Una cinta autobiográfica en dos sentidos, por un lado en el sentido más literal, llena de recuerdos, lugares, vivencias y experiencias del propio cineasta vertidas en la cinta (recordemos su turbio pasado en su adolescencia) y por otro lado como cineasta, como si fuera un Xiao Wu (metáfora del cine clandestino) frente a ese mundo capitalista que no comprende y no alcanza (metáfora de la cinematografía oficial y opulenta).

"Xiao Wu" narra las desventuras de un carterista homónimo de Fenyang que no encuentra su lugar en el mundo, inadaptado a unas mutaciones que discurren a una velocidad inalcanzable e incomprensible para él y que se arrastra y vagabundea por las calles ahogado en la tristeza y la extrañeza. Un personaje sin futuro, aferrado a sus orígenes[2] y que no parece progresar o adaptarse a las nuevas situaciones como algunos de sus ex-compañeros de negocio.

Jia Zhang-Ke, como Bresson en "Pickpocket" (1959), nos presenta primero sus manos (su arma) para luego presentar su cuerpo. También durante el hurto inicial (todo un guiño a la cinta francesa) parece que estemos viendo a Martin Lasalle cometer uno de esos robos tan característicos y sigilosos. Una cinta de mucha fisicidad y con unos planos secuencia larguísimos en donde parece que sigamos desde atrás al carterista, como si la cámara documentara y recogiera una historia plenamente verídica sin ficción alguna.

Hay numerosos puntos en común entre "Xiao Wu" y "Pickpocket". A parte de los comentados, ambos personajes parecen encerrados en su mundo, buscan su lugar intentando sobrevivir y ambos acabaran de igual manera: apresados y con relaciones amorosas imposibles. Pero mientras en la cinta de Bresson, el carterista realiza su "trabajo" por creerse superior y querer sentir ese riesgo en la vida a costa de todo, Xiao Wu, es un personaje menos psicológico y más anti-héroe si cabe, mucho menos perfecto y más a la deriva. Sería como un aprendiz de aquel Michel de la cinta francesa.

Xiao Wu es un artesano del robo y cabeza de un grupo de ladrones a los que explota y no aprecia, pero a la vez es un chico solitario, inseguro, enamoradizo y un hijo rebelde dentro de una familia rural. Dependiendo del contexto y del entorno adoptará una de esas identidades distinta. El personaje también representa a toda una generación con una identidad elusiva y espectadores de un cambio incesante.

Como apunta Kevin Lee en su artículo sobre el cineasta chino para la website Senses of Cinema, "Jia asume su identidad de alter ego (Xiao Wu en pantalla) para "robar" estilos cinematográficos de otros realizadores como Bresson, Godard o De Sica". En la cinta podemos ver referencias a films como "Al final de la escapada" (1960), de Jean-Luc Godard (en su final), "Ladrón de bicicletas" (1948), de Vittorio De Sica, pero sobre todo a "The Boys from Fengkuei"(1983), de Hou Hsiao-Hsien. El film del realizador taiwanés retrata ese espíritu juvenil, evoca esos sentimientos sencillos y personales y habla sobre su experiencia vital de la misma forma que Zhang-Ke en su film. Podemos decir que la cinta de Hsiao-Hsien inspiró claramente a Zhang-Ke en su ópera prima.

El toque surrealista de la cinta (veremos que en su filmografía casi siempre hay un lugar para el surrealismo o la existencia de escenas que rompen con todo lo anterior) es la escena tomada del film "The killer" (1989), de John Woo, que no vemos pero oímos, usándolo como una comparación entre el antihéroe de la trama (Xiao Wu) y el de los heroic bloodshed, además como homenaje a la mítica cinta y crítica de la influencia televisiva en China. La importancia de la música en el cine de Jia Zhang-Ke ya está presente en "Xiao Wu", ejemplo de ello es la abundancia de escenas de karaoke (con todas esas canciones pop de tanto éxito en su país). Es uno de los elementos de comunicación entre sus personajes más representativos de su cine.

Como decía anteriormente, Zhang-Ke adopta el papel de alter ego con Xiao Wu, en su manera de rodarle, pero no solo para "robar" estilos cinematográficos como comentaba Kevin Lee, sino también para situarse literalmente como una sombra del personaje, siguiéndole en sus planos secuencia preferentemente desde atrás.

Jia prefiere que sus actores no lean el guión, busca la improvisación, la naturalidad y evita que todo parezca forzado y que los actores parezcan acotados o limitados a un guión preestablecido, de ahí su insistencia en reunir a actores no profesionales (como en su día hizo Bresson).

El famoso final del film es un plano secuencia con ese constante y ligero movimiento de cámara habitual en todo el metraje, describiendo esa tensión entre entorno y personaje y siempre filmado desde el punto de vista del personaje, a su altura (como el resto de la película, exceptuando algunas escenas con su novia, que cambia de punto de vista a ella). No estaba en el guión y debido a la cantidad de curiosos que rodeaban el rodaje, a Jia Zhang-Ke se le ocurrió utilizarlos en la trama, rodando al público, como si de un experimento se tratase.

