand. Son directeur : Vincent Paul Boncour, décida alors de sortir parallèlement courant octobre Berlin Alexanderplatz dans un prestigieux coffret de 6 DVD facilement disponible contre une cinquantaine d’euros, tout en proposant à des salles de cinéma du secteur non commercial de projeter sur grand écran l’ensemble de cette série phare. Une initiative audacieuse, cohérente avec sa politique d’édition des œuvres du cinéaste, dont le cinéma ne peut qu’en sortir grandi.

R.W. Fassbinder tourne avec une rapidité déconcertante. En l’espace de treize années, il est l’auteur d’une quarantaine de films pour la télévision et le cinéma. Il réveille pour ainsi dire le cinéma allemand des années soixante-dix. Or, si à première vue sa filmographie est d’une grande diversité, elle n’en révèle pas moins une certaine cohérence. Ainsi déclarait-il dans le journal Le Monde du 17 avril 1981 : « j’espère vivre assez longtemps pour réaliser une douzaine de films qui recomposeraient l’Allemagne dans sa globalité, telle que je la vois. Chacun représenterait une étape, même si l’ordre chronologique n’est pas respecté…je cherche en moi où je suis dans l’histoire de mon pays, pourquoi je suis allemand ».
Après Despair (1977), Berlin Alexanderplatz s’attache à nous montrer le visage de la société allemande avant l’arrivée au pouvoir du IIIe Reich.

Mais Berlin Alexanderplatz n’est pas pour autant une carte postale historique de l’Allemagne. C’est une œuvre noire, dense, intense, oppressante, d’une extrême richesse visuelle. Proche du cinéma expressionniste par le jeu très théâtralisé des acteurs (des acteurs et collaborateurs fidèles que le cinéaste a réunis sur ce projet), le rendu des couleurs (très aggressives), de la lumière, Berlin Alexanderplatz apparaît comme une lecture personnelle et radicale du livre de Döblin. Plus qu’un film, c’est une expérience visuelle et sensitive unique, propre à déconcerter encore aujourd'hui.

Un week-end avec Franz Biberkofpt à la Cinémathèue de Toulouse?
Si l'aventure vous tente, La Cinémathèque de Toulouse vous propose, ce week-end, à savoir du 26 au 28 Octobre, dans le cadre du rendez vous Le bonus, le film et le DVD, l’intégrale Berlin Alexanderplatz. C’est un événement, un marathon et une expérience cinéphilique assurément sans égal. A noter qu’il vous sera possible de voir chaque épisode dans l’ordre que vous souhaiter (un résumé étant prévu au début de chaque séance) et rien ne vous oblige à visionner l’ensemble de l’œuvre.

Rencontre avec Vincent Paul Boncour, directeur de Carlotta Films et de Natacha Laurent, déléguée générale de la Cinémathèque de Toulouse

Vous pouvez écouter l’émission Klr-Obscur # 03, spéciale Berlin Alexanderplatz en la téléchargeant ici.

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Bonne écoute !

Saluons ici une nouvelle fois l’audace de Carlotta qui sortira début Novembre 2007, un magnifique coffret DVD sur le cinéaste Douglas Sirk, dont l’œuvre mélodramatique a fortement inspiré celle de F.W. Fassbinder.

SUPPLÉMENTS DVD
Regards sur le tournage (1980 – Couleurs – 44 mn)
un film de Hans-Dieter Hartl
Un document d’époque exclusif sur le tournage de Berlin Alexanderplatz.
Berlin Alexanderplatz : un film somme et son histoire (2007 – Couleurs – 65 mn)
un film de Juliane Lorenz
Près de trente ans après sa réalisation, une commémoration autour de Berlin Alexanderplatz
agrémentée de nombreux entretiens avec notamment Günter Lamprecht, Hanna Schygulla…
Regards sur la restauration (2006 – Couleurs – 32 mn)
un film de Juliane Lorenz
Où comment Berlin Alexanderplatz a été restauré en Haute Définition.
Un regard inédit sur le film somme de R.W. Fassbinder, complété par de nombreux entretiens.
Exemples de restauration (7 mn)
Un comparatif avant/après restauration.
Galerie de photos
Résumés des épisodes II à XIII (non restaurés) (4 mn)
Les résumés des épisodes précédents, présentés lors des diffusions à la télévision.
Bande-annonce de Berlin Alexanderplatz Remasterisé

