PD: Suicide and redemption (la instrumental) patea traseros!

Para aquellos que gustan de coleccionar arias de opera, con cantantes de calidad, y no meramente cantantes “estrella”, el disco ROMANTIC ARIAS del tenor alemán Jonas Kaufmann (el primero, a pesar de llevar trayecto consumado en el medio), es sin duda un imprescindible en cualquier discoteca de esta índole. Alabado por la crítica internacional se perfila ya como el disco del año.

Comenzare por decir que Kaufmann es un tenor de gran empaque, de voz gruesa (jamás baritonal como algunos indocumentados han dicho), versátil para cualquier repertorio, agudos bien plantados y sobre todo sin ser excesivo, por el contrario se matiza, se controla y se reserva, lo cual se agradece bastante en estos tiempos en donde los tenores derrochan tal pasión que acaban por destemplarse.

De las arias contenidas aquí, de todos colores: Puccini, Verdi, Flotow, Bizet, Massenet, Wagner, Berlioz y Weber, las canta cada una con su técnica adecuada, pero imponiendo su estilo inigualable. Así    , si ustedes creían que “che gelida manina” la eterna aria de la Boheme, era siempre la misma, con Kaufmann desde el inicio nos damos cuenta que esto va en serio, no solo desgrana un fraseo impecable, sino que se inventa e inventa el aria. Personalmente siempre me ha gustado la interpretación de Bergonzi, la que creo la mejor de esta aria, pero sin duda  Kaufmann se pone a su altura.

En Verdi quizás si es mas difícil una comparación con otros tenores, ya que el teutón, no tiene un dominio del italiano que exige Verdi, claro esta como el referencial Di Stefano, pero lo que pierde en diccion lo gana en brillo y fuerza interpretativa. Espectacular la cabaleta “o mio rimoso”. Tambien hay que pedir pronto su incorporación del moro de Venecia a su repertorio, le quedaría como anillo al dedo.

Flotow, Weber y Wagner es el repertorio con el que mas a gusto debe sentirse, por el idioma por supuesto. Y vaya que lo esta, de el aria de Martha de Flotow la canta sentida y en su idioma como lo hiciera alguna vez Wunderlich. En el aria de “Der freischûtz” de Weber nos muestra por que, como precisaba antes, no tienes voz “abaritonada”, sino mas bien de un típico “helden tenor” alemán, listo para el repertorio mas pesado para un tenor, dígase Wagner, que aquí incluye la Preislied (canción del premio) de “Die Meistersinger”.

Otra, James King el gran tenor alemán, que nunca a tenido alumnos, tomo a Kaufmann como  discípulo. Que mejor manera para darnos a entender que el será el heredero de el canto alemán de antaño. Así es que olvídense de que Heppner y Wota, serán los estelares para los papeles Wagnerianos, Kaufmann viene dispuesto a dejar huella. Dentro de mi lista de peticiones, seria ideal también que pronto nos prepare un ciclo de lieder de Shubert, por su admirable fraseo y dicción en el alemán.

Ya en el repertorio francés como plus, también no muestra que se mueve con soltura, en un idioma que de entrada seria el mas difícil en la opera. De Berlioz sinceramente no se mucho, pues no he visitado sus operas. De Bizet ni se diga, el don José lo domina, lo ha cantado, se mete en el personaje, no hay ramplonería, nos conmueve en cada frase, brillo y color van de la mano, simplemente hermoso. Ya en Massenet nos damos cuenta, como lo dije al principio, de el gran empaque de este tenor, apto para cualquier repertorio, que jamás va a entorpecer un aria gritándola, mas bien suavizándola en un crecendo emocional, y por que no, también circunstancial.

Había que agregar el gran desempeño orquestal de la Prague Philarmonic Orchestra, siempre atinada bajo la batuta del director italiano Marco Armilato, conocedor de las partituras y con un tempo que jamás empaña el trabajo de Kaufmann.

Lo dicho un disco obligado para los que gusten de voces realmente buenas, y no solamente voces que vendan por el simple hecho de actuar bien en el escenario, o tengan cara bonita. Y un acierto de Decca por supuesto, por que últimamente ha fichado a muy buenos cantantes.

Julio

                                                                                     REFERENCIA:

                                                                              JONAS  KAUFMANN

                                                                            Romantic Arias  .    DECCA

Por fin ya tengo el disco en mis manos y despues de repasarlo poco a poco y escuchar cancion por cancion, frase a frase.

He sido admirador de el grupo desde 'dile al sol' cuando el 28 los dio a conocer y en mexico la cancion paso desapercibida. recuerdo que yo estaba sentado viendo un canal de videos y de repente aparecio el video, un video pobre y salia una muchacha rubia cantando 'y pase por mi mente y encontre aquella nohce que pase...' y me cautivo su voz y la letra era diferencte a lo que habia escuchado, sencilla y natural pero con significado.

Me dedique a buscar el disco como loco por todo Mexico y nadie supo ni quien era la Oreja de Van Gogh ni de que rayos yo hablaba.

Paso el tiempo y recuerdo que escuche la misma voz en el radio con una cancion diferente y me dije "son los mismos chicos espanoles", empeze a buscar ahora con la ayuda del internet, y me encontre con que ya habian grabado su segundo disco y esta vez la cancion 'Cuidate' empezaba a ser exito en Mexico.

Compre el disco de 'el viaje de Copperpot' y quede maravillado con las letras, la musica me encanto, era algo totalmente distinto y fresco que me impacto en el momento.

Poco a poco me adentre mas en todo lo referente al grupo y disco que salia disco que compraba, la verdad todos sus discos me han parecido excelentes, y soy fiel seguidor de Xabi y sus composiciones, trato de conseguir sus trabajos con otros artistas tambien(si incluso Paulina Rubio).

Cuando supe de su separacion la noticia me lleno de tristeza ya que todos mis momentos felices o tristes los he acompanado con una de sus canciones, no lo poude creer en el momento pero espere que todo fuera para bien de las dos partes.

Despues me entero que buscan a nueva Vocalista y mi primera reaccion fue "No va a funcionar" Amaia era el corazon de la agrupacion, y desde ese momento fue una espera eterna para ver el resultado de lo que seria la nueva "Oreja".

Y el momento llego "A las cinco en el astoria" llego a mis manos y me dedique a anilarlo poco a poco y estas son mis reflexiones:

• El disco esta muy bien producido, no suena a pan con lo mismo, siguen siendo la oreja de van gogh y no han perdido la escencia que los caracteriza.
• Leire ha hecho un muy buen trabajo como vocalista, su voz no se oye perfecta, que a mi me parece bien ya que no debe serlo poco a poco se ira entrenando, si reflexionamos, la voz de amaia en el primer disco suena muy diferente a el ultimo con la agrupacion.
• Las Letras son maravillosas, todas me han gustado y cada una tiene su propio estilo y sentimiento. no tengo favoritas ya que todas lo son pero realmente me han cautivado Europa VII, Cumplir un anio menos, Inmortal, La visita y la primera Version.
• Leire suena muy perecido a Amaia pero a lo contrario de lo que muchos dicen no quiere ser copia de... tiene su propio estilo y solo hace falta mas practica para masterizarlo.
• Y pues al final quede mas que satisfecho con el nuevo disco de la oreja espero que si eres fan de LOVG lo disfrutes tanto como yo.

Excelente vista escucha a vuelo de pájaro de uno de los mejores álbumes de jazz que se vieron en el ya lejano 2007.

The Lost Crooners del bajista francés Daniel Yvinec es un trabajo sobrio y elegante, con cierto aire retro, pues revive algunos temas cantados por una de las mejores voces de mediados del siglo pasado, Frank Sinatra, aunque aquí todo viso de optimismo fue filtrado.

De hecho, podría decirse que los temas son la música para un Sinatra desencantado y alcohólico que deambula por los barrios más sucios de cualquier urbe tercermundista.

Como tal vez no lo puedan conseguir en su terruño, aquí les dejo el enlace en donde pueden descargar la maravilla.

El Guincho es una particular visión de la música calipso y tropical donde la electrónica en forma de samples apilados unos sobre otros es la nota dominante. Pero el motor de sus canciones,  es la voz de Pablo junto con el set de percusión que lleva a cuestas y que dota a sus live (y su álbum en general) de un toque festivo que a duras penas habría conseguido con sólo la ayuda del ordenador. Son sólo nueve pistas, pero mientras duran no pararás de marcar el tiempo con el pie. Ah, y sólo cuesta unos ocho euros, así que si os gusta el disco lo mejor es que lo compréis para apollar al artista, porque sin duda tipos como este no suelen salir muchos en nuestro país y hay que mimarlos de la mejor forma posible.