El espectador convertido en protagonista, el equipo técnico también, formando un conjunto que emanaba un aire de realismo enorme. El observador observado. "Xiao Wu" una obra en los límites entre ficción y realidad.

Posteriormente, Zhang-Ke, se pasaría a los 35mm para rodar una obra mucho más ambiciosa que abarca un período de 10 años titulada "Platform" (2000). Continuaría con el documental "In public" (2001) y con su último film de ficción rodado clandestinamente: "Placeres desconocidos" (2002), ya filmado en digital, como el resto de su filmografía posterior.


[1] "Tierra Amarilla" (1984) de Chen Kaige fue uno de los films más simbólicos e importantes al inicio de la Quinta Generación.

[2] Recordemos la frase que le dice Xiao Wu a Xiao Dong, un ex-ladrón convertido en empresario, tras no invitarle a su boda por temor a que le relacionen con él o le recuerden su pasado: "Echa un vistazo a tu tatuaje, bastardo".

Pocas veces se sale del cine con la satisfacción que otorga al espectador un film del calibre de "No es país para viejos". Por supuesto, no es un film fácil y no es para todos los públicos, pero quien pensara que sería una película comercial más, andaba plenamente equivocado. Es cine de autor puro y duro y como pensé el día que la vi, no a todo el mundo gustará, sobre todo porque mucha gente no suele tener algo básico para poder degustar el gran cine que habita en ella: paciencia y atención.

La falta de costumbre y la inmediatez de hechos a la que tiene a algunos acostumbrado el cine actual, hace que un film como el de los Coen parezca realmente una rareza en el horizonte y, porqué no decirlo, toda una celebración para los cinéfilos. Ya era hora de tener en cartelera una obra tan llena de profundidad y que invita a la reflexión.

Gran parte de su grandeza radica en su excepcional adaptación de la novela de Cormac McCarthy, haber conseguido captar todo su tono sombrío sin olvidar un humor negro característico también de los realizadores. El film ahonda en términos tan interesantes como la codicia, el respeto, la elección, la fortuna, el cazador y la presa o el lugar en la sociedad de los veteranos.

El concepto de cazador-presa es muy interesante como está tratado. Ya desde un inicio se nos muestra a Josh Brolin cazando, posteriormente su personaje parecerá haber entrado en gracia al encontrar una enorme fortuna, pero no es más que el inicio de un espiral al infierno y no dejará de ser una presa en continua huida. El personaje de Bardem siempre va por delante del resto, como un cazador tras su presa. Nunca falla, nunca perdona, nunca incumple una promesa, por muy macabra que sea. Al final del film, es él quien se convierte en una presa acechado y aturdido por las sirenas de la policía, huyendo ensagrentado. Dicha escena es muy interesante porque concuerda con una escena anterior de Josh Brolin, cuando pedía una chaqueta a unos chicos y les pagaba desproporcionadamente. En este caso, como en áquel, vemos comos los críos discuten por el dinero que les ha dado el personaje de Bardem, como los chicos en la otra escena. La codícia del dinero y sus consecuencias está perfectamente plasmado en la cinta. El dinero puede ser tan cancerígeno como un asesino.

Sin lugar a dudas, me quedo con varias escenas memorables: La escena de la moneda en la gasolinera, cualquier diálogo de Tommy Lee Jones (sobre todo el del sueño al final y el de su conversación con el viejo), el cara a cara entre Bardem y Woody Harrelson, cuando Bardem sale de la casa de la novia de Brolin y se mira si la suela de sus botas se han manchado de sangre, con una economía de planos y una sutileza increíble, dándonos mucha información con lo mínimo, evitando lo explícito y confiando en la inteligencia del espectador.

Lo que refleja también el film de los Coen es que los veteranos apenas entienden lo que está pasando, les aturde, les sobrepasa la violencia que nos rodea, violencia sin sentido, violencia macabra y sin lugar a explicación. La violencia solo conlleva a más violencia y la combinación armas, dinero y codicia solo hacen que incrementar a la misma.

Su espléndido guión, las enormes actuaciones (en general todos pero sobretodo dos: Bardem está magnífico -con acento neutro incluído-, pero sería injusto olvidar el monumental y sobrio trabajo de un actor de la talla de Tommy Lee Jones), su sutileza, el respeto hacia el espectador que posee y su enorme elegancia la convierten en un verdadero clásico instantáneo y una obra maestra para paladares exigentes.

Debería ser la gran triunfadora de esta noche. Para un servidor, es la que más cine posee de las nominadas a mejor película.


JUNO (Jason Reitman, 2007):

"Juno" es la cinta indie del año que no podía faltar en las nominaciones!. Parece que en los últimos años si o si debe estar nominada al menos una cinta independiente para que un sector no se sienta (presumiblemente) marginado y para que los académicos eviten escuchar sus quejíos el resto del año. Pero, seamos realistas, "Juno", como ocurría el anterior año con la insufrible "Pequeña Miss Sunshine", no es un film totalmente independiente, nada más hay que ver su costosa campaña publicitaria pro oscar, más bien, es una cinta pseudoindie. Mantiene un poco la forma y esos personajes estrambóticos de las cintas independientes, pero a la vez, contiene estrategias comerciales ciertamente cuestionables.