Combat d’amour en songe

Le cinéma de Raoul Ruiz
Ma vocation à devenir cinéaste, je la dois à un ami cinéphile, qui m’a détourné du théâtre. J’étais à l’université. J’étudiais la philosophie analytique, plus particulièrement la logique. Une des premières questions que je me suis alors posé, était : c’est quoi au juste le cinéma ? Puis : peut-on faire un mauvais film ? Peut-on faire un bon film ? Enfin : peut-on savoir quand un film se termine s’il n’y a pas le mot fin ? Je me suis alors lancé. J’ai réalisé plusieurs longs métrages, au point de dépasser la centaine. Pourtant, je ne sais toujours pas ce qu’est le cinéma, ni si il y a de bons ou de mauvais films.

L’exil
Je regrette ce qui s’est passé. J’y ai perdu beaucoup d’amis. Mais je dois admettre que si j’étais resté au Chili, je n’aurai fait que de petites choses, car je suis quelqu’un d’assez poltron et fainéant. Mais là, d’un coup j’ai été forcé de partir et de travailler pour de bon. Le travail a amené le travail, puis j’ai eu de la chance. Celle d’arriver en France à un moment où on s’intéressait beaucoup à un type de cinéma différent à la fois de la Nouvelle Vague et du cinéma académique. Une période où on faisait encore la distinction entre cinéma commercial et cinéma d’art et essai. C’est l’esprit de la Nouvelle Vague et la liberté qui s’en dégageait surtout qui m’ont attiré en France. Même si elle est vite devenue un peu trop rigide, idéologique, et dogmatique, elle reste un de mes modèles.

Emerveiller sans raconter d’histoire
Je cherche à élargir les possibilités expressives du cinéma. Car on est victime d’un système narratif stérilisant, imposé par l’industrie qui enlève toute envie de faire de l’art. On ne produit actuellement que de la narration formatée, pré mâchée. Ça revient à faire de l’hamburger. Je ne prétends pas être un Copernic du cinéma, désireux d’en changer la perspective, mais simplement quelqu’un qui peut encore dire non.

Un cinéma populaire
C’est un cinéma d’une base populaire, pas populaire ou alors, il l’est comme l’est Ulysse de James Joyce, c’est à dire un livre qui s’appuie sur la langue populaire de Dublin. Donc de ce point de vue, on peut être populaire et d’avant-garde.

Un cinéaste cultivé
J’ai l’avantage d’avoir une culture populaire solide. C'est à dire nourrie de contes. Ma culture d’origine, n’importe quel folkloriste ou anthropologue dirait qu’il n’y a presque rien et que tout est emprunté à droite et à gauche. C’est vrai, mais c’est grâce à tout cela que je peux faire des films. Donc, la culture ne nuit pas à la créativité. L’érudition non plus, à condition de ne pas le prendre trop au sérieux.

Après les 19e Rencontres Cinéma d'Amérique Latine, la retrospectice de l'oeuvre européenne du cinéaste, se poursuit à La Cinémathèque de Toulouse. Jusqu'au Samedi 31 mars, vous pourrez découvrir les films de Raoul Ruiz suivant :
L’hypothèse du tableau volé (1978)
Le territoire (1981)
Trois vies et une seule mort (1996)
Klimt (2006).

Gagner, des places pour découvrir ces films, ainsi que quelques affiches, en écoutant l'émission Klr-Obscur, mardi 27 mars de 8h30 à 9h00 et mercredi 28 mars de 17h30 à 19h00, sur les ondes de Radio Campus Toulouse.

Une rencontre à télécharger ici.

A télécharger/écouter aussi, Raoul Ruiz parle de son exil sur fond de Calexico.

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Bonne écoute !

La Cinémathèque de Toulouse consacre sa programmation du mois de mars à Raoul Ruiz. Une rétrospective organisée en collaboration avec Les Rencontres des Cinémas d’Amérique Latine qui présenteront l’œuvre latino-américaine du cinéaste, donc plutôt rare, dans le cadre de leur 19ème édition, du 16 au 25 mars. Entre temps, la Cinémathèque proposera la découverte ou la redécouverte de quelques unes de ces fabuleuses productions européennes.

