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Ni olvida, ni perdona. El Barbero “Rebanacuellos” da la nota y mucho miedo en la mejor película de Burton desde Ed Wood.

Sweeney Todd nos invita a comulgar con los aspectos más horribles de la naturaleza humana. Pero nótese el binomio horror-humanidad: a fin de cuentas, el señor Todd llora un amor perdido, y, por eso, corta las gargantas de sus víctimas en cuanto se sientan en su silla de barbero, y entonces corre la sangre –de consistencia y color inusuales para demostrar que aquí no hablamos de gore, sino de arte-, en abundancia, a borbotones, que manan acompasados con algunas de las canciones más hermosas y perturbadoras nacidas en el seno del teatro musical y empapan así la que quizá sea la mejor película de Tim Burton desde Ed Wood. Y es tanta la conexión entre el tema, los personajes y la atmósfera de esas composiciones casi operísticas de Stephen Sondheim y la sensibilidad artística de Burton, que el musical más sangriento jamás creado bien podría haber sido escrito por el cineasta. De hecho, transpira sus obsesiones personales, protagonizadas, como este relato, por vengativos nocturnos –como Batman-, outsiders excéntricos que crean sus propias reglas, y a menudo perecen por ellas –como todos los personajes encarnados por Depp para Burton-, en un mundo en el que los muertos interactúan con los vivos –Bitelchús, La novia cadáver-.

Lo que pasa es que Burton nunca antes había dado tanto miedo. Sweeney Todd es, tanto como un musical, una película de terror, cruel en sus efectos y radical en su misantropía. Burton se niega a ofrecernos consuelo sentimental, porque, en este mundo grandguignolesco –matizado como su modelo por Dickens y por Brecht-, toda posibilidad de justicia ha sido reemplazada por un poder arbitrario, por un lado, y una furia justiciera demente, por otro. Y cuando el malvado y magnético Todd, vástago de Eduardo Manostijeras, enamorado de sus propios dedos metálicos, nos esputa a la cara la sangre de sus víctimas, comprendemos que es un hombre tan centrado en la muerte que ha perdido contacto con la vida, que la venganza sólo conlleva destrucción, y que esta película es, no sólo la más impactante relectura que Hollywood ha hecho de Broadway en los últimos años, sino la única que triunfa en lo musical y lo fílmico.

FUENTE: Revista Cinemanía. Febrero.

De JORDI COSTA        

Para amantes del original con oído tolerante

La idea llevaba tanto tiempo palpitando en el aire que el Sweeney Todd, de Sondheim, remezclado (o condensado) por Tim Burton más que una cinta esperada era algo casi inevitable. Como una catástrofe. O una catarsis. Aunque, finalmente, no sea ninguna de las dos cosas. Un amigo de este crítico lo sintetizó muy bien: ¿Verdad que está muy bien, a pesar de lo mal que está? Un servidor salió de la proyección fascinado, pero incapaz de discernir si el suministro de placer era atribuible a Burton o al fulgor del musical de Sondheim, que pierde aquí su elemento vertebrador (el coro posmortem de The Ballad of Sweeney Todd) y algunas de sus artistas más sórdidas, como la primera aparición de la mendiga (con su oferta venérea) o el soliloquio penitencial del juez Turpin que en su día homenajeó/plagió Alan Menken en El Jorobado de Notre Dame (1996).

Tim Burton en definitiva, he hecho su Sweeney Todd, con unos títulos de crédito que funcionan a la vez como autoguiño y como mensaje desencriptado: la historia del barbero asesino y la pastelera mugrienta ilustra, a su modo, la superación de la lucha de clases a través de la emulación grandguinolesca de la estructura profunda del capitalismo. No hay nada que objetar a sus apuestas de reparte, aunque el recuerdo de la teatral Angela Lansbury subraye que se ha perdido bastante humor por el camino.

Lo mejor: el placer que transmiten todos los implicados.

Lo peor: que, en el fondo, sea mucho menos que su modo teatral.

FUENTE: Revista Fotogramas. Febrero.