Aunque no suponga un peliculón ni mucho menos, lo más destacable de "Juno" es lo bien contruídos que están los personajes, a parte de un guión no excesivamente original pero muy fresco, ameno y entretenido. La cinta no cae en tramos aburridos, va bastante al grano y se sostiene sobre todo por la tremenda actuación de Ellen Page, que a quienes ya la disfrutamos en "Hard Candy", no nos supone una sorpresa su elevado talento. Por lo demás, destacar una cuidada y magnífica selección de canciones para la banda sonora, una dirección correcta de Jason Reitman (director de la destacable "Gracias por fumar" (2005)), los diálogos entre Juno y el marido de la pareja (desde música punk hasta el cine de Argento), el tono cómico e irónico que envuelve a toda la cinta y el carisma de un personaje magnífico: Juno.

Una cinta estimable y con detalles muy interesantes pero desde mi punto de vista, un poco sobrevalorada y con la etiqueta demasiado visible de "peli Sundance".


EXPIACIÓN (Joe Wright, 2007):

Aunque la cinta contenga un marcado aroma academicista, posee evidentes virtudes de las cuales destaco una dirección mucho más virtuosa y ágil de lo que a primera vista parece. Las actuaciones en el film son más que correctas, la fotografía muy trabajada, un gran montaje y la música de Dario Marianelli magnífica, el mayor rival de Alberto Iglesias en la conquista del oscar de este año en el apartado de banda sonora.

Pero aunque la cinta no cuente nada nuevo ni excesivamente original, el ritmo y la dirección hacen de ella un film destacable y notable en muchos momentos. La cámara siempre se mueve con una suavidad y elegancia magistral y en los momentos de acción el montaje funciona a la perfección. Yo destacaría ante todo, el maravilloso plano secuencia que se marca Wright cuando el protagonista masculino (Robbie) llega a la playa y observa el panorama militar: una secuencia memorable.

Contiene una duración ajustada y acorde a lo que se tiene que contar y es algo importante hoy en día, en donde abundan las producciones excesivas tanto de metraje como de otros apartados.

En teoría, no tiene mucho que hacer con las dos favoritas claras: "Pozos de ambición" y "No es país para viejos", pero desde luego, supone una cinta de lo más maja, cuidada y de gran factura. Finalmente, le perdonamos su marcado tono academicista y su lado más lacrimógeno xD.

El final es sencillamente cojonudo, aunque yo la hubiera acabado con el primer plano de Vanessa Redgrave cuando finaliza su monólogo tan chuli.


POZOS DE AMBICIÓN (Paul Thomas Anderson, 2007):

Monumental (como no) cinta del amigo Paul Thomas Anderson que contiene algunos de los mejores momentos del cine del año. La cinta claramente bebe del cine de maestros de la talla de John Huston (¿hace falta que diga el film?) o Stanley Kubrick entre otros. El inicio ya predispone y avisa al espectador de que va a ver un ejercicio cinematográfico tan arriesgado como talentoso. Sus primeros minutos mudos y de una consistencia abrumadora hacen mearse encima hasta el cinéfilo más exigente xD.

La cinta prosigue de forma excelente con un guión del propio Anderson, verdaderamente magistral, lleno de detalles que invitan a la reflexión y de momentos de una fuerza constatable. El gran Daniel Day Lewis, para mi gusto, está fantástico como Daniel Plainview, aunque un tanto sobreactuado, al menos en el tramo final del film, en donde parece una versión chunga de su carnicero en "Gangs of New York". Aunque todo el mundo eleve a los altares a Day-Lewis, sería injusto olvidarnos de Paul Dano, que nos regala una actuación impagable, llena de matices y mucho más contenida y perfecta que la de Day-Lewis, según mi humilde punto de vista.

El personaje de Day-Lewis, recuerda a otros personajes deshumanizados y desquiciados por la codicia, por el poder, casos por ejemplo de el personaje de Humphrey Bogart en "El tesoro de Sierra Madre" o (salvando un poco las distancias) Kirk Douglas en "El gran carnaval" de Billy Wilder, personajes que llevan al límite incluso sus vidas con tal de lograr sus imposibles objetivos.

El film, como he comentado anteriormente, posee momentos verdaderamente ejemplares y de gran virtuosismo cinematográfico como por ejemplo: toda la escena en donde la torre arde y el accidente de H.W. (hijo del personaje de Day-Lewis) con un inteligentísimo uso del sonido, las escenas en la iglesia con un Paul Dano magistral (sobre todo aquella en que intenta extraer los fantasmas de una señora o la del "bautizo" de Day-Lewis para eximir sus pecados) o cuando Day-Lewis se enfrenta a Dano metiéndolo literalmente en un charco de petróleo.

La obra no la calificaría de perfecta por su excesivo metraje y por un tramo final un tanto irregular que no del todo innecesario pero demasiado excesivo, valga la redundancia. PT Anderson logra una obra muy arriesgada y de agradecer para el espectador que le vayan estas rarezas.

"Pozos de ambición" es un retrato sobre el poder, sobre la codicia, sobre el egoísmo, sobre la gradual decaída de dos hombres, dominados por sus respectivos miedos producto de su locura, su radicalismo, su autoengaño y sus aires de grandeza. La dirección es sencillamente maravillosa, pero ¿la de "No es país para viejos" es menos excepcional?.


