Yolandita Monge, cantante, actriz, conductora de programas de televisión, nació el 16 de septiembre de 1957, en Trujillo Alto, Puerto Rico. Es una de las más importantes artistas que ha dado Puerto Rico en los últimos tiempos. Cuenta que su primera prueba como cantante, fue siendo una niña que grabó sus primeros éxitos: El Estornudo (El Achús) y Vida, versión al español de la canción italiana, realizada por Tite Curet Alonso, con el paso del tiempo en 1970 presenta su primer sencillo, y años después en 1973 con otro disco se hace conocer internacionalmente fuera de su país de origen.

Ha contraído matrimonio en tres ocasiones. Es madre de tres vástagos, uno de cada matrimonio. Su hija mayor, cuyo padre es el comerciante uruguayo, Alfredo Lorenzo, es la cantante Noelia; su segunda hija, producto de su segundo matrimonio con el cantante venezolano, Balbino se llama Paola; y su tercer y único hijo varón, producto de su actual matrimonio con el productor puertorriqueño, To`y Mamery, cuyo nombre es Imanol. Muchos éxitos en la década de los 70, 80, 90 y 2000 con canciones como Cierra los ojos y juntos recordemos, Amnesia, Tanto Amor, Sola, El amor, Señor del Pasado, Te veo pasar, Nunca Te Diré Adiós, Quítame ese hombre del corazón, Cuando termina un amor, Me sorprendió la luna, Seras Mio, Su subir, Débil, Cuando te toque llorar, Ahora, Ahora, Acéptame como Soy, Paginas del Alma, Amor mio etc. Su nuevo CD Demasiado Fuerte bajo la firma Univision Music, estreno en la posición # 1 y la prensa ha catalogado su regreso como "El Regreso de la Década". Desde que se inició como cantante a mediados de la década de los 60 con apenas 10 anos de edad LA VOZ de YOLANDITA logró impactar de manera importante el mundo del espectáculo y la canción, convirtiéndose en la figura musical de mas relevancia y la mas joven que se haya registrado en toda la historia de la música puertorriqueña.

Obteniendo los primeros premios en los programas de canto tanto radiales como televisivos fue como ya a la edad de 10 anos, en el 1966 grabó su primer disco. De esa manera la imagen de la artista poco a poco iba surgiendo como una figura de impacto, en los escenarios nacionales, pese a su corta edad. Yolandita surge con 8 años de edad en los años de esplendor de la Nueva Ola y El Club del Clan en donde estaban de moda Chucho Avellanet, Lissette, Lucesita, Danny Rivera, Rafael y Sandro. Pero su primer disco no salio al Mercado hasta que la jovencita tenía 11 años. Con tan solo 12 anos de edad, YOLANDITA MONGE se convirtió en una figura importante del mundo de la canción. Su presencia diminuta y de energía efusiva en los escenarios se hizo cada vez más constante, luciendo esa energía impactante que aun le acompaña. Desde sus inicios, su trabajo artístico giró en torno a la interpretación de temas amorosos, aun cuando sus canciones no concurrían con su efigie de niña. Ya para 1969 sus temas gozaban de gran aceptación del público y gran difusión radial. Entre ellos destacaban: El Resfriado, Mi Juramento, Las Olas, y Vida. Estos éxitos le hicieron merecedora de su propio programa televisivo que se llamo “El Show de Yolandita” producido por Tommy Muñiz. Este espacio televisivo se transmitió desde 1968 hasta el 1971 por WAPA TV.

Su primera presentación en un Night Club lo hizo a los 11 anos de edad para lo que su madre tuvo que pedir un permiso especial del Departamento de Educación. La Segunda producción discográfica lo fue Recuérdame en el 1970. Lográndose imponer en la radio con temas como Palabras de amor, No vale nada, Siempre fuimos compañeros y Recuérdame. En el 1971 llegó el álbum “La Personalidad”. Su fama y compromisos la llevaron a trasladarse a México en 01971, convirtiéndose en la cantante puertorriqueña mas joven en irse a México a cantar. Estuvo viviendo y trabajando por espacio de 3 años. De México se traslada a Venezuela, Argentina, Republica Dominicana, Chicago y Nueva York. También en el 1971 en la ciudad de Nueva York se presentó en el Festival de la Canción de NYC quedando como primera finalista. De esta presentación logra convertirse en la baladista puertorriqueña mas joven en presentarse en el prestigioso Carnegie Hall donde la Diva Argentina Libertad Lamarque queda impactada con la voz y talento de Yolandita y se autoproclama como su madrina artística augurándole los mayores éxitos en su carrera. Luego de su exitosa presentación en el Carnegie Hall, Yolandita se presentó en el Radio City Music Hall y por ultimo en el Madison Square Garden, lugar que mas adelante en los años 1988 y 1991 lograra llenar reuniendo a mas de 22 mil fanáticos.