La historia es parecida pero no igual. El recuerdo de la homónima aún está latente para unos cuantos espectadores, pero una inmensa mayoría nunca vio a Charlton Heston semidesnudo en la película original del ‘68. Este film de Tim Burton está dirigido a esos nuevos espectadores, que tal vez ni siquiera sepan quién es Heston. Aunque el lector no lo crea, los hay.

En el año 2029, un astronauta que acude sin permiso a una misión de rescate se pierde en una tormenta eléctrica, su nave aterriza en medio de una selva oscura y se hunde en un pequeño lago. Repentinamente, se encuentra con un grupo de humanos de aspecto primitivo que huye de un manada de simios salvajes que quiere cazarlos. Leo no entiende qué ocurre, pero su instinto de supervivencia lo obliga tambien a correr. De nada sirve: todos son enjaulados y llevados a una ciudad levantada en las rocas, un pequeño mundo dominado por simios que someten a la raza humana, hablan y se comportan como los seres que esclavizan. Incluso viven en una sociedad que posee características similares a la nuestra, aunque un presumible sistema de castas se deja entrever.

Leo se encuentra encarcelado junto con la familia de Daena, una deliciosa y valiente mujer rubia al estilo "Sports Illustrated". Por otra parte Ari, una chimpancé culta, bella e inteligente se fijará en él y tratará de ayudarlo. El objetivo es escapar y volver al lugar donde cayo la nave para... Contar más, sería un sacrilegio.

En el terreno de las remakes, este parece ser un buen ejemplo de un film que supera al film primigenio (la comparación es horrenda, pero inevitable) y ya devenido en clásico. Es cierto, la escena de la Estatua de la Libertad a medio enterrar en la arena mientras Heston insulta con rabia a los responsables... es imborrable y entrañable; pero hay que reconocer que es la melancolía por aquellos tiempos frescos y juveniles la que se hunde en lo más profundo de nuestra mente y no deja percibir lo bizarras, aburridas, mal dirigidas o pésimamente actuadas que estaban ciertas películas o series de TV.

El guión de este film es simple pero efectivo, tiene mucho humor negro, de ese que no arranca carcajadas pero que esconde una ironía detrás; además guarda un interlineado para aquellos que buscan resolver crucigramas sociológicos frente a la pantalla. Es uno que remite a la discriminación, a la lucha de clases y a otros problemas o enfermadades que dejan en los habitantes de nuestra sociedad recuerdos "placenteros". Los simios no tienen en sus líneas un discurso sofisticado, eso sí sería pretencioso, aunque a ellos no les gusta la palabra "mono" porque suena peyorativa.

Las actuaciones son excelentes, incluso algunas personalidades se pueden reconocer detrás del magnífico maquillaje. Lograr que un grupo de hombres disfrasados de monos se siente a un mesa para cenar sin estallar de la risa es un éxito y Burton sale sin problemas de la prueba. El maquillaje, el diseño de producción son excelentes, al igual que el vestuario simiesco.

"El planeta de los simios" es un film actual pero que pertenece al cine que se hacía antes, cuando el cine era un "espectáculo". La función principal era entretener y divertir al espectador. En el film había ciertos elementos que el espectador podía reconocer fácilmente, así se producía la complicidad que ayudaba a soportar cualquier temática. El discurso no tenía resabios de un speech Fucaultiano, apelaba a los valores archiconocidos y simples que un par de adinerados productores de Hollywood reflotaban frente a frente, en una oficina con ventilador de techo y palmeras visibles desde la ventana.

Sería un pecado pasar por alto la escena en la que Burton rinde un pequeño "homenaje" a la película del ‘68. Sería un pecado no saber que el padre moribundo de Thade es Heston y que dice casi las mismas líneas enunciadas por él en aquel entonces, cuando ve la estatua de la libertad. Uno de los detalles que sólo los seguidores podrán apreciar. Al igual que el de la escena en el campamento simio con el lago: ese es el Lago Powell, presente en la original; o el que la mujer con la que Leo habla cuando es trasladado a la ciudad simia es Linda Harrison, o mejor dicho Nova, la linda chica que se convierte en compañera de Heston. Etcétera. Pero no sólo hay "homenajes", también hay citas que el espectador atento disfrutará al encontrar.