En cuanto a "Michael Clayton", la quinta nominada a mejor película, a día de hoy, todavía no he encontrado el momento para verla. Me han hablado muy bien de ella y las actuaciones de Clooney, Wilkinson y Swinton parecen maravillosas. Aunque no me atrevo a lanzar un pronóstico sobre el film, sin ni tan siquiera haberlo visto.

El oscar a mejor película se lo daría a "No es país para viejos", pero el de dirección no sabría por cual decidirme si por Paul Thomas Anderson, los hermanos Coen o Julian Schnabel (con un increíble trabajo en "La escafandra y la mariposa"), el trabajo de los tres es realmente memorable a partes iguales.

Hecho en falta en las nominaciones principales films de la categoría de "Zodiac" de David Fincher (porque sencillamente, es una obra maestra), "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" de Andrew Dominik (aunque solo sea por su riesgo y las escenas del atraco al tren y la del asesinato, ésta con un control del tempo verdaderamente orgásmico), "Cuatro meses, tres semanas, dos días" de Cristian Mungiu (porque junto a "Deseo, peligro" es una de las mejores películas extranjeras del año) o "Promesas del este" de David Cronenberg (una obra memorable con un plano final para quitarse el sombrero). El caso de la cinta de Fincher, es verdaderamente sangrante pero bueno.

Que gane el mejor. Mi voto para el oscar a mejor película es para "No es país para viejos", me parece, con diferencia, la mejor de las nominadas. La más redonda.

Más información aquí.

Disfrutad del teaser y el trailer (para verlos, hacer click sobre los posters):

Si existe un paradigma claro y sin lugar a discusión sobre lo conocido como cine sesudo es sin lugar a dudas, el cine del señor Ingmar Bergman, cuya obra rebosa reflexión y dilemas acerca de temas trascendentales y de índole metafísica.

Su universo es tan fascinante como inabarcable. Su cine, enriquecedor para cualquier espectador pues obliga a dejar de lado esa actitud pasiva que nos mal acostumbra el cine actual y, a la vez, nos hace identificarnos tanto emocionalmente como intelectualmente con sus obras.

El visionado de las mismas supone una experiencia sensitiva sin parangón más que una simple sucesión de imágenes, siendo una experiencia similar a la que nos ofrece el cine de otros realizadores magníficos como pueden ser Bresson o Dreyer. Cine puramente sensorial y tangible.

Desde el blog Sesiones Dobles, en una encomiable forma de honrar la memoria de este inmortal realizador, se organizó una sesión doble crítica (comentados los detalles aquí) acerca de dos de sus grandes obras maestras durante su época más metafísica, la década de los 50.

Se trata de "El séptimo sello", posiblemente el film más recordado y más mitificado (con permiso de "Persona") del director sueco, y de "Fresas salvajes", las cuales rodó de forma consecutiva alcanzando un nivel de calidad y madurez remarcable.

Ambas cintas suponen viajes moralistas, en busca de un sentido a una vida ya caduca, historias existencialistas, profundas, sobre preguntas sin respuesta, sobre el abandono de la fe y la importancia del recuerdo.

La muerte, unida siempre al destino y eterna vencedora, juega con las fichas negras, el caballero (y el doctor), con las blancas. Ambos, mediante sus respectivos recorridos (uno en busca de la fe perdida, el otro en busca de la añoranza de los tiempos pasados), desafiarán a la misma muerte, de una forma u otra.Mientras en "El séptimo sello" la muerte posee una representación física, en "Fresas salvajes" funciona todo en clave metafórica y desde la vía onírica que representa como su conciencia y su culpa.

En la cinta de corte histórico, el caballero encarnado por Max Von Sydow, parece cuestionarse su propia fe en Dios, al cual se le culpa de ser el responsable de la oleada de peste que está acabando con las gentes del país escandinavo (como si fuera un castigo divino y gran causante de la pérdida de toda creencia).

De esa incomodidad que suscita el total desconocimiento más allá de la muerte y de las cuestiones existenciales del individuo, nace la aceptación final sobre su destino y el de sus compañeros en una escena en la mesa hacia el final de la película, que puede llegar a recordar vagamente a la cena de Jesús y sus apóstoles en jueves santo.

A pesar del regusto siniestro de ambas cintas, no obstante, contienen ciertas dosis de humor entre costumbrista y en ocasiones negro de "Fresas salvajes" hasta el picaresco de la cinta medieval (en el fondo "El séptimo sello" parece una fábula de corte fantástico). También pueden verse en la misma (en las relaciones entre la "comunidad" de viajeros, ciertos ecos a los films de samurais de Kurosawa, llenos de entusiasmo, vitalidad, sencillez y honestidad ensalzando los momentos de calma y dramatizando los de sufrimiento.