Los éxitos que acumuló su transito por los escenarios la convirtieron en diva de la canción romántica. Su estancia en México en la década de los 70 representó la punta de lanza para la consolidación de su carrera y de allí se impuso abriéndose paso por todo el hemisferio. Regresando a Puerto Rico YOLANDITA continúa con el ritmo imparable de su carrera. Su trabajo continuó con sus producciones “Parece Fantasia” en 1973, “Yo soy Yolandita Monge” también en 1973; “Con todo mi amor” en 1974; “Floreciendo” en 1975, en la que incluía el tema “Cierra los ojos”, canción que marcó una nueva etapa en su carrera y una con las que mas se identifica como cantante. Es con este éxito que se le abren las puertas en mercados como España, Colombia, Perú, Chile y Ecuador. En el 1976 sale al Mercado “Reflexiones” y en el 1977 “Soy ante todo Mujer”. En el 1977 hace una pausa en su carrera para recibir y dar a luz a su primera hija Noelia. En el 1978 lanzó al Mercado “En la Intimidad” y en el 1979 “Estilo y Personalidad”, álbum que incluyó varios de sus primeros éxitos regrabados ya con una voz más madura y menos infantil. Las exitosas ventas de sus discos le dieron paso en el 1979 a firmar por primera vez con una multinacional CBS (hoy día Sony) y ya para el 1980 conciente Yolandita de querer representar en sus canciones a una mujer vanguardista, fuerte y sensible, presentó al Mercado una secuela de discos que marcaron una nueva etapa. “Fantasia” en en 1980, “Historia de Amor” 1981, “Sueños” en el 1983, con el que Yolandita se convierte en la baladista puertorriqueña mas importante tanto a nivel local como internacional.

En este mismo año Yolandita ganó el primer premio en el Festival de la Canción de Colombia con un tema que se convirtió en todo un éxito y que es de su propia autoría: “SI”. Toma un pequeño receso para dar a luz a su segunda hija Paola. En el 1985 Yolandita vuelve a apoderarse de todas las listas de éxitos con su nueva producción “Luz de Luna”. Este disco elevo a Yolandita a la cima de popularidad en y fuera de Puerto Rico, con cifras de ventas inimaginables convirtiéndola en la primera puertorriqueña en ganar no solo el primer disco de oro sino para el 1988 Yolandita se mantenía siendo la única puertorriqueña en haber obtenido 5 discos de oro consecutivamente. En 1987 llegó “Laberinto de Amor” que no solo le mereció otro disco de oro sino que la artista se convirtió en la primera baladista puertorriqueña en ser nominada al Premio Grammy. La década de los 80 concluyó con “Vivencias” en el 1988 y “Nunca te diré adiós”. “Vivencias” le mereció otro disco de oro y el primer disco Platino y Doble Platino que se ganara una cantante puertorriqueña en la historia musical de Puerto Rico.

La década de los 90 la inició en 1991 con “Portfolio” que le mereció otro disco de oro. En 1992 con “Cara de Ángel” Yolandita vuelve a alcanzar cifras de ventas insuperables lo que hace que la prensa internacional la catalogue como el fenómeno musical de la década y la revista Billboard la reconoce como la máxima vendedora de discos en Puerto Rico y Estados Unidos y una de las artistas que logra la mayor venta en América Latina, logrando otro disco de oro, otro disco de platino y otro doble platino. A la vez que se convirtió en la artista que mas funciones ha ofrecido y vendido en el Centro de Bellas Artes. También en el 1992 Yolandita saca al Mercado su primer disco de navidad “Mi Mejor Regalo”. En el 1994 logra obtener otro disco de oro con su disco “Fiebre de Luna”. En 1995 con “Yolandita” la artista recibe otro disco de oro. En 1997 con “Mi Encuentro” recibe disco de oro en 5 días de lanzar el disco dedicado a la música de su país con cortes modernos. En 1999 la artista recibe otro disco de oro por su disco “Siento” en donde demuestra el clímax de su madurez vocal. En el 2000 recibe otro disco de oro por su disco “Yolandita en Vivo”, y en 2002 recibe otro disco de oro por su disco “Sexto Sentido”. El merito de la gloria que Yolandita ha alcanzado están en su voz y en su indiscutible talento histriónico. Poseedora de una de las voces más hermosas, refulgente, potente, con altos registros agudos y sólidas notas en su registro grave. Modulaciones, brillantes e interpretaciones llenas de volcán y fuego. La artista ha podido cautivar a miles de admiradores por más de 4 décadas.

Yolandita no solo ha cautivado y logrado grandes reconocimientos como cantante sino que despunta como una de las mejores actrices Latinas. En el 1972 en la comedia, en el 1979 sorprende como actriz dramática en la telenovela “Ámame” y “Vida” junto a Johanna Rosaly. En el 1980 en “Mentira” y “El amor nuestro de cada día”. En el 1983 “Poquita Cosa” y en el 1984 “Escándalo” junto a las divas Iris Chacon y su comadre Charytin Goyco. En el 1988 logra su primera protagonizaciòn con “Ave de Paso”. Actuando en varias telenovelas en Venezuela, pero no fue sino hasta el 1996 en que Yolandita coprotagoniza uno de los papeles más exitosos de su carrera (Haydee) en la producción colombiana “La Viuda de Blanco” novela que ha sido presentada en mas de 30 países alrededor del mundo, y que la ayudó a internacionalizarse no solamente como actriz sino como cantante ya que su personaje se basaba en una joven que se convierte en cantante.