Rapidshare: El Guincho - Alegranza

Sin embargo este disco pareciera resucitarlo y reinventarlo y ya Batcat EP venía siendo un excelente abreboca. A ratos trae una onda más iracunda con tintes escalando un poco mas hacia el post Metal, como en otros melancolica. Aunque en general el disco esta bien balanceado y no tiene bajos y vale la pena escucharlo como un todo de principio a fin. Es dificil decidir por un tema favorito, cada uno tiene su toque aunque personalmente me decanto por "Batcat" y "Scotland's Shame", aunque también se me hacen jocosos títulos como "I'm Jim Morrison, I'm Dead" y "I Love You, I'm Going To Blow Up Your School".

El disco de palabras de su guitarrista Barry Burns viene descrito irónicamente como "dreamy ballads about forbidden love gone awry, one minute pointless instrumentals and [...] spoken word about the future
of the music industry in India."

Aquí el listplay del disco

1. "I'm Jim Morrison, I'm Dead" - 6:46
2. "Batcat" - 5:23
3. "Danphe and the Brain" - 5:18
4. "Local Authority" - 4:15
5. "The Sun Smells Too Loud" - 6:58
6. "Kings Meadow" - 4:42
7. "I Love You, I'm Going To Blow Up Your School" - 7:33
8. "Scotland's Shame" - 8:00
9. "Thank You Space Expert" - 7:55
10. "The Precipice" - 6:42

El disco finalmente saldrá el 22 de Septiembre de este año

ALMA MIA (1950)

Nicolás Urcelay Alonzo, nació en Yucatán, México, el 20 de diciembre de 1919 y murió en Tampico, México, el 1 de julio de 1959. Fue uno de los cantantes más importantes de México. También conocido como "El Caruso de Mayab" Inicia su formación musical a la edad de cinco años en Mérida, Yucatán, su ciudad natal. Sin embargo, sus estudios profesionales estaban relacionados con la administración y la contabilidad. Su padre fue Nicolás Urcelay Ruiz a quien perdió siendo muy joven y su madre Sara Alonzo Góngora propietaria de haciendas henequeneras. En 1939 a raíz de la pérdida de sus fincas  por la Reforma Agraria implementeda en México, emigra Nicolás junto con su madre a la Ciudad de México. donde trabaja, entre otras, cosas como empleado bancario. Su madre murió poco tiempo después sin conocer el éxito que llegaría a tener el joven yucateco. Sus cualidades de cantante le ganaron la amistad de sus compañeros de trabajo, quienes lo inscribieron en un concurso de la estación de radio XEW en el año de 1940, del cual fue descalificado, ya que olvidó la letra de la canción debido a su nerviosismo. Tras la decepción conoció a Isabel Sandoval, que llegó a maestra de canto y quien se convierte en su mentora.

CUANDO ME VAYA (1950)

Avanzó rápidamente debido a su temprana educación musical. Así pues perfecciona su técnica vocal dispuesto a hacerse un sitio entre los grandes cantantes mexicanos como Alfonso Ortiz Tirado, Pedro Vargas, Jorge Negrete, Néstor Mesta Chaires, Juan Arvizu o el legendario José Mojica. En 1942, hizo su debut radiofónico formal mientras continuaba estudiando con la maestra Sandoval. En 1944 se integra al elenco del programa llamado “Operetas y Zarzuelas”. Su cálida voz de tenor lirico spinto, llamó la atención de la compañía discográfica RCA Víctor, que tras firmar un contrato con Urcelay, se empeñaba en que Nicolás interprete música más “comercial” (boleros o rancheras), a lo que el cantante no accedió de modo que hubo una ruptura con la compañía y el proyecto de grabación se redujo a esta media docena de piezas. Sin embargo la crítica lo comenzaba a considerar “El Mejor Tenor de México”. En 1947 Urcelay cantó para el presidente estaunidense Harry S. Truman. Posteriormente es invitado a actuar en el "Hollywood Bowl Theatre" de California acompañado por la orquesta de Xavier Cugat.

JURAME

Con esto se dispara su carrera internacional. Falleció repentinamente de un derrame cerebral el 1 de julio de 1959, cuando contaba con apenas 39 años de edad y se encontraba haciendo una gira por Tampico. Fuente: Wikipedia. Dentro de otra semblanza biografica que encontramos en su pagìana web oficial se nos expresa: Indudablemente, Nicolás Urcelay figura entre los más grandes tenores mexicanos del siglo XX. Pese a su prematura desaparición física, antes de cumplir los cuarenta años de edad, dejó un legado musical imperecedero en el terreno de la lírica popular latinoamericana. Su voz, bien timbrada, potente, aterciopelada, de sonido broncíneo en el registro medio, y ligero color oscuro, hace evocar al célebre tenor napolitano; por ello merece ser considerado “El Caruso del Mayab”. Nicolás Urcelay Alonzo nació el 20 de diciembre de 1919, en la ciudad de Mérida, Yucatán.

PERJURA

Provenía de una familia acaudalada y de mucho abolengo dentro de la península. Sus padres fueron Nicolás Urcelay Ruiz y Sara Alonzo Góngora, y eran propietarios de grandes fincas henequeras, que heredó su madre. Fue en su ciudad natal donde cursó sus primeros estudios musicales, a la edad de 5 años. Pronto aprendió a leer y música y a tocar el piano, aunque, curiosamente, no tuvo inquietudes por estudiar canto. De hecho, sus estudios profesionales no estuvieron relacionados con la música sino más bien con la contabilidad, profesión que se vio obligado a ejercer años más tardes cuando emigró a la Capital en compañía de su madre. Durante la adolescencia perdió a su padre y dado que en el periodo cardenista (1934-1940) se dio impulso al reparto agrario, la finca de los Alonzo y Góngora fue una de las afectadas. En consecuencia, tal movimiento dejó sin bienes el futuro cantante y a doña Sarita Alonzo Góngora viuda de Urcelay, por lo que en 1939, emprendieron un viaje a la ciudad de México, para buscar nuevos horizontes. Nicolás trabajó como empleado bancario, aunque sus dotes de cantante ya habían sido advertidas por sus nuevos amigos. Fueron ellos los que lo motivaron para que, a principios de 1940, concursara en la Hora de los Aficionados de la XEW.

MANOLETE (1946)

El caso es que Nicolás se puso nervioso y olvidó la letra de la canción “Mujer” de Agustín Lara, y naturalmente, fue descalificado (“le sonaron la campana”). Tal parecía que allí acababan las aspiraciones del joven yucateco que aunque poseía una voz bien timbrada no había desarrollado al máximo sus potencialidades vocales. A este tropiezo se sumó la muerte de su madre (que nunca pudo verlo convertido en figura del canto), de tal suerte que el joven Nicolás, a la edad de 20 años, súbitamente se encontró solo, desamparado, sin fortuna y lejos de las tierras del Mayab. No obstante, como reza el dicho “cuando más oscuro se ve, es que ya está a punto de amanecer”, y el meridense pudo sobreponerse a tantas adversidades para afrontar con valentía su destino. Era el heredero de Ricardo Palmerín, Guty Cárdenas y Ricardo López Méndez, entre otros excelsos músicos y poetas del Mayab, y no podía defraudar a la gran tradición de trovadores yucatecos. Al perder a su madre, conoció a Doña Isabel Sandoval de Grisi, que llegó a ser su maestra de canto, tutora, mentora, madre y amiga. Nicolás, entendió que era necesario pulir al máximo su voz para tener alguna posibilidad de sobresalir en un medio plagado de grandes tenores mexicanos.

ASI

No olvidemos que eran los tiempos de José Mojica (que acababa de abandonar los escenarios), Alfonso Ortiz Tirado, Pedro Vargas, Jorge Negrete, Néstor Mesta Chaires, Juan Arvizu y Genaro Salinas (un joven tenor tampiqueño, de la edad de Urcelay, que ya empezaba a brillar con luz propia en el firmamento artístico).Se calcula que Nicolás invirtió hasta 10 horas diarias para perfeccionar su técnica de canto. Es obvio que antes de los 20 años no había recibido clases formales de canto y había descubierto “tardíamente” su pasión por la música. No obstante gracias a que sabía leer partituras y poseía tanto oído como memoria musical, tuvo progresos asombrosos en un par de años solamente. Es muy probable que además haya recibido algunos sabios consejos del maestro José Pierson. Ayudado por su maestra, montó un repertorio adecuado a su voz, que él amplió, más tarde, hasta un número aproximado de 760 piezas. Y con esto se dispuso a iniciar una meteórica carrera artística. En 1942, hizo su debut radiofónico en Radio Mil, y continuó cantando mientras perfeccionaba su técnica vocal. Es muy probable que empezara a llamar la atención su timbre de tenor spinto, en una época en que abundaban las voces de tenor ligero o lírico.