El caballero venido de las cruzadas está totalmente aferrado a su particular búsqueda incesante de Dios solo encontrando ausencia y vacío, preguntas sin respuestas y miedo al más allá, pero acabará aceptando que debe bailar con la muerte hacia otro mundo o hacia la nada, quiera o no quiera.La cinta nos habla sobre humanidad, sobre redención personal, sobre la religión (criticando a la vez temas y conductas de diferente índole relacionadas , como podría ser esas procesiones de autoflageladores, los cuales consiguen indignar hasta el simpático e irónico escudero), sobre la existencia (con su vacío), ausencia de respuestas, el poder y el misterio de Dios (que se representa como algo superior incluso a la muerte -algo físicamente visible en las últimos momentos de vida-, pues ésta no quiere hablar de ello y posiblemente le tema), sobre la ausencia de algo a lo que llaman Dios, la decepción de un vida llena de fe, sobre la necesidad de encontrar y saber.

"El séptimo sello" iniciaría una etapa metafísica dentro de la filmografía del realizador, cintas con un poder visual inusitado, una estética y puesta en escena muy cuidada. Posiblemente sea de las cintas más o menos más fáciles de ver por una gran mayoría y no se erige como algo tan críptico ni tan sutilmente perfecto como pueden ser otras obras suyas posteriores como por ejemplo la inclasificable "Persona". Este film es mucho más claro y franco para el espectador y con una evidente carga intelectual que se agradece. No existen las películas evidentes y triviales en el cine de Bergman.

Recalcar también que ambas son cintas de un marcado carácter autobiográfico, como toda la obra del director sueco.

"Fresas salvajes" es una especie de road-movie a través de los recuerdos en vida y en sueño. Un examen a una vida que acaba y una conciencia castigada por el autoengaño de tantos años.

Si el personaje de Von Sydow buscaba el porqué a su pérdida de la fe, el Doctor Isak Borg (un excelente Victor Sjöström) busca en los recuerdos las respuestas al su malestar personal (como prueba de su autoestima, tenemos esa casi peyorativa descripción de si mismo en el excelente inicio del film).

Isak abandona su gélido comportamiento en busca de algo de calor humano en contra de la desesperación existencial y del vacío interior (algo también visto en cintas como "Gritos y susurros", "El séptimo sello" o "Secretos de un matrimonio").

Isak revive mediante sueños la añoranza pura, son cuadros de una pasado que de haber cambiado habrían hecho de él un hombre feliz y mucho más paciente. El doctor posee una vida actual vacía pero llena en los recuerdos. A punto de morir los recuerdos suplen su realidad hastiada.Aunque debemos recordar lo siniestro y turbulento de algunos, como el inicial, absolutamente magistral, con una fotografía plenamente deudora del expresionismo alemán, y que nos viene a la mente vagamente cintas como "Recuerda" de Hitchcock y su surrealista escena onírica diseñada por Dalí.

Abundan los momentos cómicos y realistas unidos a esos momentos oníricos y metafóricos, llenos de elementos curiosos (un figurativo examen moral, reencontrarse con su pasado, relojes sin manillas, él mismo dentro de un ataúd que le arrastra hacia dentro, el encuentro con esa cuna vacía entre los árboles, etc...).

Es curioso que el propio protagonista está presente en sus sueños/recuerdos, como espectador y protagonista a la vez, algo ya visto de forma similar en cintas como justamente "El séptimo sello" o la más moderna "Oldboy" entre otras muchas.

Sus recuerdos y sueños agradables son de un tiempo muy lejano, los pesadillescos son de un tiempo presente, por tanto, nos lleva a pensar que su juventud fue próspera y vital hasta cierto punto pero que a raíz de ello nunca ha vuelto a llenarse o a tener algo significativo a nivel de recuerdo, al menos para él.

Una juventud olvidada que es recordada (a parte de los sueños) con un golpe de aire fresco por los tres jóvenes que recogen durante el viaje, 2 chicos y 1 chica (Bibi Andersson) en busca de aventura, que le hacen recordar tiempos pasados más gratos.

Otro aspecto interesantísimo de esta obra recae en las relaciones entre la familia y sus variaciones a lo largo de la trama. La más interesante de todas es, sin lugar a dudas, entre el doctor y su nuera (Ingrid Thulin, en un papel de mujer tan fría, seria y casi artificial cercano -aunque salvando las evidentes distancias- al de hermana interpretado en "Gritos o susurros"o como si de una Kim Novak en los films hitchcockianos se tratase, más que actriz, parece casi un modelo de los de Bresson) en un constante cambio a mejor, mientras éste ve a su hijo a su imagen y semejanza. Es increíble como Bergman muestra el rostro humano, con unos primeros planos admirables y llenos de sobriedad y detalle.

Junto a Dreyer, Bergman fue posiblemente el director que supo explorar mejor el rostro humano (Ingrid Thulin en este film) pero sobre todo en "Persona" con Bibi Andersson y Liv Ullman.

Una cinta sobria, contenida, emotiva sin llegar a sentimentalismo fácil, sugerente, reflexiva, cercana, fresca y a la postre fascinante."Fresas salvajes" supone una radiografía sobre el inexorable paso del tiempo y en lo que nos hemos convertido o querido convertir, en la apariencia y en como nos recuerdan o queremos que nos recuerden, con una narrativa prodigiosa y una planificación a base de acertados flashbacks y sueños llenos de metáforas sobre la vida, digna de elogio.

Dos films asombrosos, inolvidables e imprescindibles. Cine puro, del que no se hace hoy en día.