Jeudi 8 mars 2007, Raoul Ruiz sera présent à la cinémathèque de Toulouse, pour un métier du cinéma exceptionnel (entrée libre). Puis à 21h00, il viendra présenter au public Combat d’amour en Songe, qu’il réalisa en 2000.

Ce cinéaste hors norme, né au Chili en 1941, est aussi inventif que prolifique. Insatiable, boulimique, Serge Toubiana, dans les Cahiers du Cinéma, en 1983, voyait déjà en Raoul Ruiz, « un cinéaste dont la filmographie est presque impossible à établir tellement elle est diverse, éclatée, multiforme». Chaque film, chaque histoire qu’il nous raconte n’est pas une, mais plusieurs. Une œuvre labyrinthique, vaste, un peu à l’image de sa vie. L’homme fut tour à tour présentateur du journal télévisé chilien, scénariste sur plusieurs feuilletons mexicains, français ou même allemand, auteur dramatique, conseiller cinématographique d’Allende (ce qui le poussa à s’exiler en France après le coup d’Etat de Pinochet, le 11 Septembre 1973), directeur artistique de la Maison de la Culture du havre, poète, écrivain, metteur en scène de théâtre…et aussi cinéaste.
Avec son premier long métrage, Très tristes tigres, réalisé en 1969, il remporte le léopard d’or à Locarno. Mais la notoriété ne sera au rendez vous qu’en 1996, lorsque Trois vie et une seule mort avec Marcello Mastroianni, se voit présenté en compétition à Cannes. Audacieux, féru de littérature et soucieux de triturer la forme autant voire plus que le fond, Raoul Ruiz adapte magistralement Le temps retrouvé de Marcel Proust, en 1999. En 2006, le cinéaste se lançait une nouveau défi : porter à l’écran la vie du célèbre peintre autrichien Klimt.
Conteur enthousiaste et cultivé, Raoul Ruiz, nous offre, à chaque fois qu'il réalise un film, une porte sur son univers, si personnel.
Empreint de surréalisme, de poésie ces œuvres sont denses, pas toujours accessibles au premier visionnage, sans pour autant être compliquées. Il faut se laisser porter, accepter le voyage vers l’inconnu, comme une aventure. Il faut retrouver son âme d’enfant, pour mieux savoir se perdre.

Gagnez des invitations pour cette soirée exceptionnelle en écoutant Klr-Obscur mardi 6 mars de 8h30 à 9h00, et mercredi 7 mars de 17h30 à 18h00, sur les ondes de Radio Campus Toulouse. Pendant tous le mois, vous pourrez aussi remporter des places gratuites pour découvrir une des nombreuses oeuvres de ce cinéaste chilien.

Pour apaiser votre soif de connaissances à propose du cinéaste et ses productions, visitez ce site: Le cinéma de Raoul Ruiz, qui comme son nom l'indique lui est entièrement conscaré.

Enfin, dans Klr-Obsur # 20, diffusée le mardi 13 mars prochain, vous pourrez écouter une intw de Raoul Ruiz, réalisée lors de sa venue à Toulouse.

Pour écouter cette rencontre avec Raoul Ruiz, vous pouvez télécharger l'émission Klr-Obsur # 20, ici. Bonne écoute !

Réalisation : Veronica Chen
Avec : Rafael Ferro, Nicolas Mateo, Gloria Carra

Distribution : Tadrart Films

Date de sortie : 07 février 2007

Synopsis : Injustement accusé de dopage lors d'un marathon en Argentine, Goyo, ancien champion de natation en eau libre, a tout abandonné pour se réfugier dans le désert. Huis ans plus tard, le Marathon va de nouveau avoir lieu. Il revient pour tenter de reconquérir son honneur. De vieilles émotions refont surface, l'oppressent. Goyo rencontre Chino, un nageur en piscine consciencieux et obstiné qui rêve d'une sélection en équipe nationale. Ils décident de faire équipe.

Second long métrage de Veronica Chen, Agua, est une tragédie aquatique hypnotique et sensuelle, admirablement mise en scène. Rarement une réflexion sur les ambitions déçues et la solitude, n’avaient eu si bel écrin. Assurément une réalisatrice à suivre.
Rencontre avec Veronica Chen, le vendredi 9 février, lors de sa venue au cinéma ABC.

Pour écouter l'émission Klr-Obscur # 19, téléchargez là ici.