POR SI NO TE VUELVO A VER

Dos años más tarde, se integró a un programa de la XEB llamado “Operetas y Zarzuelas” como integrante del coro, y aprovechó una oportunidad en que el tenor titular estuvo indispuesto para quedarse en su lugar. Fue el maestro Adolfo López Llera quien le sugirió que cantara como tenor solista, y lo hizo de tal manera que pasó a ser el primer tenor de la compañía coral. Se puede decir que este hecho representó el despegue de la carrera artística del meridense, quien pronto empezó a llamar la atención de las casas disqueras. Fue la RCA Víctor la primera compañía disquera que se acercó al tenor. Entre febrero y abril de 1946 grabó seis piezas que, muchos años después, se publicaron en un álbum de la Colección “Recordando” junto a otras seis piezas interpretadas por Néstor Mesta Chayres (otro tenor mexicano, que también se “probó” en esta disquera). Las piezas mencionadas fueron “Perjura” y “Las Violetas”, (M. Lerdo de Tejada); “Lluvia de Estrellas”,” Sólo pido a la vida”, “Por qué te quieres ir” y “Manolete” (Paco Treviño), todas ellas acompañadas por orquesta. Las dos primeras resultaron muy adecuadas para el estilo del tenor, sobre todo “Perjura”, que es un banco de prueba para cualquier cantante lírico; en cambio, las tres siguientes son demasiado “vulgares” para una voz de esta calibre.

NO NIEGUE S QUE ME QUISISTE

“Manolete” es un pasodoble dedicado al torero español Manolo Rodríguez (antes de que muriera en la enfermería a consecuencia de la cornada que recibió de “Islero”) y es muy probable que, debido a esta circunstancia, nadie más se interesara en grabarla. Pese a que las interpretaciones de Urcelay son ya notables, no hubo un arreglo con la RCA. Esta empresa se empeñaba en que Nicolás cantara música más “comercial” o accesible a las mayorías sin respeto a la integridad artística del tenor; por lo que, a falta de un arreglo, todo el proyecto de grabación se redujo a esta media docena de piezas. No obstante, por estas fechas la prensa especializada lo consideró “El Mejor Tenor de México”. Y esto es digno de destacar considerando que ya existían tenores con 15 o 20 años de trayectoria y una buena cantidad de discos grabados. En 1947 fue invitado para formar parte del elenco artístico que acompañó al presidente de México Miguel alemán durante una visita oficial a los Estados Unidos de América. De este modo, Urcelay cantó en el recinto oficial (Casa Blanca) ante el presidente Harry S. Truman, destacándose entre el elenco. Tan brillante participación le valió ser nuevamente invitado, ahora para actuar en el Hollywood Bowl Theatre ante más de 35 mil espectadores, bajo la dirección artística del maestro Xavier Cuota. Ese fue el comienzo de una brillante carrera internacional, que sólo la muerte pudo truncar.

NOCTURNAL

En abril de 1948, el tenor grabó con una nueva disquera, “Discos Anfión”, recientemente reinaugurada por aquel entonces. En esta compañía sólo llegó a producir un álbum intitulado: “Canciones y Romanzas Con Nicolás Urcelay". Ocho piezas fueron acompañadas al piano por la maestra Isabel Sandoval de Grisi y éstas fueron: “La Tabernera Del Puerto” (Pablo Sorozábal); “La Nuit” (A. Rubinstein); “Lejos De Ti” (Manuel M. Ponce); “Non Ti Scordar Di Me” (Furno Curtis); “El Cisne” (Ernesto Lecuona); “Una Furtiva lacrima” de L’Elisir D’Amore (G. Donizetti); “Princesita” (Palomero-Padilla); y “Sultana” (Jorge del Moral). A esta selección se agregaron “Júrame” (María Grever), “Amor, tan sólo amor” (Lola Castagnaro), Te Quiero del “Trust de los Tenorios” (José Serrano) y “Mírame Así” (Fernando Sánchez de Fuentes), con el acompañamiento de la Orquesta del Maestro Absalón Pérez. En agosto de ese mismo año hubo un par de grabaciones más, para completar diez y seis: “Mujer” y “Anhelos” (Agustín Lara) con el acompañamiento de Agustín Lara y su orquesta. Cabe indicar que “Lejos De Ti”, “Una Furtiva lacrima” y “Princesita” fueron grabadas nuevamente por el tenor, años después, para el sello Columbia, y con acompañamiento de orquesta. Su primera gira artística en el extranjero la realizó en La Habana, Cuba, donde obtuvo un éxito rotundo.

OJOS TAPATIOS

Le siguieron otras presentaciones, todas exitosas, en países como Brasil, Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú, Venezuela, Puerto Rico, República Dominicana y los Estados Unidos.Vale la pena apuntar, que en su primera gira a Cuba, firmó un contrato con la Radio Cadena Suaritos. Y además de cantar allí, hizo una serie de grabaciones para esta compañía. A este contrato se sumaron varios más, y en todos ellos se incluyeron grabaciones. Se calcula que tal número pudo llegar al centenar, entre 1948 y 1950. Sin embargo, se desconoce si este material ha sido publicado o reeditado en la isla, después de que ha transcurrido más de medio siglo. El 16 de abril de 1949, el tenor contrajo nupcias, en Nueva Orleáns, con Josefina Castro Alonzo. Ambos procrearon tres hijos: José Nicolás, Martha Josefina y Carlos alberto Urcelay Castro. Un año después, firmó con “Discos Odeón”, disquera donde grabó un total de cuatro piezas, mismas que aparecieron en el mercado entre mayo y junio de 1950. Los temas fueron “Suerte Loca”, “Españolerías” y “Cabellera Blanca” (Agustín Lara); y “Martha”, (Moisés Simons). Cabe indicar que ésta última fue grabada por primera vez, en 1932, por el tenor italiano Beniamino Gigli; sin embargo gracias a Urcelay se popularizó por América Latina. En 1951, incursionó en el cine en la película “Deseada” dirigida por Roberto Gavaldón.

CANCIONES DE LA PELICULA "EL PUERTO DE LOS SIETE VICIOS"