Dicha novela ha llevado a que Yolandita sea reconocida en muchos países de Europa y Asia. Su talento como actriz se ha volcado en unitarios y películas para televisión como “Ocho anos de dolor”, en el teatro con “La visita de la bestia” que se mantiene como la obra de teatro mas exitosa presentada en el centro de Bellas Artes rompiendo records de venta. En el 2002 personificó a la diva del bel canto, Maria Callas recibiendo las mejores criticas del teatro de Estados Unidos y en el 2003 protagonizó con gran éxito el musical “La verdadera historia de Pedro Navaja” junto a Gilberto Santa Rosa, Elvis Crespo y Gisselle. En el 2005 tuvo su propio ‘talk show” para la cadena Telemundo. En el 2006 protagonizó la película “Mujeres sin hombres” junto a Sully Diaz y Claribel Medina. En el 2007 saco su primer disco con Univisión Music Group, llamado DEMASIADO FUERTE, el mismo a la primera semana de salir al mercado se colocó en la primera posición de ventas en EEUU y Puerto Rico según la revista Billboard en la categoría de Pop Balada. A sus 51 años de edad y con una de las carreras más fructíferas del arte de la caución romántica Yolandita sostiene ser “una mezcla de cosas que nunca han estado preestablecidas”. Mujer honesta, valiente, atrevida, vertical, controversial, segura y muy sabia. Vive con el alma a flor de piel, dejando correr por sus venas la sensibilidad, la pasión y la fuerza que deposita en cada verso que evoca de su voz cuando le canta al amor. Se especula que entre sus allegados se comenta que tiene un carácter muy fuerte; que siempre quiere ser el centro de la atención independientemente del sitio en que se encuentre y de las circunstancias particulares del momento; que es de difícil trato por su constante afán de protagonismo, lo que le resta dulzura a sus actos y a los momentos aparentemente de alegría, ya que se cree que esos gestos no son naturales, que siempre está montada en unas tablas y que nada más está actuando para aparentar lo que no es. En fin, cuando se alcanza la fama, la riqueza y la buena reputación no falta alguien que quiera enturbiar esos logros obtenidos a lo largo de casi cuatro décadas de una constantes y fructíferas actividades artísticas, que ha mantenido  a la gran diva Yolandita Monge siempre en un constante accionar para no dejar decaer lo que con tanto sacrificio ha logrado. las Fuente:

Ramon Calabuch Batista, nació en Barcelona, España, el 26 de julio de 1940, es un cantante de estirpe gitana conocido artísticamente como Moncho. Cantante de boleros, género musical en el que se le conoce popularmente como "El rey del bolero", como lo bautizó nada más y nada menos que el gran Lucho Gatica, o "El gitano del bolero", apreciado por sus interpretaciones de este género en España y Latinoamérica, especialmente en Cuba. Moncho nace en el barrio de Gracia de Barcelona, hijo de una familia de gitanos catalanes, aprendió a cantar a ritmo de rumba catalana, rodeado de artistas como Peret o Antonio González "El Pescaìlla”, marido de la inolvidable y grandiosa Lola Flores, experimentando en su fusión con el bolero que acabó siendo su camino en la canción, a los 16 años el conjunto “Ramón Evaristo y Orquesta Antillana” lo invitaron a subir al escenario a cantar en las fiestas del mes agosto del barrio y surgió su primer contrato. Moncho, como aficionado al bolero fue gran admirador de Lucho Gatica, a quien intentaba emular en sus inicios, se interesó por el bolero antillano, caribeño, y quería cantarlo como se canta en origen, así empezó a rodearse de músicos americanos que le ayudaron a conocer más las raíces de esa música y entrar en relación más profunda con el bolero. Moncho ha grabado en su carrera 34 discos de boleros en castellano y en catalán en una trayectoria de más de cuarenta años en el mundo de la música. Más de trescientos temas grabados, LP's, como Llévatela, Bravo, El tiempo que te quede libre, Amor no fumes en la cama, Soy, Olvido y camino, Por tu mirada, Conversaciones en tiempo de Bolero, Historias de amor, Sábanas de seda, Moncho, El Bolero.

Uno de sus grandes triunfos de su recorrido artístico ha sido el bolero Llévatela que compuso especialmente para su voz Armando Manzanero, o Házmelo otra vez, bolero que Concha Valdés Miranda compuso para Moncho y que el director español Bigas Luna incluyera en la voz del catalán en la banda sonora de su película Jamón, Jamón (1992), protagonizada por Penélope Cruz y Javier Bardem. Ha cantado con las principales figuras del bolero, y colaboradores en sus discos como Joseph Mas “Kitflus”, Antoni-Olaf Sabater, Ricard Miralles o Frances Brull, dan muestra de la calidad de sus producciones.

De especial calidez y calidad sus recreaciones de temas de Joan Manuel Serraa, de quien es amigo y admirador, de hecho Serrat compuso para él la canción Massa per mi que grabó en su disco Paraules d´amor (1993), su primer disco en catalán que presentó en el Palau de la Musica Catalana de Barcelona, además en ese mismo disco versionó el tema Paraules d´amor que le da nombre al disco, también cantó los temas serratianos Per què la gent s´avorreix tant? y Això que en diuen estar enamorat, este último fue incluido también en el disco homenaje Per al meu amic Serrat (2007).