Les dents de l’amer

Pourquoi un film sur l’eau ?
Pour deux raisons : la première, c’est que l’eau, est un élément qui isole. J’ai cherché à montrer des personnages isolés. A cause de l’eau, ils ne perçoivent pas le mode extérieur. Elle altère leurs relations aux autres. La seconde raison, c’est que l’eau est un élément dans lequel le corps est fluide.

C’est pour cela que la caméra glisse autour des nageurs lorsqu’ils sont dans l’eau alors qu’elle reste plus statique sur la terre ?
Lorsque le personnage est hors de l’eau, il n’est plus dans son élément. Il lui est très difficile de se déplacer. La caméra bouge donc peu, elle devient presque fixe. Je devais capter la rigidité des personnages. Lorsqu’ils sont sous l’eau, ils baignent dans leur fort intérieur et nous avec.

L’eau est un miroir ?
L’eau est plutôt quelque chose de transparent, qui provoque des distorsions aussitôt qu’elle bouge ou que quelqu’un la touche.

La natation dans votre film endosse le même rôle que celui de la boxe dans les films noirs américains : un moyen de progresser socialement.
Réussir socialement avec la natation reste du domaine du rêve en Argentine. C’est beaucoup plus rentable de miser sur le football ou le tennis, qui restent de meilleurs ascenseurs sociaux. Mais, tous ces garçons qui habitent en bord de fleuves, et qui y nagent sont déterminés à réaliser leur rêve d’ascension sociale. Un rêve modeste, humble. Pas celui de devenir célèbre, mais simplement celui de pouvoir aller un jour à Buenos Aires, par exemple.

Chico, le jeune garçon, vient de Santa Fé. Y a t-il à Santa Fé, plus de pauvreté que dans d’autres ville ?
Non, c’est une province riche avec quelques quartiers pauvres. Mais ce n’est pas une ville spécialement pauvre, non.

Qu’est ce qui vous fascinez à peindre ces personnages marginaux et un peu hors norme?
Ce qui m’intéressait ici, c’était de montrer que dans une famille humble, les rêves sont quelque chose d’important, de fondamental. La dernière chose qui reste à une personne qui à tout perdu, c’est l’espoir. C’est pour cela que mes personnages sont si forts.

On peut voir le personnage de Goyo, comme une figure du western américain.
C’est une sorte de héros qui rentre chez lui pour obtenir une revanche. Il refuse de s’avouer vaincu. J’aime ces gens qui tombent mais se relèvent avec entêtement. En fait, cet homme isolé, qui décide de rentrer chez lui, va trouver en Chino son double, plus jeune.

Un film qui nous emmène vers l’inconnu.
Je voulais vraiment m’éloigner de ce qui pourrait être un film de sport classique. Je souhaitais parler de l’ambition et du désir intérieur. J’ai donc ajouté un peu de mystère pour que cette histoire ne se regarde pas comme un film sur la natation.

Le chronomètre tue la passion de ces deux garçons.
C’est terrible, mais ça illustre parfaitement la contradiction qui existe entre rêve et réalité, entre monde intérieur et monde extérieur, entre temps et volonté.

C’est à la fois un film sur le silence et un film très musical.
J’ai voulu travailler les sons comme si c’était une partition, même si au fond la musique n’est jamais venue. Je ne regrette d’ailleurs pas cette absence, car j’ai réussi à évoquer tout ce qui se passe dans la tête de quelqu’un, immergé pendant des heures, à répéter inlassablement le même exercice.

Est-ce que le cinéma expérimental vous a inspiré ?
Non, il n’y a pas une influence directe du cinéma expérimental. L’inspiration vient plutôt de tous les films que j’ai pu voir et dont certaines images s’impriment en vous, sans que vous ne sachiez vraiment pourquoi.

Si Alain Berberian n’hésite pas a enterré, un peu vite, et à grand coup de tatanes, un roman initiatique magnifique, qui n’a pourtant rien perdu de sa propension à faire rêver petits et grands [L'île au Trésor de Stevenson], d’autres comme Jean-François Laguionie, on su lui rendre un hommage vibrant.

Troisième long métrage de Jean-François Laguionie, L’île de Black Mòr est un film d’animation français, biberonné aux récits de Conrad ou Stevenson, qui nous conte l’histoire d’un gamin des Cornouailles, en 1803.