Esta cinta fue protagonizada por Dolores Del Río y Jorge Mistral; mientras Nicolás llevó el papel de invitado y tuvo oportunidad de interpretar canciones de Guty Cárdenas, otro notable meridense. Parte del rodaje se realizó en Chichen-Itzá. A pesar de que a principios de los años 50’s se le daba preferencia a los intérpretes de Música Ranchera (recordemos que Jorge Negrete, siendo cantante lírico, y Pedro Vargas, siendo bolerista, abordaron este género y que Genaro Salinas llegó a grabar con acompañamiento de Mariachi) dado el auge de que gozó este género gracias al Cine Nacional, Urcelay logró convencer a los empresarios de que existían alternativas musicales igualmente rentables: “que no todo era mariachi, y canciones bravías”…Fue hasta el 10 de julio de 1953, cuando apareció publicado en la revista Selecciones Musicales, Discoteca Popular, Las novedades del mes, la crónica y foto, de la firma con Columbia: "Nicolás Urcelay, el tenor mexicano de renombre continental, firmó contrato de exclusividad con la Columbia Mexicana, la que inmediatamente se aprestó a lanzar su primera grabación”. En la foto que se publicó, aparece el artista, acompañado de Guillermo Marquard, gerente de ventas de Discos Columbia y de Bernardo González, jefe de publicidad. Fueron dos temas los primeros en salir al mercado: “Dos Cruces” (Carmelo Larrea) y “Luna en el Río” (Pacho Hernández). La nota dice lo siguiente: “Por primera vez en mucho tiempo, Nicolás Urcelay, poseedor de una de las más bellas voces de México, vuelve a oírse en discos grabados en nuestro país; está acompañado del grupo que dirige el organista Tito Enríquez en dos boleros (ya citados, siendo Dos Cruces, un bolero con aire hispano, ya conocido por nuestro público). La demostración de facultades vocales de parte de Nicolás Urcelay, queda de manifiesto una vez más"….El disco alcanzó tuvo tal demanda en el mercado, que el 6 de febrero de 1957, Discos Columbia de México, SA de CV, le entregó un Disco de Plata por las ventas obtenidas con el tema “Dos Cruces”, otorgándole el disco número 2471. Entre 1953 y 1959, Urcelay llegó a grabar un total de 72 canciones para esta disquera, hoy propiedad de Sony Music. En abril 1957 falleció, en Caracas, Venezuela, el tenor mexicano Genaro Salinas, quien pertenecía a la misma generación que Nicolás. En diciembre de 1953, ya había fallecido el actor-cantante Jorge Negrete. Urcelay se sumaría a la lista de cantantes mexicanos que desaparecieron, relativamente jóvenes, en el pináculo de la fama, dentro de la misma década. Nicolás Urcelay también fue bautizado como “El Caruso Yucatanense" por el escritor José Díaz Bolio y, aunque jamás llegó a cantar una ópera completa, como era su sueño, logró integrar un repertorio muy variado, que incluía desde arias de ópera hasta baladas. En su archivo personal, Nicolás ordenó alfabéticamente sus canciones por título, autor y arreglista. Jamás se presentó a un recital sin proporcionarles sus partituras a cada uno de los músicos que le acompañaran, aunque él se supiera de memoria la música y letra de cada pieza del programa. Esto habla de su profesionalismo e integridad artística. Además de las arias de ópera que interpretó, tales como: "Che gelida manina", (“La Boheme” de Puccini) y "La donna é mobile" (Rigoletto de Verdi), también abordó piezas del repertorio lírico universal, como es el caso de "Mattinata" (Leoncavallo) y "O sole mio" (Di Capua). Curiosamente las arias que escogió están destinadas para un tenor lírico, no un spinto como él; no obstante, Urcelay consideró que eran piezas obligadas dentro de su repertorio. Por ejemplo, el aria de La Boheme exige alcanzar un Do de Pecho (C4) y el de Rigoletto un Si Natural (B3). Por supuesto, que estas notas estaban dentro del registro de Nicolás. De ahí que el mote de “El Caruso Yucatanense” no es gratuito, en absoluto. Durante el año 1958, el tenor consolidó su carrera de aproximadamente 16 años (si tomamos como referencia el año 1942), con presentaciones en televisión, radio, teatro, centros nocturnos y giras fuera del país. Continuó produciendo discos de larga duración para el sello Columbia. Bajo el abrigo de tan prestigiada casa disquera, pudo alternar sus grabaciones, con recitales y programas de radio y TV. El renombre que había alcanzado para estas fechas le permitió tener una intensa e ininterrumpida actividad artística. Uno de sus proyectos más ambiciosos consistía en realizar una gira por toda España, una vez que había conquistado el mercado hispano de Estados Unidos y Latinoamérica. Para ello, estableció los contactos precisos con empresarios de la península ibérica. Siendo un profesional en todos sentidos, nunca dejó de perfeccionar su técnica vocal, en base a una rigurosa disciplina musical. En ese mismo año, participó en una nueva película: “Locura Musical”, dirigida por Rafael Portillo. Siendo una comedia musical, Urcelay alternó con otros artistas tales como Luis Aguilar, Tito Guízar, Pedro Vargas y Dámaso Pérez Prado. En enero de 1959, se presentó durante varias noches en un centro nocturno para alternar en un "mano a mano" con Hugo Avendaño. También participó en un magno programa especial de radio de la “Hora Nacional” que fue dedicado a todos los periodistas del país. En Tampico, fue declarado como "El Tenor más brillante de México". En la naciente televisión, participó en una revista musical "con los más connotados artistas de radio, teatro, cine y televisión", cuyo programa se transmitió en cadena, desde el estudio A de Televicentro y por los canales 3, 4 y 7 de TV, y por las estaciones de radio XEQ y XEX. En febrero del mismo año, volvió a participar en la serie televisiva de la XEW, "Variedades de Medianoche". Por esas fechas, se publicó una autobiografía del tenor en la revista “Confidencias”. Luego, se presentó en Guadalajara. A su regreso, continuó con la grabación de su disco. En marzo sustituyó a Lucho Gatica, en un programa televisivo denominado "Yate del Prado" y volvió a presentarse en "Variedades de Media Noche" junto con Chabela Durán, ambos como artistas invitados. Participó en la puesta en escena de la opereta: “El Conde de Luxemburgo”, que se produjo para la TV, y donde compartió el escenario con la soprano Marta Ornelas (que, más tarde se convirtió en la esposa de Plácido Domingo). Para cerrar el mes, estuvo de visita en Tijuana, contratado por la estación XAEZ. Al mes siguiente volvió a “Variedades de Medianoche”, ahora con Andy Russell y Begoña Palacios. También fue invitado al programa televisivo “Estudio de Pedro Vargas” con Rosa de Castilla, Paco Malgesto y Hugo Avendaño. Repitió su actuación, ahora en compañía de René Touzet. Por otro lado, siguió haciendo grabaciones para la Columbia. En Mayo, participó como jurado en la XEW, en la etapa semifinal de "La Hora de los Aficionados". De ahí se pasó la celebración del 2º Aniversario del programa "Variedades de Media Noche", como artista invitado. En la XEW-radio inició el programa "Una Nueva Comedia Musical" en dónde alternó con André Toffel, Marga Llergo y D. Fernando Soler. Luego, viajó a San Luis Potosí; donde debutó como conductor y cantante en el programa de televisión "De visita a las 7" que se transmitía de lunes a viernes. A su regreso al D.F. participó nuevamente en el programa “Estudio de Pedro Vargas”, donde, por cierto, cantó a dúo con Hugo Avendaño “Ojos Tapatíos” y “¿Dónde estás corazón?”, en un momento inolvidable. En otro programa de TV, que se tituló: "Cita con Agustín Lara", catalogado como el "Mejor Programa Musical que se ha hecho en México", le correspondió a Urcelay cerrar con una Estampa Española, donde destacó la interpretación del tema “Sevilla “. En Junio, volvió a actuar en “Variedades de Media Noche”, alternando con Hugo Avendaño y Anabelle Gutiérrez. Antes de partir a Tampico, Tamaulipas, grabó el tema “Adiós” (de Mariano Mores), que sería como una premonición de lo que iba a ocurrir. Según cuenta J. Nicolás Urcelay Castro, el hijo mayor, los hechos ocurrieron así: “Fue el sábado 27 cuando él partió muy temprano hacia Tampico. Yo fui al aeropuerto a despedirlo y ésa fue la última vez que lo vi. Iba a debutar en el Hotel Imperial en esa misma noche. El contrato indicaba que estaría allá el sábado 27 y domingo 28; por lo tanto, planeaba regresar a la ciudad de México el lunes 29, para terminar la grabación del álbum, que ahora se cataloga como Inconcluso, y cumplir con los compromisos que ya tenía en la agenda. Pero, sin que nadie lo esperara, falleció repentinamente el 1º de julio de 1959, cuando contaba con apenas 39 años de edad”…Sobre la muerte del tenor, indica lo siguiente: “La causa del inesperado fallecimiento se debió a un derrame cerebral, que sufrió al día siguiente de su debut en el Hotel Imperial, justamente el domingo 28 de junio de 1959. Fue hospitalizado de inmediato allí mismo (En Tampico) y se nos informó del percance. Mi madre llegó allá el lunes 29 y todavía lo encontró consciente, pero un diagnóstico erróneo que indicaba embolia en lugar de un derrame, impidió que fuera atendido adecuada y oportunamente. Su estado se agravó el martes 30 y, ante nuestra desesperación y la de miles de admiradores, falleció el miércoles, 1º de julio, a las 6.50 horas. Fue trasladado a la ciudad de México, en un avión especial, y sus restos ahora descansan en el Panteón Florido, en el lote de la ANDA. No existen antecedentes de algún padecimiento o enfermedad que haya tenido el tenor. Según comentarios de los críticos, los grandes mueren así, y los cantantes, en general, son propensos a las enfermedades cardiovasculares.” A pocas semanas de su deceso, llegó el anhelado contrato para debutar en España. Tan repentina muerte truncó otro de los sueños del tenor. Pocos cantantes mexicanos han llegado a triunfar al otro lado del océano y Urcelay tenía todo para sumarse a los nombres de José Mojica y Jorge Negrete. Sin embargo un error humano provocó la pérdida irreparable de un artista que apenas comenzaba a proyectarse hacia imposibles y ansiados continentes. A casi 45 años de su desaparición física, las mejores interpretaciones de Nicolás Urcelay ya forman parte de la colección "Serie del recuerdo", que lanzó al mercado la compañía Sony Music. Esta selección incluye a 100 intérpretes de la memoria musical de Hispanoamérica, entre los que destaca el "Caruso del Mayab" con seis discos compactos, réplicas de los siete discos de larga duración originales que el tenor grabó, desde 1953 hasta su muerte, y que, gracias a la tecnología digital, pueden escucharse en un sonido excelente. Estas grabaciones, que quedaron para la posteridad, permiten apreciar ampliamente al tenor en plenitud de facultades vocales y en posesión de un estilo interpretativo sin par en la historia de la lírica popular mexicana. De su repertorio, destacan “La Flor de la Canela” (Chabuca Granda), canción peruana, que Nicolás se encargó de dar a conocer en México; “No Niegues que me Quisiste” (Jorge del Moral); “Rosa la China” (Ernesto Lecuona), una especie de “María La O”, que también exige agudos formidables; “Princesita” (Castro Padilla), que en los años 20’s interpretó el tenor italiano Tito Schipa; y “Vanidad” (Armando González Malibrán). Nicolás también se distinguió por ser uno de los grandes intérpretes de la compositora mexicana María Grever. Su nombre puede sumarse al de José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado, Néstor Mesta Chayres y Libertad Lamarque. Sobra decir que temas como “Lamento Gitano”, “Así”, “Cuando me vaya”, “Cuando vuelva a tu lado”, “Ya no me quieres”, “Volveré”, “Todo por ti”, “Devuélveme mis besos” y “Alma mía”, tal vez no hayan encontrado un intérprete más idóneo que el “Caruso del Mayab”.También se distinguió por abordar, con inigualable maestría, la suite española de Agustín Lara. Sus interpretaciones de “Granada”, “Toledo”, “Cuerdas de mi guitarra” y “Españolerías”, son un fiel reflejo del nivel interpretativo alcanzado por el tenor en sus últimos años de actividad artística. Entre las últimas interpretaciones de Urcelay, donde es acompañado por la Orquesta de Enrico Cabiatti, sobresalen: “Ojos Tapatíos” (Fernando Méndez V.), “Ay, ay, ay” (Carmen Pérez Freyre), “Nocturnal” (J. Sabre Marroquin / J. Mojica) y “El Torrente” (L. Carmi / C.A. Limón / G. Jiménez). Llaman la atención un par de piezas italianas, tales como “Luna Rosa” (Di Vian / De Crescenzo) y “Buendía Tristeza” (M. Ruccione / A. Martínez), que es una versión en español de “Buongiorno tristezza”, tema con el que el italiano Claudio Villa se proclamó triunfador del Festival de San Remo de 1958. A pesar de tener una trayectoria artística relativamente breve, Nicolás Urcelay llega a nosotros como uno de los más excelsos y versátiles tenores mexicanos del siglo XX. Es también uno de los pocos cantantes que mantiene una asombrosa homogeneidad en cuanto a estilo interpretativo, condiciones vocales y calidad musical. En consecuencia, mantiene un nivel de excelencia en cada una de sus interpretaciones, siendo él también un cantante de una sola pieza, que exploró un amplio repertorio siempre acorde a las posibilidades de su voz y a su tesitura. Podemos concluir que fue un artista serio e íntegro, cuya pasión por el canto fue descubierta tardíamente y que la muerte se encargó de extinguir en plena madurez interpretativa. No obstante, la mayoría de sus grabaciones deben considerarse, hoy por hoy, piezas clásicas del repertorio lírico latinoamericano. Cada una de ellas contribuye a engrandecer, cada vez más, la figura del noble embajador lírico de la península de Yucatán: Nicolás Urcelay “El Caruso del Mayab”. Fuente: Rodolfo Pèrez Rosales: http://nicolasurcelay.com/intro.htm Gracias a solitariodark por todos los videos del gran tenor NICOLAS URCELAY