En 1999, en su disco Quédate conmigo, Moncho canta a dúo con Serrat Sinceramente tuyo, recibe colaboraciones también en ese mismo disco de Mayte Martín cantando En mi piel, de Dyango y Elías Ochoa interpretando Son cuatro días y del grupo Ketama versionando No ha sido un sueño. On és la gent? es el nombre del segundo disco en catalán de Moncho en 2003, la canción que le da título es de Joan Isaac, canción que en 2004 cantarían a dúo en directo en el CD Només han passat 50 anys de Joan Isaac y que se incluye también en el disco Duets de Joan Isaac (Discmedi, 2007).

En este otro disco vuelve a versionar a Serrat con las canciones Me´n vaig a peu y Pare, y a Francesc Pi de la Serra con A poc a poc y cantando a dúo con Nina el tema "Paraules, paraules", el mítico "Parole, Parole" en versión catalana. Moncho grabó el tema Cómo fue de Benny Morè en el disco homenaje al músico cubano Tito Duarte de título La herencia del viejo sabor (Fundación Autor, 2004). Ha colaborado también con Alejandro Sanz cantando su bolero Me vestí de silencio en el CD Alejandro Sanz. Grandes éxitos 1991-2004 o con el cantaor Miguel Poveda, grabando en su disco Desglac (Discmedi, 2005) a dúo el poema de Joan Margarit No et veuré més.

Con el cantante Dyango ha cantado en Sábanas de seda (1993) el poupurri de boleros Entre dos amigos. En 2005 graba en catalán I tant que sí (2005), título tomado de la canción de Antoni-Olaf Sabater en honor a Moncho incluída en el mismo. En este CD grabó además una versión adaptada al catalán por Joan Isaac de la Penélope de Joan Manuel Serrat y Augusto Algerò, también de la autoría de Isaac encontraremos la canción Conec un lloc, o la pieza Mai més de Albert Pla, o Tu dius que m´estimes en adaptación al catalán por el mismo Moncho del tema compuesto por Paloma Ramírez y Alejandro Martínez, por destacar sólo algunos de los temas que aparecen en esta nueva entrega.

En 2006 presentó el espectáculo De La Habana a Barcelona. De la rumba al bolero, estrechando lazos entre la música catalana y cubana, repasando muchos de los temas incluídos en sus CD Inolvidablemente (2003) y en Antología de sus mejores boleros (2004) como Tú, mi delirio, Ahora que soy libre, Cuando estoy contigo, Bravo, Lo siento mi amor, Abrázame, Si nos dejan, Te extraño, Usted, Desahogo, Voy a perder la cabeza por tu amor y Soy lo prohibido. Este espectáculo es presentado en concierto en La Habana, Sala Avellaneda del Teatro Nacional el día 23 de septiembre de 2006 y en Barcelona, Teatre del Liceu, el día 16 de octubre de 2006. Moncho visitó Cuba por primera vez hace 40 años y el público cubano siempre recibió con entusiasmo al catalán, ha sido también invitado al Festival Boleros de Oro de 2007.

En noviembre de 2007 edita el disco El tío Moncho. El arte del Bolero, en el que colaboran artistas como Diego el Cigala, Lolita, Niña Pastori, Tomatito, Josemi Carmona, Parrita, Montse Cortés, Las Hermanas Bautista y Jorge Pardo. El álbum incluye un DVD con imágenes de las grabaciones de los artistas invitados, sus comentarios y los de Moncho. El disco contiene doce boleros clásicos de autores como Armando Manzanero, Benny Morè o Manuel Alejandro. El Teatro Calderón de Madrid acogió el concierto que se presentó el 11 de diciembre de 2007, que contó con la presencia de los cantantes que colaboran en el trabajo con el bolerista, además de otros invitados como Antonio Carmona y Raúl Paz.

Si hay un artista de todos los tiempos en el mundo de la música este es sin lugar a dudas Moncho, desde que el irrepetible Lucho Gatica le nombrara, el “Rey del Bolero” y Armando Manzanero le escribiera la conocida canción "Llévatela", Moncho ha continuado evolucionando su peculiar estilo fusionándolo con otros ritmos, rumba, salsa, balada etc. Elevando nuevamente canciones por nadie versionadas, en lo alto de las piezas maestras e insustituibles de la música ligera. A través de la Web oficial de Moncho, queremos hacer llegar a los románticos del mundo y amantes de la buena música en general un retazo de este artista que con su inconfundible voz, está vigente si cabe aún más en el panorama musical mundial con sus multitudinarios conciertos y sus recitales íntimos. http://www.monchoboleros.com/. Ahora, en un esfuerzo que mas bien parece un homenaje, las grandes figuras del flamenco moderno se han acercado a poner todo su arte al servicio de, como ellos le llaman, su “tío Moncho”. Niña Pastori, Diego El Cigala, Josemi Carmona, Tomatito, Lolita, Jorge Pardo, Parrita, Tati Román, Montse Cortés, Hermanas Bautista…Artistas que han escrito, junto con Moncho, una nueva página de la música latina creando El Arte del Bolero. Doce bolerazos de toda la vida (Armando Manzanero, Benny More, Manuel Alejandro, etc, etc) con arreglos e instrumentaciones de Tomatito, Josemi Carmona, Jorge Pardo y Paquete, entre otros. El álbum incluye un dvd con imágenes de las grabaciones de los artistas invitados, sus comentarios y los de Moncho. Un testimonio más del cariño que ha reinado en esta producción.