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Blogs participantes en el proyecto:

Sesiones Dobles (Organizador), Books & Films, El diario de Mr. MacGuffin, Sesión Doble, Cineahora, Fábrica de Ilusiones, El Espejo de los Sueños, Arte y Literatura, El Trono de Hatti, La Mujer Justa, Ojo de Buey, Himnem, El Lamento de Portnoy, Otros Clásicos, La Linterna Mágica, Mitte, El Dia del Cazador, Marcovelez.net, Corten!!!, Cinéfilo-Compulsivo, Intramuros, Arricom.

Fuente: Zonadvd

El film trata sobre Alex (Gabe Nevins), un adolescente aficionado al monopatín que accidentalmente mata a un guardia de seguridad en los alrededores de Paranoid Park, un parque público conflictivo de Portland. Él decide no comentar nada a nadie.

En España, los derechos los tiene Vértigo, aunque será muy difícil verla antes del 2008.
Una de las películas más esperadas. Se necesitan más realizadores valientes y capaces de jugar con los límites establecidos como Van Sant, Apichatpong o Zhang-Ke.

Os dejo con el trailer:

Antonioni, uno de los padres e impulsores del "postneorrealismo" italiano, era un realizador incómodo para muchos espectadores, por su elevada exigencia a los mismos (su ritmo pausado) y por retratar los tiempos muertos, por dar voz a un silencio molesto que ponía a prueba a todo aquel que visionaba sus obras o por su forma de mostrar las ciudades, islas, etc (como personajes más de la trama y como paisaje de esos mundos de incomunicación entre entes que solo él sabía crear. Un elemento narrativo de mucha importancia en la obra del italiano).

Su trabajo con la imagen y sus capas es ciertamente elogiable y contiene algunos de los planos más memorables de la historia del cine, tremendamente trabajados y de una evidente dificultad (casos de "Blow Up" (1966) con la escena de las fotos, "El desierto rojo" (1964) con ese magistral y casi imposible plano secuencia o la parte final de "La noche" (1961) ).

Como Bergman, las temáticas en sus dramas siempre giraban alrededor de obsesiones psicológicas y de los sentimientos humanos. Pocos directores han retratado los sentimientos y su psicología como ellos, hacían de ello el motor de sus películas, realizando autenticos análisis psicológicos de sus personajes al detalle (en su mayoría, burgueses).

Dentro de la filmografía destacan obras del calibre de "Blow Up"(1966), "El desierto rojo" (1964) y la excelente e imprescindible trilogía existencial ("La aventura"(1960) - "La noche"(1961) - "El eclipse"(1962)) entre otras.

En la actualidad veo muchas similitudes en el cine de Jia Zhang-Ke (el cual bebe muchísimo del cine italiano tanto de Rossellini como de Antonioni) sobre todo por saber filmar esos silencios y tiempos muertos (la ociosidad), por mostrar los sentimientos y la incomunicación de pareja de forma similar (auténticos retratos sobre la introspección) y por dibujar entornos puramente artificiales o casi fantasmagóricos en donde sus personajes parecen deambular.

Uno de los padres del cine moderno nos abandona, puede ser buen momento para recuperar el visionado de alguna de sus obras o ver las que tenemos pendientes de su filmografía. Desde luego, no espero que en nuestra patética parrilla televisiva pasen alguna película del italiano o del sueco como homenaje. Sería perder audencia y en este país, cualquier cosa es más importante que la cultura.

Descanse en paz.

Una obra absolutamente de referencia llena de clásicos imperecederos ("Persona", "El manantial de la doncella", "Gritos y susurros", "El séptimo sello", "Fresas salvajes", "Secretos de un matrimonio" o "Como en un espejo" entre otras) así como de proyectos para tv remarcables (la versión de 5 horas de "Fanny y Alexander"). La notable "Saraband" quedará como su film póstumo.

Nadie hacía un tratamiento tan cercano y personal de temas como Dios, la soledad, la incomunicación, la pareja (y sus problemas), la naturaleza humana, el miedo y la muerte. Sus films oscuros y en ocasiones de naturaleza metafísica asombraron a generaciones enteras de cinéfilos que, cada vez más, frecuentaban las salas de arte y ensayo, en busca de su última obra.

Una gran pérdida para el cine. Un cineasta que siempre será objeto de estudio.
Descanse en paz.

Y para los amantes de la música... el festival se clausura el sábado 16 a las 22:00 h. con un concierto de Mastretta en la Plaza de Calderón de la Barca.

Consulta la información completa sobre emplazamientos y programación en la página oficial del festival.

El ciclo Jean-Luc Godard: Principio y fin, nos mostrará obras maestras de la historia del cine enmarcadas en su etapa Nouvelle Vague. 

En la sección panorama de actualidad, dos películas que no debéis perderos. El martes 15 de mayo Inland Empire (David Lynch en estado puro) y el martes 22, El Jefe de todo esto, de Lars Von Trier (un poco de humor y como siempre crítica social en una nueva entrega de este magnífico director).
Y como happy end, el 29 de mayo empieza la III Muestra de Cine Gay y Lésbico de Murcia.
¡¡¡Tres hurras por la filmo!!!

ver la programación

La cita es en el Edificio Moneo (anexo al Ayuntamiento de Murcia) el 2, 3 y 4 de mayo a las 20:30 h. No faltes. La entrada es gratuita.