recuerdo que en casa habian muchos vinilos y cassettes, incluso vinilos de vitrola creo, una colección de musica claseca que pesaba tanto como la rueda de una carreta, eran unos discos de acero con revestimiento de vinilo. luego pasamos a las cintas, recuerdo que mi primera cinta me la regalo uno de mis tios, era el primer cassette de rick astley (never gona give you are), me parece que estaba como en septimo u octavo, fue un invierno y estaba muy enfermo y me lo llevo para entretenerme un rato. con el pasar del tiempo y al entrar al liceo descubri nueva musica que se acomodaba mas a mi estilo, por un lado era el punk y por otro el pop alternativo, con algunos compañeros eramos tachados de satanicos, demoniacos, hijos de belsebu y quien sabe que otras cosas mas pasaban por la mente de esas personas, por el solo hecho de escuchar algo distinto o cortarnos el pelo de forma distinta, fue una buena epoca en la cual comence a introducirme en la industria, poco a poco...

ya al salir del liceo, industrial por sobre todas las cosas, pense que eso llegaria hasta ahi y seguiria mi vida como una persona mas, pero el interes por la música cada dia crecia mas y me hacia conocer gente que trabajaba en el medio, asi conocia 2cv6, arteknnia, miradas & doncellas y muchos mas, todos ellos trabajaban con hector aguirre, quie era un entusiasta igual que yo en ese momento, el venia ya de trabajar con varios grupos, uno de sus mejores amigos , el pancho ya era dueño de uno de los mas afamados sellos nacionales de musica metalera, toxic records, por lo que nuestra cercania a ese medio nos permitio poner en marcha el sello crisis, eso era en el año 95, aun existian los cassettes y recien comenzaban aaparecer los primeros cds, que era un lujo tener uno en esos momentos.

aun tengo unas cuantas cajas de cds guardadas, con mi musica favorita, cada vez que me los topo me recuerdan de donde vengo y hacia donde quiero ir.

mi primer cd fue de lo mas house, un amigo trabajaba en la feria del disco y el me dijo este cd esta de lo mas barato y esta piola, asi que como todo curioso lo compre, y era bastante entretenido, era del grupo T99, que paso con ellos?? ni idea, pero deben seguir haciendo musica electronica por su cuenta, demas que tengo algo de alguno de sus integrantes.

las casualidadss de la vida me llevaron a seguir ligado a la musica, ya como diseñador y fotografo, mas que con el trabajo en producción, luego de un ir y venir de cosas pronto apareceria por alla por el 97 o 98 los primeros mp3, ahi comenzo la revolución, de a poco, lenta pero segura, esa misma que ahora desvalora todo, encarece los costos de producción y se recibe la nada por el trabajo que se realiza, internet libero las cosas, aunque creo mas bien que aca se a enfocado mal, el tema cultural siempre esta presente, y en nuestra cultura esta presente el no respetar al otro, no respetar su privacidad, su vida, su trabajo y sus logros.

es dificil hacer las cosas, pero no imposible, creo que hay que culturizar a la gente, enseñarle a que pueden ver las cosas desde otro punto de vista, a que con trabajo se reciben buenas recompensas, pero cuando haces bien el trabajo, si lo haces mal, son mas los problemas los que se avecinan, nadie es perfecto y a todos nos pasa, pero siempre hay que tratar de hacer las cosas pensando de la forma más positiva posible.

ahora ha llegado el momento de comenza a ordenar nuestra casa, mi casa, mis ideas, mis sueños y mis ambiciones, una vez la mamá de una amiga me dijo que yo era una persona muy peligrosa, por que tenia ideales, al parecer no toda la gente los tiene y muchas de ellas ven como un peligro que uno los tenga, la gente siempr dice muchas webadas, no hay que hacer tanto caso de ello, es mejor seguir tu propio raciocionio, tener buenas premoniciones, un buen ojo, hacer bien las cosas y contar con algo de suerte, pero como dice un amigo, la plata llama a la plata, pero si uno se descuida los problemas tambien llaman a mas problemas.

ya se acercan mis vacaciones y espero poder aclarar mejor mis ideas, para que a la vuelta pueda trabajar en nuevos cambios que espero nos ayuden a pasar el vendaval y salir a flote lo mejor posible, es mas llegar a puerto y volver a zarpar con un mejor barco.

anoche, una amiga me decia que debia amar para ser amado, mi duda es si es amar a los demas o partir amandome a mi mismo ya las cosas que hago...

hace ya casi un año comenzaba una nueva travesia, esta vez de visita a inglaterra, tengo muy buenos recuerdos de ese viaje, en bath con la karen, Mark, Loreto, Sian; en Londres con el Ervo, Ami, Colomba y Manuel y en liverpool con la Violeta y Mac.

es bueno viajar, te abre la mente, te da buenos recuerdos y te da buenos amigos.

necesito un aviaje ahora ya!

como dice la jefa

Ahora!!

Rapidshare: Meat Beat Manifesto - Autoimmune

Ahora que hemos podido escuchar este disco, titulado 'Pain Language', estamos ligeramente decepcionados. No es un mal trabajo, ni mucho menos, tiene un olor a old school impresionante, pero esperábamos más, un sonido más fresco y sonidos más armoniosos.

Planet Asia sigue conservando su gran estilo y un fraseo duro, es decir, las cualidades que le han hecho triunfar. Algunos de los beats de Dj Mugs, en cambio, suenan demasiado monótonos. A veces, más que estilo old school, huele a pasado. Quizá quisieron dar ese toque de viejo al disco, pero los resultados no han sido todo lo óptimos que esperábamos.

En este enlace podéis descargar 'Pain Language'.

Vía | BlackMusicLovers

Meu pai deixou uma quantidade, de qualidade, dos tais LPs. Tínhamos uma radiola grande, grande mesmo. Não sei o destino que teve. Mas os vinis estão guardados.

Depois de rememorar esses fatos justifico por que falar sobre isso. Li na Carta Capital sobre o novo fôlego dos discos de vinil. Ganharam (ou mantiveram) espaço, primeiro por conta dos DJs. Uma implementação aqui, outra acolá, cria-se um meio mais moderno para o uso das "bolachas", e voilá! O público os redescobre.

...