Le Kid, jeune orphelin de 15 ans, part à la recherche d’un trésor. Son seul indice : la carte d’une île tombée du livre de Black Mòr, célèbre pirate auquel il aimerait tant ressembler. Entamé seul, il rencontre au fil de ses aventures six compagnons aussi différents qu’indispensables.

Jean-François Laguionie est un auteur réalisateur aussi talentueux que discret que le succès du Château des Singes (1999) a contribué à faire sortir un peu de l’ombre. Collaborateur de Paul Grimault, il aime tinter ses films de rêve et de poésie. Un aspect qui s’imprime sur la ligne graphique des personnages, représentés de manière très naïve. Un point qui peu déstabiliser, mais qu’on oublie très vite au vue du soin et de la finesse apportés aux paysages. Inspiré par le peintre Breton Henri Rivière (1864-1951) le rendu est somptueux. Quant aux protagonistes de l’aventure, leur personnalité complexe les rend attachant, à commencer par ce superbe personnage féminin au caractère si bien trempé qui se révèle être le clef de voûte de ce récit initiatique.

En ce qui concerne le DVD en lui-même, ne vous privez en aucun de voir le documentaire. Son seul bémol est qu’il véhicule une certaine frustration puisqu’une fois achevé, on a qu’une envie : découvrir l’ensemble des films du réalisateur à commencer par Gwen ou Le Livre de Sable (1985).

1DVD TF1 Video
Durée : 1h25

Son : Stéréo

Bonus : Documentaire “Les secrets du film”: un portrait de Jean François Laguionie. Très intéressante interview du cinéaste qui permet de mieux appréhender l’ensemble de son œuvre.
Un quiz pour tout savoir sur les pirates qui, une fois toutes les bonnes réponses trouvées, donne accès a la galerie de photos.

Date de sortie : 9 Septembre 2004

Prix : 22 €

Enfin, si vous voulez mieux connaître l'oeuvre de Jean-François Laguionie, cinéaste trop rare, vous pouvez télécharger ici l'émission Klr-Obscur # 18, pour écouter cette rencontre, réalisée lors de sa venue à toulouse, en 2006.

Film français

Réalisateur: Pascal Thomas
Avec: Laetitia Casta, Mathieu Amalric, Pierre Ardity...

Distributeur: Mars Distribution

Sortie: 27 décembre 2006

Synopsis: Francesca et Martin vivent entre réalité et fiction dans un immense appartement à petit loyer, dû aux bontés de la loi de 1948. Tous leurs proches y trouvent refuge dans un joyeux vaudeville. Mais ce dernier paradis sur terre est menacé par la rapacité de la propriétaire, qui veut vendre. Francesca saura t-elle sauver son petit monde menacé ?

Sur le ton du vaudeville, Pascal Thomas, épingle confusément l’individualisme, l’uniformisation, le dictat de la mode et la défiguration de la ville par l’argent. Fable politique brillement rythmée et satirique à souhait, Le Grand Appartement, se déguste comme une friandise.
Rencontre avec Pascal Thomas, lors de sa venue à Toulouse ne décembre dernier.

Madame porte la culotte

Un film autobiographique
J’ai réalisé une chronique. Celle de la vie d’un grand appartement, identique à celui dans lequel j’ai vécut. Un lieu où on ne savait jamais qui était là, où vivaient des grand-mères, des amis comme Jacques Rozier, cinéaste venu pour une semaine avant d’y rester six ans. C’était une vie joyeuse. Mais aujourd’hui par pur esprit spéculatif, on a détruit tout ce charme. Même si la loi de 1948 a permis, de préserver certains quartiers, tout ça est en train de disparaître.

Un paradis menacé
Cet appartement est un petit navire, que tous essayent de faire couler. Y compris de l’intérieur, où les bêtises qui y sont faîtes le mettent un peu plus en péril. Mais à son bord, il y a un capitaine improvisé, incarné magistralement par Laetitia Casta, qui a en elle assez de ressources pour permettre la survie de cette petite communauté.

Francesca est le personnage qui a les pieds sur terre. Les autres sont des rêveurs.
La famille s’appelle Cigalone, pas Fourmique. Martin est un cinéphile qui face aux difficultés, propose de regarder un film de Minnelli, Brigadoon, c'est-à-dire la rêverie absolue ou un Tourneur, Stars in my crown, où les gens du Ku Klux Klan finissent par devenir gentils. Donc lui est dans un rêve, elle beaucoup moins.