Y como fin de fiesta, un concierto en directo de The Spot Jazz Quartet. Sí, sí… leéis bien, el sábado hay Jam Session en la filmoteca regional. Es que no tiene desperdicio. Ahí va la programación:

Jueves 26 de abril de 2007
22.30 h. Jazz Hot
Documental, con Django Reinhardt y Stéphane Grapelli. 1939. GB. B/N. 6’. VOSE
22.30 h. Inner Urge
Isabel Rodrígues. 2003. Portugal. Color. 18’ . VOSE
22.30 h. Shadows
John Cassavettes. 1959. USA. B/N. 87’ . VOSE
 

Viernes 27 de abril de 2007
20.00 h. Jazz Hot
Documental, con Django Reinhardt y Stéphane Grapelli. 1939. GB. B/N. 6’. VOSE
20.00 h. Inner Urge
Isabel Rodrígues. 2003. Portugal. Color. 18’ . VOSE
20.00 h. Shadows
John Cassavettes. 1959. USA. B/N. 87’ . VOSE
22.30 h. Anatomía de un asesinato (Anatomy of a Murder)
Otto Preminger. 1959. USA. B/N. 153'. VOSE

Sábado 28 de abril de 2007
20.00 h. Black and Tan
Dudley Murphy, con Duke Ellington y su orquesta del Cotton Club.. 1929. USA. B/N. 18’. VOSE
20.00 h. Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l´echafaud)
Louis Malle. 1957. Francia. Color. 92’ . VOSE
22.15 h. Jazz Session en directo: THE SPOT JAZZ QUARTET
Patxi Valvérde (saxo tenor), Álvaro Nevado (guitarra), Kyung Sup Hong (contrabajo), Elfa Zulham Syah (bateria).

Del 27 de abril a 5 de mayo de 2007
Ver programación completa 

Si alguien de las cadenas Neocine y Cinesa lee esto, por favor… sólo una pequeña, una pequeñísima petición ¿podrían reservar alguna de las tropecientas mil salas que han abierto, o de las que han cerrado, para proyectar buen cine?

Para abrir boca esta semana tenemos la Semana de Cine y Ciencia, en la que se proyectarán títulos tan interesantes como:

Martes, 17 de abril de 2007
20.00 y 22.30 h. Presenta: Dª. Maribel Parra Lledó. Directora del Museo de la Ciencia y el Agua. Murcia.
Una verdad incómoda
Davis Guggenheim. 2006. USA. Color. 100’. VOSE

Miércoles, 18 de abril de 2007
20.00 y 22.30 h. Presenta: D. Enrique Máximo García. Coordinador del ciclo  Semana de Cine y Ciencia.
Los méritos de Madame Curie (Les palmes de M. Schutz)
Claude Pinoteau. 1997. Francia.Color.105´. VOSE

Jueves, 19 de abril de 2007
20.00 y 22.30 h. Presenta: Ilmo. Sr. D. Juan Ramón Medina Precioso. Consejero de Cultura y Educación. Murcia.
Pi (Fe en el caos)-(Pi:Faihh in chaos)
Darren Aronofsky. 1998. USA. Color. 85’. VOSE

Viernes, 20 de abril de 2007
20.00 y 22.30 h. Presenta: D. Ángel Ferrández. Presidente de la Academia de las Ciencias de Murcia. Semana de Cine y Ciencia
La Amenaza de Andrómeda (The Andromeda Strain)
Robert Wise. 1971. USA. Color. 131'. VOSE

Sábado, 21 de abril de 2007
20.00 y 22.30 h. Semana de Cine y Ciencia
THX 1138
George Lucas. 1971. USA. Color. 88’. VOSE

y, de postre, Shortbus, una peli programada en la sección panorama de actualidad, que a la crítica no ha entusiasmado y que según dicen contiene las más explícitas escenas de sexo rodadas fuera de la industria del porno,

Martes, 24 de abril de 2007
20.00 y 22.30 h. Panorama de Actualidad
Shortbus
John Cameron Mitchell. 2006. USA. Color. 102’. VOSE

No cabe duda que entre los comienzos neorrealistas y sus aventuras surrealistas en el cine más puro y abstracto cine de autor, Federico Fellini encuentra una simbiosis entre ambas tendencias que dará como resultado el incomparable “universo felliniano”. Éste, quizás no consista más que trasladar las vivencias sociales de “La Strada”, al lenguaje particular de “Ocho y medio”, para acabar en su personal “Amarcord”.

La película como su propio título indica (se podría traducir con un castizo “m’acuerdo”), trata de rememorar desde una visión puramente subjetiva y mediante una exposición singular, los recuerdos –o supuestos recuerdos– del director en su niñez, allá por los momentos álgidos del fascismo, en una pequeña ciudad italiana de provincias.

Sin contar con un desarrollo argumental clásico, Fellini desgrana las situaciones más características, encajándolas como un perfecto puzzle, para ofrecer un mosaico social en el que no falta nada ni nadie, que hayan contribuido a construir sus características obsesiones.