Na casa de minha avó, tem um toca-disco. Vez por outra vou atrás do legado musical de meu pai. Há todo um charme em ouvir um rangir da "agulha", medir a faixa pretendida, botões, alavancas, um chiado ao fundo. Pra muitos, imagino, é pura canseira. Não pra mim! A sala é enorme e as paredes são todas recobertas de pedras, melhora a impressão auditiva...

Quem ouve um um bom disco de vinil sabe que o som é diferente, não é pior, é especial, tem mais alma. Percebe-se as respirações, oscilações, músicos falhos, mas nem por isso pouco brilhantes. São LPs antigos, os que herdei. Tem muito de Chico, Vinícius, Toquinho, muita moda, e outras coisas.

Era um jeito diferente de gravar, jeito acústico de fazer música, coisa que gosto - melhor, prefiro.

Se vai vingar ou não a venda de discos novos modelo "bolachão", eu não sei. Sei que a minha geração é a do meio disso tudo. Nem toda analógica, nem toda digital. Peguei os finais de quando se tinha mais de gente que de máquina ou tecnologia. Sei que, o mais carregado de esforço humano para execução, me fascina. Não pelo esfoço, mas pelo resultado - parece exalar mais cheiro de gente. Talvez por ter absorvido mais suor. Hoje cantar é fácil, gravar é mais facil ainda. Tem recurso pra tudo... 

Mas viva os recursos! Viva a tecnologia! E Viva, também, a coleção que meu pai deixou! E minha avó, que tem um toca-disco, coisa rara de se encontrar hoje em dia.

No mais, é música! Mas eu que adoro charme, quase tanto quanto adoro beijos, reafirmo aqui meu apreço pelos discos de vinil. Charmosos, jamais ultrapassados! Na minha opinião, claro...

Quiero empezar esta sección con el primer disco progresivo que adquirí y escuché completamente. Y que no disfruté en todo su esplendor sino hasta la 3era vez que viajé entre sus tracks (algo muy común en este tipo de música), pues el talento de los integrantes de la banda se lucen en temas individuales y se integran con maestría en los temas mas recordados del disco, llegandose a convertir en clásicos del género. Sin duda una de las grandes creaciones musicales del progresivo. No se si Fragile sea el disco idóneo para que alguien nuevo incursione en el género. Aunque yo lo hice, y ahora tengo un blog dedicado a esto.

Disfrútenlo: 

Fragile 

1. "Roundabout" (Jon Anderson/Steve Howe) - 8:33
2. "Cans And Brahms" (Johannes Brahms, Arr. Rick Wakeman)- 1:38
3. "We Have Heaven" (Jon Anderson) - 1:40
4. "South Side Of The Sky" (Jon Anderson/Chris Squire) - 7:58
5. "Five Per Cent For Nothing" (Bill Bruford) - 0:35
6. "Long Distance Runaround" (Jon Anderson) - 3:30
7. "The Fish (Schindleria Praematurus)" (Chris Squire) - 2:39
8. "Mood For A Day" (Steve Howe) - 3:00
9. "Heart Of The Sunrise" (Jon Anderson/Chris Squire/Bill Bruford) - 11:27

Para descargar el disco hacer click aquí

PD: Los acordes del disco están en Yes- Fragile (Guitar Tab Edition)

MARINERO DE LUCES

María Isabel Pantoja Martín, o solo Isabel Pantoja , como se le conoce artísticamente, nació el 2 de agosto de 1956 en el barrio sevillano de Triana, en Andalucía, España. Hija de Juan Pantoja, letrista de fandangos perteneciente al grupo Los Gaditanos y de Ana Martín heredera de la pasión del baile, y hermana del también cantante Agustín Pantoja. Isabel comenzó su carrera musical a la temprana edad de 6 años en el cuadro flamenco de su primo Chiquetete. De niña recibía el nombre de Maribel. Un año después de comenzar a bailar con Chiquetete es contratada en el tablao flamenco sevillano de El embrujo donde llegaría, en poco tiempo, a ser la primera figura. Con 17 años acude a la capital de España y conoce al que con el tiempo sería su gran maestro y uno de los máximos exponentes de la copla española, el Maestro Solano, quien junto al poeta y letrista Rafael León componen sus primeros trabajos discográficos. León y Solano encontraron en ella a la heredera de figuras como Imperio Argentina, Juanita Reina o Concha Piquer y decidieron apostar por unas facultades que se encargaron de pulir hasta convertirla en una primera figura.

ERA MI VIDA EL

Sus discos más representativos en esta primera etapa son "22 abriles tengo", "Al alimón" y uno compuesto íntegramente por sevillanas titulado "¡Viva Triana!" en el que demuestra su versatilidad en el género. Isabel no tarda en formar compañía propia y durante años cultiva con gran éxito la copla, género en decadencia en aquel momento y cuyo interés en el público consigue resucitar gracias no sólo a su talento sino también a su frescura y a una elegancia inusual a la hora de abordarlo. En esta época alcanza el éxito con temas como "El pájaro verde", "Garlochí" o "El señorito". En 1983 sale a la luz su primer álbum pop: "Cambiar por ti", compuesto por Paco Cepero y que con temas como "En la niebla" o "Nada", además del que daba título al disco, alcanza un éxito formidable logrando diversificar su público.

HOY QUIERO CONFESARME

Desde ese momento ha alternado baladas y canciones románticas con la copla, género que jamás ha abandonado y donde demuestra todo su potencial artístico. Uno de sus mayores éxitos discográficos lo alcanza en 1985 con el disco "Marinero de luces" compuesto íntegramente por José Luis Perales y que la convierte en la primera figura de la canción española. En esta época el nombre de Isabel Pantoja comienza a ser sinónimo de éxito y triunfo consiguiendo llenar cualquier aforo y logrando una cantidad de admiradores sencillamente impresionante. Su segundo gran éxito musical lo consigue con el disco "Se me enamora el alma" (1989), también compuesto por José Luis Perales y que sirve como confirmación tanto de su categoría como cantante como de su tirón popular´.

HAZME TUYA UNA VE Z MAS

En vistas del éxito, en 1990 protagoniza la película Yo soy esa, dirigida por Luis Sanz, gran conocedor del mundo del espectáculo en general y de la copla en particular y que había influido decisivamente en la carrera artística de figuras como Rocío Durcal y Rocío Jurado. El éxito del film, lo coloca entre las películas más taquilleras de toda la historia del cine español. Todas las canciones, grandes éxitos de la copla de sus antecesoras, fueron recogidas junto a algunas otras en un doble álbum titulado "La Canción Española" que Isabel grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres dirigida por Luis Cobos. Es éste sin duda uno de sus mejores trabajos discográficos y sirvió para consagrarla como la tonadillera moderna por antonomasia. Un año después repite en el cine con El día que nací yo dirigida esta vez por Pedro Olea en una película de mayor calidad y gran aceptación también, aunque no logra alcanzar el éxito de la anterior.

SE ME ENAMORA EL ALMA

Con una producción discográfica muy amplia realiza numerosas galas por España y Latinoamérica siendo siempre muy bien recibida por el publico. En abril de 2005, el dúo Pumpin` Dolls produce un disco que consiste en remezclas de baile de los temas más famosos de la cantante. Canciones como "Marinero de luces", "Caballo de rejoneo", "Así fue" o "Veneno" forman parte de la reciente historia de la copla española. Isabel Pantoja fue detenida el 2 de mayo de 2007 a las 23:00 horas, en el marco del Caso Malaya, acusada de varios delitos contra la hacienda pública y de blanqueos de capitales. La gran mayoría de medios se hicieron eco de la noticia nada más conocerse, ofreciendo incluso avances informativos. A las 9:50 del día siguiente, Isabel Pantoja fue conducida a los juzgados de Marbella, donde 3 horas más tarde empezó a prestar declaración delante del juez Torres.

ERES UNA MENTIRA

Es la detenida número 98 en relación al citado Caso Malaya, a la que se vincula por su relación sentimental con el ex alcalde de Marbella, Julián Muñoz. Quedó libre el 3 de mayo de 2007 tras pagar una fianza de 90.000 euros. Fuente: Wikipedia. Otra semblanza biográfica nos relata: El 2 de agosto de 1956 nacía en Triana, de la sinigual Sevilla, España, una preciosa niña que años más tarde iba a convertirse en toda una figura del mundo de la copla: la tonadillera Isabel Pantoja. Pero de pequeña era conocida más bien como Maribel. Su padre, Juan Pantoja, era letrista de fandangos. El matrimonio y sus cuatro hijos (Bernardo, Maribel, Juan y Agustín) pasaron por grandes dificultades económicas. Pero la pequeña Maribel no paraba de imitar a su madre, en el baile y en el cante. Su carrera artística comenzó con tan solo siete años, a pesar de que su padre, Juan Pantoja, nunca quiso que su hija Maribel, como era conocida cariñosamente entre sus familiares y amigos, fuera artista.