Un film choral
Comme spectateur j’aime bien les films riches en personnages, en dialogues, en situations, en décors, donc quand je fais des films, je ne lésine pas sur le nombre. Quand les gens se regroupent, dansent, chantent ensemble, c’est le moment du lien absolu. Ce film traite en fait du lien: abandonnons nos biens, occupons nous des liens !

C’est un film très virevoltant, extrêmement vif, proche des comédies italiennes.
Je suis très attaché au cinéma italien, puisque quand j’étais cinéaste, j’ai participé à la découverte de toutes ces comédies italiennes signées, Scola, Risi ou Monicelli, restées dans l’ombre derrière les films de Pasolini ou Visconti. J’ai donc un très grand goût du spectacle à l’italienne. Cette vitalité, cette fantaisie, cette insouciance, cette légèreté et cette ouverture aux autres, qui s’accordent si bien au caractère de cette famille vient de là.

Pourquoi ces scènes de face à face avec le spectateur?
Je voulais des voix intérieures, et au moment de tourner ces scènes, je ne savais pas comment diriger mes acteurs. La première devait intervenir pendant la dispute dans la salle de doublage. Donc Mathieu Amalric se tourne vers la caméra, pour un résultat plutôt convaincant. Du coup, on a poursuivit, pour faire de l’aparté un des principes narratifs du film. L’intérêt, c’est que les gens sortent de la scène tout en restant dans l’appartement avec le spectateur.

Laetitia Casta au naturel
Quatre semaines avant le tournage, je l’avais vu dans une publicité pour des cosmétiques. Elle avait un paquet de maquillage sur le visage, au point de ne plus savoir qui elle était. Du coup pour le film, pas de maquillage du tout. On m’a alors reproché de casser son image, alors qu’en fait j’ai retrouvé son naturel. Quant à son personnage, il râle contre la disparition des librairies au profit des boutiques de mode et se plait à conserver ces poils sous les bras.

Pour écouter cette intw de Pascal Thomas dans son intégralité, téléchargez ici, l'émission Klr-Obscur # 13. Bonne écoute!

Relié / 384 pages / 1150 photos N&B et couleurs / 23 x 28 cm

Le parcours de Jean-Luc Godard, comme celui d’autres grands artistes du XXe siècle, a connu plusieurs « périodes ». C’est sa première vie en cinéma, celle des années 60, à l’époque de la Nouvelle Vague triomphante, qu’a choisi d’explorer Alain Bergala.

Cet ouvrage est avant tout le récit de l’éclosion d’une puissance de création et d’inventivité formelle hors norme. Son ambition est de raconter en détail et le plus concrètement possible l’histoire de chaque film : contexte, production, choix techniques, choix des acteurs, tournage, montage, sortie des films. Entre 1959 à 1968, qui marque une rupture radicale dans son œuvre, Godard réalise pas moins de 15 longs métrages, et devient immédiatement l’une des figures emblématiques de cette décade prodigieuse. Sont déjà entrés de plein droit dans l’Histoire du cinéma : A bout de souffle bien sûr, avec Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg, qui révéla Jean-Luc Godard au public, Le Mépris avec Brigitte Bardot et Michel Piccoli, Pierrot le fou avec Jean-Paul Belmondo et Anna Karina, La Chinoise avec Anne Wiazemsky et Jean-Pierre Léaud.

Alain Bergala a été l’éditeur des deux tomes de Jean-Luc Godard par Jean-Luc Godard qui fut un grand succès de librairie et est aussi l’auteur de l’essai Nul mieux que Godard paru également aux Éditions des Cahiers du cinéma en 1999. Il est incontestablement reconnu comme l’un des plus fins connaisseurs et analystes de l’œuvre du cinéaste. Il dispose, du fait de sa familiarité avec cette œuvre et tous ceux qui y ont collaboré, des meilleures sources de documents de travail, d’archives de première main, de témoignages, de photographies de tournage inédites qu’il restitue chronologiquement film par film, chapitre par chapitre, tout au long de cet ouvrage magnifiquement illustré, avec beaucoup de photos inédites.