Desde el culto a un falso “feismo”, empleando a los actores con registros más esperpénticos dentro de una pantalla, pero habituales y vulgares en el mundo real, el director habla de sí mismo, de su adolescencia, y de toda una idiosincrasia del pueblo italiano, que aprovecha para poner en entredicho, siempre con un sentido del humor imposible de obviar.

Y como no, la crítica al fascismo no podía faltar, haciendo hincapié en situaciones entre crueles y ridículas, rematadas siempre con una aplastante ironía.

En concreto, sí podríamos decir que el film relata la vida ordinaria de un pueblo y sus gentes en un momento dado, y aunque sin una trama argumental que vertebre la historia, un conjunto de cuadros, de situaciones y de personajes inolvidables, sustituirán sobradamente el consabido guión.

Las gamberradas escolares ante los patéticos enseñantes, las habituales prácticas onanisticas adolescentes, las esperpénticas disputas familiares, la prepotencia de los provincianos fascistas, la joven Grandisca, inalcanzable objeto de deseo de los hombres, o, como no, el misterioso motorista. Y para la historia del cine quedará, sin duda, la iniciática escena de la estanquera, con sus opulentos pechos, simbolizando la supremacía femenina, ridiculizando los siempre fanfarroneados ímpetus sexuales masculinos.

Toda la miseria –o humilde grandeza– de unas vidas sencillas condenadas a ser felices o infelices, a pesar del juicio que lleguemos ante las imágenes nada objetivas del más sarcástico Fellini, que conforman un mundo singular a la vez que profundo y humano.

Primera película en la que Pier Paolo Pasolini parte de una historia ajena, (Edipo rey y Edipo en Colona de Sofocles, en el siglo V a.c.), y que utiliza como trasunto de su propia experiencia biográfica.

Para entender el cine de Pasolini, cada vez más, se hace imprescindible el conocimiento de su propia historia, dada la implicación personal con sus traumas y sus conflictos reflejados en su obra cinematográfica. Así pues, es probable que el abordar este escabroso tema de la mitología griega, venga a representar el enfrentamiento, a modo de psicoterapia, con la obsesión de sus propios fantasmas.

El guiño hacia el ámbito personal de Pasolini, se hace evidente al desarrollar la historia, tanto en tiempo presente, como en la época precristiana. El film comienza en la Bolonia de los años veinte (lugar y fecha de nacimiento del director). Una joven pareja acomodada, tiene su primer hijo. Como es habitual, el sentimiento materno, dejará en un segundo plano del matrimonio al elemento masculino. Los celos de éste, al ver perderse la relación femenina (la esposa como sustituta de la madre), harán desear la muerte de su propio hijo (el hijo sustituto del marido).

El film se trasladará drásticamente a la época griega, para continuar con la trascripción del texto clásico. Así, el pequeño condenado a muerte, por motivos del azar, salvará la vida y, según el mito, acabará realizando los temores del padre, esto es, será asesinado por su propio hijo, y éste lo reemplazará como esposo de su propia madre.

La obra pues, plantea dos problemáticas concadenadas: el hecho edípico en sí mismo, y la voluntariedad o, por el contrario, ineludible predestinación de su culminación.

Por una parte, el papel que representan los cónyuges en la estructura familiar que nos dictan las normas del clásico matrimonio como fundamento de la familia, en la que la figura del padre permanece como un mero instrumento necesario, desde la procreación, hasta el abastecimiento material, pero muy distante de la relación afectiva materno filial, por la que finalmente será sustituido.

Un papel aceptado y resignado en base a una cultura establecida, en la que engañosamente aparece el macho como sujeto fundamental, pero paradójicamente, susceptible de ser expulsado, a la menor adversidad, del seno familiar. Hecho claramente diferenciado en sociedades ancestrales y tribales de características primitivas, en la que el matriarcado es aceptado como la ley natural de la especie.

Por otra parte y en calve metafísica, Edipo obra siempre, –según el clásico–, guiado irremediablemente por el destino, que parece ha de regir la vida del hombre. La propia lectura de la historia, probará todo lo contrario. Si bien el azar marcará el camino del joven, en realidad, será su ignorancia, el desconocimiento de sí mismo y de sus orígenes, lo que verdaderamente le hará tomar decisiones no deseadas, abandonándose a la suerte, a falta de una mayor información.

De esta forma, cierto es que frente a los caprichos del azar, el hombre poco podrá hacer, sino aceptarlos. Ahora bien, estos avatares inesperados e incontrolados, los habremos de encontrar como parte del camino que el ser humano vaya eligiendo a su libre albedrío. Bien dejándonos llevar por los impulsos irracionales de la naturaleza, bien imponiendo la propia voluntad, siempre acabaremos en el sitio al que nos hayamos dirigido, aunque no sea en la forma y en las circunstancias preferidas.

Cinematográficamente, hay que destacar la impresionante estética realista con la que es representada la mitificada civilización griega, en las antípodas de los films comerciales de aventuras grecorromanas, cargados de lujos y oropeles deslumbrantes. La localización en pleno desierto magrebí, una dirección artística acorde con una época más cercana a la prehistoria que a Hollywood, hacen por sí sola una notable obra digna de todo respeto.

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