ESE BOLERO

Pero la verdad es que Maribel llevaba el arte en las venas desde que nació y no dejaba de imitar a su madre, Ana Martín, que era una bailaora perteneciente al elenco de Juana Reina. Cuando la veía bailar y cantar, a Isabel se le empezaban a mover los dedos de los pies. La suya era una familia humilde y trabajadora y la suya era una verdadera vocación. A los siete años pisó por primera vez un escenario. Fue en el teatro sevillano de San Fernando, donde actuaba su padre. Como le tiraban más el baile y el cante que los estudios, abandonó la escuela a la edad de 14 años. 1969 sería un año decisivo en la vida de Isabel. Fue en esta fecha cuando fue a Palma de Mallorca a pasar unas vacaciones con su abuelo. El abuelo de Isabel, 'El Pipono de Jerez', un cantaor gitano, intermedió para que Isabel fuera contratada en el cuadro flamenco familiar. Poco después y todavía en Mallorca, Isabel participó en el disco de su primo Antonio Cortés, más conocido como ‘Chiquetete’. Sin embargo entonces atraía más bailar que cantar a Isabel.

BUENOS DIAS TRISTEZA

Ser una gran bailaora era su sueño. Y puso todo su empeño para conseguirlo, preparación y constancia. Como todo tiene un precio, pronto se acabaron los juegos infantiles para ella. Tocaba trabajar duro. Cuando se acabó el contrato de Palma, el grupo al que ya había pasado a formar parte Isabel retorna a Sevilla. De la mano del empresario Baldomero Negron, que recomienda a la artista al compositor Juan Solano y al compositor Rafael León, Isabel empieza a trabajar en el tablao ‘El embrujo’, situado en un pueblo cercano a la capital sevillana, tocando palmas y bailando por 250 pesetas al día. Quien cantaba era su primo Antonio. Nuestra protagonista va conociendo cada vez a más gente, incluso a Concha Márquez Piquer, y haciéndose un hueco dentro del mundo del espectáculo.

PROCURO OLVIDARTE

Pero los inicios de Isabel Pantoja no han sido fáciles. Vivía con su madre en una modesta pensión de Madrid mientras su padre se hallaba en ‘Sevilla’, trabajando en un tablao llamado ‘El Corral de la Morería', al que medio Hollywood acudía. Allí terminó bailando Isabel gracias a su padre. Un buen día pidieron a Maribel que cantara en la academia del maestro Solano. Él la acompañó al piano al tiempo que ella cantaba, y desde entonces Solano, deslumbrado por su avezada alumna, lo dejó todo, incluso a Rocío Jurado, para componer para la brillante joven de Triana. Uno de los golpes más duros en la vida de Isabel fue la muerte de su padre, a los 52 años y en su amada Sevilla. Juan Pantoja no vio triunfar a su hija, pero intuía su éxito. Isabel se entregó aún más si cabe a trabajar día y noche. 1974 es el año es que tiene lugar su despegue discográfico, aunque es cierto que en 1970 ya participó en el disco de su primo. Había nacido una estrella que en breve se iba a enamorar de otra importante figura, aunque en esta ocasión, del mundo del toreo.

SI TE RECUERDO

Eran las fiestas de Jerez de la Frontera. Allí se encontraba Isabel; tras asistir a una corrida de toros, el reportero gráfico Manuel Gallardo animó a la cantante a felicitar a Francisco Rivera Paquirri, en el hotel donde se hospedaba. Dicen que hubo 'flechazo' en el breve encuentro. El enlace, calificado como ‘boda del año’ por la prensa, tuvo lugar en la Iglesia del Jesús del Gran Poder de Sevilla, el 30 de abril de 1983, ante la atenta mirada de miles de sevillanos. Para él era su segundo matrimonio (antes había estado casado con Carmen Ordóñez); para ella, el primero. Pasan la luna de miel en el Hotel de Sevilla Alfonso XIII y eligen Italia para pasar su luna de miel. En el verano de 1983, la Pantoja inicia una gira por toda España. Tenía tanto ajetreo que sólo veía a su marido si sus trabajos coincidían en algún punto de la geografía española. Donde sí que no coincidían era en la plaza de toros, a donde la cantante no iba. Justo a los nueve meses y diez días del matrimonio entre la tonadillera y el matador de toros, el 9 de febrero de 1984 y en la Clínica de Fátima, de Sevilla, nace Francisco José, un bebé de tres kilos que les colmaría de felicidad. P

QUE TAL TE VA SIN MI

ese a su embarazo, la artista no dejó las actuaciones hasta el otoño. Era el primer hijo de Isabel y el tercero de Paquirri (que tuvo a Francisco y Cayetano con la Ordóñez). Cuando más disfrutaban de su matrimonio, quiso el destino jugar una mala pasada a la famosa pareja. El 26 de septiembre del año en que nace ‘Paquirrín’, y justo en la que la última corrida de la temporada de Paquirri en España (ya había hecho planes con Isabel para irse al día siguiente a Venezuela), el toro Avispado sesgó la vida del valiente diestro en la Plaza de Pozoblanco. La entereza del matador de toros, pidiendo tranquilidad al cirujano, dio la vuelta al mundo. No pudo llegar al hospital de Córdoba. Cuando Isabel se enteró del triste suceso, su vida se tiñó de negro, de dolor y tinieblas, en todos los sentidos.

RECORDANDOTE

No quiso la cantante volver a cantar ni a hablar con los medios hasta un año después. Sería en otoño de 1985, empujada por los suyos, cuando concede su primera entrevista después de un año de silencio y cuando presenta el trabajo 'Marinero de luces', compuesto por José Luis Perales y dedicado por entero a la memoria de su marido. Estos desgarradores temas venden un millón de copias. En diciembre presenta sus canciones en el Teatro Lope de Vega, de Madrid, a beneficio de la Fundación Reina Sofía, y los Reyes don Juan Carlos y doña Sofía reciben en audiencia privada a Isabel Pantoja en el Palacio de la Zarzuela. En 1990 se produce su incursión en el mundo del cine, del brazo de la productora del cantante asturiano Víctor Manuel, con 'Yo soy esa'. José Coronado es su pareja en esta taquillera película. En 'La canción española', disco dirigido por Luis Cobos y que cuenta con la inestimable colaboración de la Royal Philarmonic Orchestra, aparecen muchas de las canciones del film.

SI TU ME DICES VEN

En la primavera de 1991, Isabel comparte protagonismo con Arturo Fernández en 'El día que nací yo'. Especialmente en esta película se aprecian las dotes interpretativas de la Pantoja. Después de esta incursión en el cine, Isabel protagoniza especiales como Al Rocio, Recuerdos en el Mar, y con el galán latinoamericano Osvaldo Ríos, actor de telenovelas como Kassandra, trabaja en 1995 en el espacio de Antena 3 llamado 'Entre dos amores'. Por lo que a amores se refiere, Isabel siempre se ha mostrado muy discreta. Aunque se le ha relacionado con la mayoría de los actores con los que ha trabajado, como Osvaldo Ríos o Máximo Valverde, lo cierto que su gran amor ha sido hasta el momento Paquirri. Y entre sus amigas, cabe destacar a otras dos cantantes: Mª del Monte y Lolita. Para nuestra artista, su madre siempre ha sido su mejor apoyo. Después de la muerte de su marido, Isabel se volcó en su hijo y en su trabajo. Años más tarde, en 1996, adoptaría a una pequeña nacida en Perú, una niña morenita preciosa, que tiene muchísima gracia a la hora de cantar y baila, al igual que Isabel. Con su famosa mamá ya ha compartido escenario en alguna ocasión. Todo apunta a que si sigue así, la pequeña se convertirá en toda una estrella.

AQUI EN MI CORAZON

Más allá de la copla, Isabel Pantoja es un personaje que ha cautivado a todo el mundo gracias a su sencillez, simpatía y, sobre todo a su entereza. Porque la cantante sufrió el varapalo más fuerte que se puede recibir en la vida: la muerte de su marido, el torero Francisco Rivera Paquirri a consecuencia de una espeluznante cornada cuyas imágenes dieron la vuelta al planeta. Isabel, que se quedó viuda con 27 años, sostiene que todo el mundo tiene derecho a ser feliz. Y que ella ha sido feliz y también infeliz, aunque no desgraciada porque muchas personas lo pasan peor. Por eso da gracias a Dios. Isabel lloró amargamente la desaparición de su esposo y atravesó los momentos más difíciles de su vida. En una ocasión, confesó, incluso, que había pensado en suicidarse. Aún echa de menos a Francisco Rivera: "Lo tengo aún dentro y le eché mucho de menos. Yo no comparo, pero esto es un obstáculo". Sin embargo, con el paso del tiempo, fue superándolo. "Ahora lo tengo todo para ser feliz", dijo a finales de la década de los noventa. Y lo cierto es que Isabel Pantoja tiene en sus dos hijos, Francisco e Isabel, a la que adoptó en Perú, el mejor apoyo para su felicidad. Una de las cosas que a Isabel también le duele es no haber podido parir a Chavelita, "sentirla dentro".