Lucila Justina Sarcines Reyes de Henry, nació en Lima, Perú, el 19 de julio de 1936 y fallece en la misma ciudad de Lima el 31 de octubre de 1973. Destacada cantante peruana conocida en el ambiente musical con el nombre artístico de Lucha Reyes, a quien se le adjudicaron también seudónimos como: "La Morena de Oro del Perú", "La Reina de la Popularidad". Nació en la Calle Aromito, (hoy Jr. Yutay) en el Distrito del Rìmac, de cuna sumamente humilde, tanto su infancia como su juventud estuvieron marcadas por el dolor y las desventuras, pasando desde la pobreza a la mendicidad. Fue hija de Don Tobías Sarcines y de Lucila Reyes, junto a ella se le sumaba 15 hermanos, de la unión Sarcines-Reyes.

Cuando tuvo seis años tuvo uno de los primeros golpes, los más fuertes: la partida de su padre Don Tobías, luego su madre vuelve a tener un segundo compromiso, padrastro de ella y de sus hermanos el cual maltrataba física y psicológicamente. Su madre Doña Lucila, fue lavandera, oficio que realizaba por extrema necesidad, y Lucha Reyes, adicionando las vejaciones de su padrastro, además de una aguda pobreza, hicieron que sus familiares tomaran la drástica decisión de enviarla al Callao por un tiempo corto, pero en vez de mejorar su calidad de vida empeoró a tal grado de deambular por las calles, plazuelas o lugares públicos. Tiempo después un pavoroso incendio, originado por un lamparín que iluminaba su vivienda, hizo que la familia se trasladara a los Barrios Altos, ésta zona de Lima se caracteriza como la Cuna del Criollismo, vena fiel de Felipe Pinglo Alva, Pedro Espinel, Samuel Joya, entre otros.

Lo resaltante a tanta vida complicada, es que a Lucha Reyes le gustaba el canto, y lo hacía con toda el alma, con la emoción y sentimiento único, muy particular en ella cuando era afamada. Se toma otra decisión ya que cada vez se agudizaba la situación económica en la familia, y lo mejor fue enviarla al Convento de Nuestra Señora de la Caridad del Buen Pastor, a cargo de Religiosas Franciscanas. En Lucha Reyes es experiencia le inculcaron los valores bien cimentados, la ayudaron a ver la vida desde el punto de vista humano y a formarla espiritualmente de una manera sólida, apoyándola las religiosas en los estudios hasta el tercer grado de primaria. Moldearon su carácter y decidieron lanzarla al ruedo de la vida. Años más tarde, adolescente aún contrae nupcias con un sargento de la Guardia Civil relación, que estuvo marcada por la violencia y duró corto tiempo, dejando en ella, la amargura de un hogar infeliz. Pasado el tiempo, se tiene conocimiento de una segunda relación de la cual existe información precisa; pero prácticamente tuvo las mismas dimensiones desagradables. A duras penas,

Lucha Reyes con 16 años concibe en 1952 a su hijo Humberto Cueto Sarcines. y en 1953 a Alejandro Cueto Sarcines. Posteriormente a mediados de la década de los años 50, entra sin proponerse a Radio Victoria, en un programa de aficionados llamado "El Sentir de los Barrios"; debutando con el vals de Sixto Carrera "Abandonada", teniendo un éxito rotundo, la acompañaron en las guitarras en esa oportunidad: Bernardo Herrera y Guillermo Ocharán, se supo vagamente que formó un dúo llamado Lucha y Juan, pero es algo que todavía no puede confirmarse. Pareciese que su vida cambiaría, pero no era el momento aún. Empezó la naturaleza a cobrarle la factura de su cruda infancia, y su salud se convierte en arma de doble filo. Unos exámenes médicos arrojan como resultados diabetes emotiva y tuberculosis pulmonar, y se interna en1959 en el Hospital Hipolito Unanue ex Bravo Chico, donde permaneció todo ese año en observación. Debido a su espíritu alegre y cooperador se ganó rápidamente la simpatía y el cariño, tanto de las religiosas como del cuerpo médico. En 1960, luego de ser dada de alta y aparentemente controlado las enfermedades volvió al canto y en el Teatro Pizarro de los Barrios Altos, nuevamente regresa el éxito con el vals "Abandonada".

Un buen día Gonzalo Pizarro, bohemio descubridor de talentos, la visita en la casa de su entonces suegra cerca a la plazuela Santa Clara y la lleva a presentarse donde el animador Augusto Ferrando, quien luego de las rigurosas pruebas que le realizó, la integra a su famosa Peña Ferrando, llevándola a provincias y presentándola en Lima: imitando a las extintas Celia Cruz, Toña La Negra y a Celina González. Permaneció en la peña hasta 1970. A mediados de los a´os 60, Piedad de la Jara la contrata y le hace trabajar en la famosísima "Peña Karamanduca". Dicho local criollo es punto clave de sus mejores épocas en su carrera como cantante. Algo muy peculiar en su vestimenta eran sin duda, sus multicolores pelucas que usaba con los diferentes estilos y cortes de la moda, en una entrevista durante su programa radial uno de sus admiradores le preguntó por intermedio de los coanimadores, ¿Cuál era el número exacto de pelucas que ella tenía?, a lo cual respondió la cantante de manera muy sutil, que poseía diez, ya que como artista tenía que cuidar mucho su presentación, tanto para quedar bien con su público, y llevar bien el alto el nombre del Perú.