Para muchos, está versión será "una falta de respeto". A otros, les parecerá "muy tímida". No obstante, suponer que con una remake de un clásico como éste un director puede "pensarlo" o "construirlo" desde cualquier lugar de su imaginación, es de una ingenuidad atroz. No debe haber nada más convencional que una superproducción. Los límites son tan rígidos y los peligros tan grandes que un resultado como el de esta versión es más que positivo. Este es absolutamente el mejor film de simios parlantes que se ha filmado hasta hoy.

En el terreno comercial, el film ganó casi 70 millones en su primer fin de semana en los Estados Unidos, lo que le asegura al director un poco más de libertad a la hora de negociar el corte final de su siguiente película. Burton puede sonreir y respirar tranquilo: la tijera esta vez quedó de su lado.

            Andrés San Martín

Lejos de transcribir cinematográficamente la conocida (por los norteamericanos) historia de Sleepy Hollow, el director norteamericano Tim Burton (Batman, Joven manos de tijera) le da una vuelta de tuerca y la concibe como un cuento de terror con fuerte reminescencia gótica y de los filmes de terror de los años '50. Aquellos precisamente, producidos por la mítica y afamada Hammer Productions.

Irving no escribió sobre un jinete decapitado que se vengaba de los habitantes del pueblo cortándoles a ellos también la cabeza. Tampoco existe en sus páginas tal derramamiento de sangre. Ni tampoco Ichabod Crane era un forense obsesivo. Las diferencias continúan y hasta cierto punto uno se pregunta si éste no era realmente el cuento que Irving quería escribir o que debería haber escrito…

La anterior película de Burton fue Mars Atacks!, en el año '96. Un fracaso comercial que lo transformó en un director bizarro de lujo. Ciertamente ningún director contemporáneo sería capaz de filmar Mars Atacks! teniendo la oportunidad de filmar dramas a lo "Titanic" o angustiantes imágenes del holocausto. Su fallido proyecto de Superman Lives, lo llevó a desempolvar una leyenda (una de las más auténticas del país del norte) y renovarla, retocarla, transformarla y embellecerla como difícilmente se haya hecho antes con una historia proveniente de un folclore nacional.

En Sleepy Hollow, (filmada mayormente en las afueras de Londres) Burton mezcla estilos con soltura demiúrgica y por qué no, merlinezca. Se apoya en una leyenda del siglo XVIII y la imagina como una película de terror emergida de los estudios Hammer. Vuelve a su recurrente fuente inspiración que son las películas del expresionismo alemán de los años '20 y lo cubre todo con una pátina de estética gótica.

Todo resulta tan bello que se vuelve difícil no extasiarse con los planos que parecen ser extraídos de un cuadro pintado por John Constable y pergeniado por William Blake o de una historia de Mary Shelley y escrito.

La performance de Johnny Depp llega a su punto más alto, como es habitual cada vez que trabaja con Burton. Christina Ricci está correcta en un papel muy extraño, que se sitúa entre lo mágico y lo etéreo, casi silencioso. El casting de actores británicos es magnífico.

Burton se procuró jóvenes talentosos como él. Su idea de llamar a un habitual colaborador de David Fincher, Andrew Kevin Walker (Seven, The Game, Fight club) para el guión, le dio una impronta incisiva y escabrosa que se fundía perfectamente con la extraordinaria fotografía de Emmanuel Lubezki (Como agua para el chocolate). Un mexicano con un sentido estético muy refinado, responsable de una tonalidad lumínica sobrecogedora.

Danny Elfman reconstruye, también como es de costumbre, una partitura creíble y acertada, con la facilidad de conocer cada recoveco en la desordenada cabeza de Burton. El diseño de producción tan retorcido como bello e impresionante, nuevamente vuelve a estar en manos de Heinrichs, un antiguo colaborador de Burton que participó en sus primeros cortos.

En Sweeney Todd se lee a Welles, la influencia de su mentor es indudable y registrada por Burton con eficacia y talento. Demostrando otra vez, que es uno de los directores más auténticos y originales que existen en la actualidad y tal vez en la historia del cine. Su obra pertenece a una especie en extinción, la de los directores/artistas. Capaz de llevar su arte hasta el último extremo, evitando perder el horizonte y esquivando la guillotina del sistema.

Andrés San Martín

FUENTE: Fotograma.com