De passage à Toulouse, le vendredi 9 juin dernier, dans le cadre des 25 ans des Cahiers du Cinéma, Alain Bergala s'était fort aimablement prété au jeu de l'interview.

Rencontre avec Alain Bergala

Prix: 59 €

FRAGMENTS SUR LA GRACE
France - 2006 - 1h41.

De Vincent Dieutre.

Avec Mathieu Amalric, Mireille Perrier, Eva Truffaut, Vincent Dieutre…

Sortie nationale: mercredi 6 décembre 2006

Un cinéaste et son équipe plongent dans l’univers incandescent de Port-Royal et du Jansénisme, esquissant par fragments, un autre Grand Siècle, celui de Pascal, de Racine et des « Amis de la Vérité ». Paysages arpentés, lectures précieuses, entretiens et notes de travail s’entrecroisent pour une aventure bouleversante. De cette quête historique naît alors une sensation de vertige. Expérience visuelle.

Leçons de ténèbres...

Entre auto-fiction, documentaire et cinéma expérimental, Vincent Dieutre nous convie à un voyage sensoriel en terres de mémoire janséniste. L’occasion pour lui de rendre grâce à ce groupe restreint d’hommes et de femmes du XVIIe siècle, trop vite oublié ou caricaturé par l’histoire, dont la foi peut être lue comme un symbole de la résistance à l’ordre établi. Un projet ambitieux, visuellement audacieux, que le cinéaste est venu présenté et défendre, en avant première nationale, à Toulouse, au cinéma Le Cratère.
Rencontre avec Vincent Dieutre.

Pour quelles raisons avez-vous décidé de faire un film sur Port Royal ?
Tout d’abord parce que j’ai éprouvé un véritable choc émotionnel, dans ce lieu : Port-Royal Les Champs, ou plutôt dans ce non lieu, puisque par définition, il n’y a plus rien à voir, tout ayant été complètement rasé. C’est un endroit d’où se dégage à la fois un élan de calme, de sérénité, mais aussi de violence, cette violence que ces gens de Port Royal ont attirée contre eux. Ce lieu a donc été le déclic. Je l’ai découvert il y a très longtemps, et depuis j’ai toujours gardé en tête l’idée qu’un jour je me pencherai sur cette histoire.
L’autre raison est en quelque sorte une contre raison. Je suis très fortement inquiet et agacé de la façon dont l’histoire est amenée au public par le corpus des documentaires et plus largement par la façon dont est prise en charge la gestion du passé au niveau des images, au cinéma et dans l’audiovisuel en général. Donc il y avait ici une volonté de proposer une contre proposition esthétique tout en donnant corps à ce projet autour de ce lieu de Port-Royal Les Champs.

Que représente Port Royal pour vous ?
Quand on s’intéresse au XVIIe siècle, les mots Port Royal et jansénisme reviennent tout le temps. Il n’y a là rien d’étonnant puisque tous ceux qui peignaient, pensaient, écrivaient, ou possédaient un peu de pouvoir, ont du se positionner pour ou contre ce mouvement religieux. C’est pour ça que je vois dans cette crise de Port Royal, ce moment janséniste, une fissure très importante d’où découla des tas de choses, dont le germe de la révolution française qui allait mettre fin à la royauté. Alors bien sûr, tous n’ont pas été jansénistes. Mais certains comme Lafontaine, dont tout le monde connaît les fables, Racine, madame de Sévigné, Molière dont on dit que Tartuffe est une moquerie sur les jésuites, ou encore des peintres comme Philippe de Champaigne, ont tous pris partis pour Port Royal. Donc je crois, que l’on ne peut pas comprendre cette période, on ne peut pas comprendre Versailles, si on n’a pas cette clef de la dissidence du jansénisme. Car c’est un mouvement très différent de ce qui c’est passé avant, avec la Reforme. C’est un bouleversement à l’intérieur de l’église, mais aussi, à l’intérieur de la France. C’est une dissidence interne qui pose la question de la conscience de l’individu dans la société. Car dans une époque où religion et politique étaient totalement imbriquées, les jansénistes venaient de créer l’individu moderne, en inventant la liberté de conscience.