A finales de ésta década Lucha Reyes toma la decisión de registrar sus primeras canciones en acetatos, y llega a "El Virrey" Industrias Musicales, y graba un mini long play con seis temas llamado "Lucha Reyes con Acompañamiento de Orquesta", la primera entrega seria el Vals de Laureano Martínez "Fatalidad", incluye también como máxima exclusivas dos boleros: "Tú me Acusas" de Carlos Salazar y "Mi Desdén" de Luis Dean. En 1970, la compañía FTA, Fabricantes Técnicos Asociados, sello discográfico representante de la pujante empresa norteamericana RCA Víctor en el Perú la contrata y al respecto firma un contrato de exclusividad para éste sello presentándola a la prensa y también su primer trabajo discográfico en el Hotel Crillón, ahora su representante era el empresario argentino Nilo Marchand que era el gerente de la compañía. En ese disco, titulado "La Morena de Oro del Perú" graba su primer éxito ya popular, el vals de Augusto Polo Campos "Regresa", cautivando así al público peruano, destacaron en esa placa especial canciones como: "Tu Voz" de Juan Gonzalo Rosé, "Aunque me Odies" de Félix Figueroa, "Como una Rosa Roja" de Gladys María Prats, "José Antonio" de Chabuca Grande, "Que Importa" de Juan Mosto, "Cariño Malo" de Augusto Polo Campos, y donde se puede apreciar en la grabación su vasta capacidad expresiva.

Para 1971, graba su segundo disco asesorada musicalmente por Rafael Amaranto: "Una Carta al Cielo", donde se hicieron éxitos: "Jamás impedirás" de José Escajadillo, "Una carta al cielo" de Salvador Oda, "Propiedad privada" de Modesto López, "Ya ves" de Augusto Polo Campos. Emociones tan intensas pero muy significativas para su vida personal y artística hacen que su salud vuelva a resentirse y es internada por segunda vez en el Hospital Hipolito Unanue, donde se le detecta Hipertensión arterial y afecciones cardiovasculares, dos enfermedades más se le sumaron a su débil existencia, que eran verdaderas bombas de tiempo, la primera vez que fue hospitalizada no era tan conocida, pero en ésta segunda ocasión ya era una diva y las visitas eran interminables en dicho nosocomio, cuando abandona el centro de salud, a su salida fue recibida por compañeros, familiares y un numeroso grupo de admiradores que le entregaron ofrendas florales. Ese mismo año recibe el "Disco de Oro" por su grabación "Regresa". Obtiene ya su propio programa radial "Primicias Criollas" que llevaba el auspicio de la fenecida fábrica textil "Benson Polyester"; compartió junto a los locutores Enma Cabrera y Antonio Boza Flores hasta mediados de 1973. Tuvo una extrecha relación de amistad con la esposa del entonces presidente de la república Juan Velasco Alvarado, la señora Consuelo Gonzalez Posada, quien era infaltable a las presentaciones que diera la artista.

En 1972, lanza al mercado su tercer larga duración: "Siempre Criolla", con un régimen más moderado que no pudo conservar por mucho tiempo ya que los contratos se hacían cada vez más evidentes, lo que la satisfacía no obstante su precario estado de salud. Éxitos como "Corazón" de Lorenzo Humberto Sotomayor, "De Puerta en Puerta" de Augusto Polo Campos, "Déjalos" de Félix Pasache, "Sonrisas" de Pedro Espinel. Ese mismo año es invitada por la Colonia Peruana en los Estados Unidos y viaja a mediados de año; Sin embargo su médico particular "Elisbán Lazo", no veía con buenos ojos su ajetreada agenda y observando el incumplimiento del tratamiento que se le había prescrito, le vaticinó su pronta desaparición física ya que en los controles médicos que se hacía mensualmente ya no hallaba mejora si no más bien complicaciones, y a inicios del año 1973 era desahuciada. En ese lapso le pide al compositor Polo Campos, que le hiciese una canción sentida, accediendo a su pedido, le compone el vals "Espera, Corazón" y lo estrena el 18 de enero de 1973. Su esfuerzo al cantar hicieron en ella un cuadro muy grave en la diabetes y mediados de ese año presentaba dificultades oculares.