CAPOTE DE GRANA Y ORO

Ella es la persona que ha dado la luz que le faltaba a la vida de Isabel Pantoja. Encima a la peque le gusta el flamenco y la Niña Pastori. En 1999, Isabel tiene el honor de tener una Plaza con su nombre en el pueblo malagueño de Fuengirola, donde tiene un piso. Y dos años después abre un restaurante, llamado Cantora, como su finca de Cádiz. Por otra parte, durante estos años se le han atribuido romances con distintos hombres pero todos han sido desmentidos. En el año 2000 se le atribuyó una relación amorosa con Diego Gómez, con quien la tonadillera se empeñó durante mucho tiempo en decir sólo le unía una bonita relación de amistad. En 2003 la pareja -en noviembre de 2000 se confirmó el romance- puso fin a su relación. En todo estos años de amores y desamores, siempre ha estado trabajando y haciendo proyectos, como hacer de presentadora en un programa muy exitoso de tve1, presentado con José Manuel Parada: "Amigos en la Noche", ser madrina de Radiole, editar un libro de recetas de cocina: RECETAS CON ARTE, que tuvo mucho éxito, como cada disco que lanza al mercado.

DE NADIE

El 9 de marzo 2002 le otorgan a María Isabel Pantoja Martín la Medalla de Andalucía. Doña María Isabel Pantoja Martín, natural de Sevilla, pertenece a una numerosa y conocida saga de artistas, y constituye uno de los exponentes más representativos de la canción andaluza, del protagonismo que ésta ha alcanzado en el panorama nacional e internacional y de la fidelidad de un pueblo a sus manifestaciones más apreciadas. Esta artista sevillana pasea con orgullo el nombre de Andalucía por todo el mundo. Aficionados de cinco continentes han tenido oportunidad de disfrutar de su poderosa voz y de su indiscutible personalidad, capaz de trasladar a los escenarios toda la magia, el embrujo y la pasión de nuestra tierra. Desde su temprana aparición, con tan sólo siete años, en el histórico Teatro San Fernando de su ciudad natal, ha desarrollado sus grandes dotes naturales con una constante voluntad de mejora, que le han llevado a su consagración como figura de la canción en solitario. La carrera profesional de Isabel Pantoja es la partitura de una melodía destinada a triunfar, y cuyas claves radican en la modulación de una herencia folklórica y musical, enriquecida por sus cualidades interpretativas y su espíritu innovador. Millones de discos vendidos e innumerables premios, procedentes de todas las latitudes, muestran el favor y el cariño del público y ratifican con absoluta claridad el éxito y el renombre alcanzado por esta singular intérprete. Y unos meses mas tarde el 24 de Julio del mismo año, le ponen una placa en la calle y casa donde nació. En el barrio del Tardon en Triana.

A MI MANERA

Después de un par de años con Diego Gómez, Isabel se enamora nuevamente del ex-alcalde de la localidad malagueña de Marbella, Julián Muñoz, en un Rocío y con el que actualmente sigue enamorada. Tienen un arte que no se puede aguantar y se comen el escenario. El público enmudece al verlas y oírlas. No es para menos. Concretamente el personaje que hoy nos ocupa aúna en sus trabajos coplas del ayer con baladas de hoy, y se arranca por bulerías, sevillanas o fandangos con mucho poderío. Isabel es una mujer que como nadie ha vivido momentos de brillo y de sombra. A día de hoy está ilusionada, con dos hijos y una profesión que pesa mucho, según ella misma reconoce: "Profesionalmente, estoy en un momento muy importante. Hace poco la tonadillera ha recibido el reconocimiento a toda su trayectoria profesional en forma de 40 discos de platino. El fruto de toda una vida sobre el escenario que ha recibido, paradójicamente, con frialdad, incluso con amargura. Dedicó los 40 discos de platino "a todo ese público que admira y quiere a Isabel Pantoja, porque se lo debo a ellos, porque sin ellos no hubiera conseguido ni regaliz" y dijo que el "tesón" de sus fans ha sido para ella crucial en este tiempo, porque ellos han conseguido que todos los ataques que haya podido recibir de otros sectores hayan tenido un efecto "boomerang".
Personalmente, me siento mucho más madura, serena y tranquila. Y sabiendo realmente lo que quiero", asegura. Fuente: http://biografiaisabelp.blogcindario.com/

AMOR ETERNO

]]> http://palaciodaventura.wordpress.com/?p=103 Tue, 02 Sep 2008 18:34:22 +0000 R. Mutt http://palaciodaventura.wordpress.com/?p=103 Sobre eles, Adolfo Luxúria Canibal disse: "Esqueçam o fado como Amália o popularizou e é macaqueado de Portugal ao Japão: o novo fado do século XXI é peixe : avião!..."

e

"...Há muito – demasiado – tempo que não somos surpreendidos por uma obra musical. Nada de espantar, porquanto os milagres e o sublime só acontecem muito raramente… Mas quando temos o privilégio de viver um momento desses, como é o caso com a audição de “40 . 02” de peixe : avião, só podemos regozijar-nos e espalhar a boa nova pelos quatro cantos da terra." 

Eles dizem:

"Olá,
durante esta semana o nosso primeiro album estará online para audição na página de myspace. 

O disco será editado comercialmente a 15 de setembro, contudo já estará à venda no concerto de apresentação a 13 de setembro no Theatro Circo em Braga.

Quem quiser efectuar uma pré-reserva do disco pode faze-lo através do site da rastilho (http://www.rastilho.com/principal.htm) . Nestes casos o disco será enviado por correio a 9 de setembro.

Esperamos que gostem!

beijos e abraços
peixe : avião .. ...."

Obrigado pela prenda rapazes.

Otro más reciente ha sido el caso de Jeff Mills y su intento con la Montpelier Philarmonic Orchestra que recogió en su disco Blue Potential. Desde mi punto de vista, Mills deja algunas cosas interesantes. La primera es su fallido éxito de meter con calzador una base techno con música clásica, aunque de corte contemporáneo de temas que no fueron compuestos para esos menesteres. La segunda es que hay un par de cortes que sí parecen compuestos para la ocasión, en el que cada cuerda de instrumentos desempeñan el trabajo de samples creados con sintetizadores; y aunque no son lo mejor del mundo, al menos entretienen bastante como rareza. Este es el caso del siguiente tema:

Por último me parece justo mostrar a uno de los que más éxito han tenido en esto de unir ambos géneros, Ryuichi Sakamoto. A fuerza de deconstruir la música clásica de piano y reducirla a una expresión mínima como ya mostró Satiè ha conseguido componer una música con identidad propia, quedándose con elementos de ambos géneros y despreciando los ritmos repetitivos y las armonías y melodías clásicas. El mejor ejemplo de sus trabajos actuales son los discos con Alva Noto:

Quizás este último es el mejor ejemplo de por donde ha ido últimamente esta nueva forma de conjugar la música clásica con la electrónica. Pero hay una nueva forma de entender esta unión en lo que se denomina neoclásica y que está a medias de estos tres ejemplos. No sé tampoco en qué momento surge este fenómeno pero da la sensación que vienen propiciado por la aparición del nuevo jazz vanguardista a cargo de compositores nórdicos (jazz muy melódico y expresivo, como el de Tord Gustavsen) y la incorporación a veces de sintetizadores para generar una buena atmósfera (como Lars Danielsson en Melange Bleu). No lo sé. Simplemente es una apreciación mía, que no tiene porqué ser así.

El caso es que en estos últimos años han aparecido compositores (muchos de ellos con sus estudios de conservatorio cursados) que han decidido encauzar su creatividad con la ayuda de las nuevas tecnologías. Así, con unas cuantas librerías orquestales y un conjunto de plugins consiguen hacer temas no muy complejos desde el punto de vista musical, pero dotados de una gran labor creativa a base de incorporar distintos sonidos o efectos que con instrumentos tradicionales sería imposible de conseguir. Los resultados suelen ser asombrosos, con un gran toque cinemático y hasta emotivo en sus composiciones. Para ser precisos, digamos que consiguen crear una mezcla entre música ambient y clásica contemporánea que últimamente está consiguiendo desplazar a la primera.

Bersarin Quartett es un alemán que con la ayuda de su ordenador ha conseguido hacer un gran trabajo en su primer disco, donde se atreve a darle un carácter casi post-rock a sus temas, llegando incluso a incorporar ritmos IDM atrevidos en algunos de los cortes. El resultado en general es brillante, con una calidez que a veces parece que de verdad haya sido grabado el tema con un instrumento musical real, en claro contraste con la frialdad de Marsen Jules. Os aconsejo que lo escuchéis.

Rapidshare: Bersarin Quartett - Bersarin Quartett

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