C’est quand même un film empreint de religion ?
Effectivement, mon film est empreint de religion, parce qu’on ne peut pas comprendre cette époque sans se replonger dans sa religiosité. Aujourd’hui, on peut regarder le monde sans se poser la question du religieux. Là, je me la pose, même si concrètement, je ne suis pas croyant. Mais à partir du moment où j’avais décidé de me plonger dans ce mouvement et dans cette époque, je me devais d’aller jusqu’au bout. On ne peut pas comprendre un mouvement qui repose sur l’arbitraire de la foi, sans jouer le jeu sois même, sans se poser la question : si j’étais croyant qu’est ce je ferais. Si je croyais, je ne pourrais pas croire à demi comme ces gens, qui pensaient qu’on pouvait négocier son salut par l’argent. Non, pour moi, si on croit, faut aller au bout du truc, il faut brûler, et là l’aventure devient fascinante. C’est la question transversale du film. Je devais la poser, quitte à mettre mal à l’aise un certain nombre de gens. Car cette question ouvre un vertige, dans lequel il fallait plonger, d’où le plan final qui symbolise ce terrassement complet. Je devais donc emprunter, le temps d’un film, l’idée d’un monde religieux. Ce film est en quelque sorte le journal de ce vertige.

Un film sur Port Royal ou le jansénisme ?
L’un ne vas pas sans l’autre, Port Royal, c’est le territoire de ce moment et de ce mouvement. D’habitude, je tourne toujours en plan fixe, là vous aurez remarqué que c’est caméra à l’épaule. On marche dans ces lieux, je voulais qu’on sente vraiment les pas, qu’on arpente ces lieux. Port Royal était donc pour moi une géographie de ce mouvement. En plus il permettait de faire émerger des figures héroïques, notamment des femmes, ce qui est tout à fait nouveau dans l’histoire de cette époque. Là, c’est la première fois qu’une vingtaine de femmes vont devenir les voix de cette dissidence. Port Royal est donc un symbole !

Un film littéraire
On écrivait beaucoup à Port Royal, il y a avait une véritable inflation de l’écriture. La meilleure façon d’en rendre compte était ce processus de lecture de ce patchwork de textes d’époques, volontairement très explosés pour attaquer tous les côtés de l’histoire.

Un film à la première personne
Le côté première personne, c'est-à-dire je est quelque chose de très important dans mes films, et cela est à l’œuvre depuis mon premier film Rome désolée. Ici, le film fonctionne comme un journal de terrain.

On a l’impression, que l’austérité, trait caractéristique du jansénisme, s’imprime sur vos images.
Oui, parce que c’est un film pauvre. Même, si j’avais souhaité faire un film à costume, je n’en avais pas les moyens. Donc, c’est une négociation entre les contingences et le désir esthétique. Je mélange ainsi les formats, 16mn, vidéo et beaucoup de super 8. Mais c’est vrai que j’ai essayé de traduire Port Royal en allant au plus simple. Donc il y a une espèce d’austérité, je crois que c’est le mot, dans ce décor pour laisser les textes, les mots devenir des éléments importants. C’est la fièvre de l’histoire qui doit venir habiter ces décors simples, donc le lieu, lui, se doit d’être esthétiquement « jansénisant ».

C’est un film qui vous a totalement imprégné, voire dévoré !
Bien sûr ! Mais pour moi, un film ne vaut d’être fait qu’à partir du moment où je n’en sort pas moi-même indemne. C’est pour cela que c’est intéressant de voir mes autres films. Ils sont tous conçus sur cette idée là. Pour moi, une œuvre n’a de sens que si elle est efficace, si elle a des conséquences concrètes sur la vie des gens qui la regardent, même si c’est juste pendant 1h30.

Ecouter l'émission:
Klr-Obscur # 10 Rencontre avec Vincent Dieutre

Je n'ai malheureusement pas le temps de vous parler aujourd'hui de ce film magnifique, sortie un peu en catiminie, le 8 Novembre dernier. Cela dit si vous êtres en froid avec le cinéma français trop bavard, peu inventif et qui peine tant à raconter une histoire alors précipitez vous sur Les Fragments d'Antonin!

C'est une oeuvre saisissante, sur la guerre et ses conséquences physiques et psycholiques sur ceux qui y ont participé.
Réalisé par Gabriel Le Bomin, venu tout droit de l'univers du documentaire, le film est admirablement construit. A ne pas rater!
Le coup de coeur fut tel que l'émission de cette semaine lui est entièrement consacrée.