En ésta última etapa ya conocía a su último compromiso, el guitarrista Ausberto Mendoza, quien con amor íntegro y desinteresado, atendía a la cantante en todos los aspectos, y la acompañó hasta sus últimos momentos de existencia. Lucha Reyes una tarde visita al compositor Pedro Pacheco en su casa, y al contarle que su fin era inminente, le exige que le compusiera un vals especial de despedida, surge así de ése temible presagio: "Mi Última Canción" y lo graba en su cuarto y último larga duración, de ésta grabación salen los éxitos: "Soy Tu Amante" de Rafael Amaranto, "Amor de una Noche" de Pilar Quenés, "Que Viva Chiclayo" de Luis Abelardo Núñez, "Así lo quieres Tú" de Pedro Pacheco. A mediados de agosto su estado físico empezó a deteriorarse de manera rápida y notoriamente teniendo ya que auxiliarse con una silla de ruedas para poder movilizarse. En el mes de octubre hizo ya sus últimas apariciones en público y se le pudo ver aún el 28 de octubre en el homenaje que le hizo al Señor de los Milagros en el día de su recorrido procesional central, sin esperar que sería la última vez que le rendiría tributo, algunos recuerdan que aquella mañana estaba en silla de ruedas y con lentes oscuros. La mañana del miércoles, 31 de octubre de 1973 es invitada a una Misa en la Sociedad Peruana de Actores, por el Día de la Canción Criolla, en su vehículo que la trasladó desde su casa en el Distrito de La Victoria hacia el local, faltando tres cuadras, sufre un infarto fulminante, y es llevada al servicio de urgencia de la Clínica Internacional, donde llegó sin vida, a las 9:45 de la mañana, los médicos de turno confirmaron el deceso, había perdido la batalla con la diabetes a la edad de 37 años. Los restos mortales, de la popular intérprete fueron conducidos hacia el Club "El Sentir de los Barrios" en Lima donde se instaló la capilla ardiente, el dolor del pueblo Peruano se hizo reflejar en los titulares de los medios de comunicación, y en los gritos de los canillitas: Lucha Reyes, ha muerto!....

Para los funerales la cantante fue maquillada y peinada con su mejor peluca, como fue su deseo, para cuando llegara el nefasto momento, como también el ser velada en dicho centro musical. Aún se recuerda que el locutor José Lázaro Tello, con la voz quebradiza anunciaba por las ondas de Radio Victoria la muerte de la cantante. El jueves 1 de noviembre, el féretro fue llevado en carroza a la Iglesia de San Francisco, donde se celebró una emotiva misa de cuerpo presente a las 11:00 de la mañana. Su sepelio fue multitudinario, tanto era el amor del pueblo por su artista que pusieron resistencia a que fuese llevada en la carroza fúnebre y la llevaron en hombros, coreando sus canciones, en un recorrido de tres horas, y unos seis kilómetros hasta el Cementerio de El Angel, donde fueron sepultados sus restos. En 1974, su sello disquero lanza al mercado al conmemorarse el primer aniversario de fallecimiento, un disco que contenía temas inéditos, y lo plasma en la placa póstuma: "Lucha por Siempre..Lucha", en ésta obra se lanzaron temas como "El Último Brindis", de Augusto Polo Campos; "Lloro en Silencio" de Viñico Tafur con Aquiles Antayo, la novedad fue el huayno; "Llaulillay" de Graciano Puente de la Vega. En 1991 su vida fue llevada a la Televisión, con una serie llamada "Regresa", reencarnada por la actriz Zonaly Ruiz, y que estuvo bajo la dirección de Michel Gómez y escrita por Eduardo Adrianzèn.

Muchas personas que la conocieron en vida, inclusive el personal de la desaparecida disquera F.T.A, la recuerdan con mucho cariño, guardando en su corazón innumerables anécdotas, como también recuerdos tristes que también formaron parte de su existencia marcada por el dolor, y el abuso. Lucha Reyes como ser humano era el ser más bello y sincero, que siempre manifestaba lo que sentía y pensaba, nunca se dejó llevar por la senda de la vanidad, ni mucho menos por la opulencia, ya que siempre estuvo marcada por las limitaciones, pero dada a la insistencia del mismo gerente de la compañía discográfica, le sugirió que se comprara un departamento para que pudiera vivir dignamente, y así poderse olvidar lentamente de la miseria que fue condenada a vivir desde la infancia. Buena amiga y compañera, asistía a reuniones de muchos amigos que la ayudaron en sus momentos críticos, como también cuando compañeros del rubro lanzaban sus discos a la prensa. Como hobby fue coleccionar muñecas, con sus ahorros también adquirió un flamante automóvil último modelo de 1972.

Pero también a esa vida de trabajo honesto y virtudes, como todo ser humano también tenía errores dado a que lamentablemente el poco conocimiento que poseía, ya que no tuvo la suerte de culminar estudios introductorios, la hicieron víctima muchas veces de personas inescrupulosas que hasta la hacían trabajar gratuitamente, o simplemente ganaban fortuna a costillas de ella, como también se dejaba llevar por el verbo adornado de hombres que prometiéndole amor sincero y eterno, ella les entregaba su amor sin límites, y luego de cumplir sus objetivos la echaban al olvido. Según testimonios de doctores que en algún momento de su vida la trataron, comentan cuando les tocaba guardia en diversos nosocomios, en las noches se aparecía ella, luego de tener ataque de tos procedente de su enfermedad acompañada por coágulos de sangre, también que a veces llegaba muy desmoralizada, luego de haber sido estafada o burlada por algún falso romance. Motivo por el cual sus males físicos le aceleraron el cuadro de autodestrucción. Una anécdota que sucedió entre la compositora y poetisa Gladis Maria Prats y Lucha Reyes, a mediados de 1970, cuando ya la popular cantante gozaba de popularidad, la compositora decidida a difundir sus poemas como también sus composiciones musicales, se dirigió a la disquera F.T.A, conversando con el gerente de ventas, le contestó que la única cantante de planta que estaba respaldada por el directorio de la compañía era Lucha Reyes, un buen fin de semana se la presentaron, y fue llevándole sus obras, ante su sorpresa desagradable, Lucha le respondió de manera descortés: "Vuelve cuando tengas canciones comerciales y de amor", la impotencia de la poetisa a tal respuesta, era irse, y entre sí murmurar: "Y ésta que se ha creído".

Llena de rabia por el bochornoso encuentro, empezó a escribir una de las composiciones románticas más representativas del cancionero peruano, y es así que surge el vals: "Como una Rosa Roja", y al culminarla se la fue llevando a Lucha, al verla le gustó tanto que le hizo los arreglos necesarios, estrenándola en un conocido teatro de Miraflores, "El Diablo" siendo su compositora, invitada de honor, al ver que la canción fue de gusto popular, la grabó y fue llevada a su primera placa junto al festejo también de la compositora: "Soy Peruana, Soy Piurana". Paradójicamente para el domingo 4 de noviembtre de 1973, estaba organizando un almuerzo en su casa, para sus músicos, amigos personales y para agasajar a las cantantes Jesús Vásquez, Eloísa Angulo, Alicia Lizàrraga, Esther Granados, Teresa Velásquez y Delia Vallejos. En esos días también estaba planificada la llegada de un médico neumólogo especializado enviado desde Boston, para un tratamiento especial, el mismo que financiaría su disquera. Actividades que nunca se pudieron realizar. El compositor chalaco, Pedro Pacheco, autor del vals, “Mi Última Canción”, compuesta a petición de Lucha Reyes, como un presentimiento a su fallecimiento, comentó en la clínica, luego de confirmarse la muerte de la cantante: "Jamás imaginé que esto sería una realidad y a tan corto tiempo...Imagínese que compuse en una agencia funeraria, donde existe una peña. Ésta es la Agencia Zamudio, que está al frente del Hospital del Empleado, donde nos reunimos gente del ambiente criollo". Don Ausberto Mendoza, comentó que la mañana de su súbita muerte, se levantó a las 6:30: comentaba: "Ella estaba mal de la vista, yo le hacía todo, hasta la pintaba. Ella me dijo..Hoy día me vas a poner bien bonita, porque hoy es el día de la canción criolla. Me voy a poner éste vestido rojo, porque yo soy bien peruana, Carajo. Amaneció bien lisurienta. En el auto cuando íbamos a la misa de la Canción Criolla en la Sociedad de Actores, le dijo al chofer de su carro: Oiga tío, no me ponga radioteatro, carajo. Póngame música criolla. De repente le dio una palmada en el hombro. Hizo una leve mueca. Después otras dos palmadas, y estas palabras finales - ¡Ay, Dios!". El 31 de octubre de 2006, paradójicamente luego de 33 años y siendo el mismo día de la muerte de su madre, fallece en Lima su primer hijo Humberto Cueto Sarcines a la edad de 54 años en el hospital Arzobispo Loayza. Deja su único hijo y nieto de la cantante Isaac Cueto Paredes nacido en 1989. Fuente: Wikipedia

Andrés Rabago Pérez, mejor conocido artísticamente como Andy Russell, naciò en los Ángeles, California, Estados Unidos, el 16 de septiembre de 1919 y murió en Sun City, Arizona, el 16 de abril de 1992. Fue un popular cantante norteamericano de música popular latina, interpretó balas románticas y boleros, tanto en su repertorio en ingles como en español. Su nombre original, como ya lo señalamos, era Andrés Rabago Pérez, nacido en Boyle Heights, en el este de Los Ángeles. Fue uno de los diez hijos nacidos de padres inmigrantes mexicanos, descendientes de españoles.

Ya en su adolescencia empezó a cantar y tocar percusión con una banda local que encabezaba Don Ramón Cruz. En los primeros años 40, tomó el nombre artístico de Andy Russell, a partir de su nombre de pila y del de uno de sus ídolos, el cantante Russ Columbo. Se hizo vocalista y percusionista con las bandas de Johnny Richards, Gus Arnheim, Sonny Dunham, y Alvino Rey. En 1944 ya cantaba en las radios como vocalista, al siguiente año tuvo su "Old Gold Show" y firmó con la empresa discográfica Capitol Records. Tenía una voz romántica de barítono, cantó canciones en inglés y español, su primer éxito fue "Bésame mucho” (Capitol, 1944). El mismo año llegó su mayor éxito: "Amor" (Capitol, incluyendo "The Day After Forever") de la película "Broadway Rhythm". Tuvo dos éxitos más ese mismo año: "What a Difference a Day Made" (Capitol, incluyendo "Don't You Notice Anything New?") y "I Dream of You"/"Magic Is Moonlight" (Capitol). En 1946 triunfó con "I Can't Begin to Tell You" (Capitol) de la película "The Dolly Sisters." Fue la cuarta canción entre las diez más vendidas en el país por Russell en menos de dos años.

Luego llegaron "Laughing on the Outside" y "They Say It's Wonderful" (del espectáculo de Broadway Annie Get Your Gun) (Capitol). Después "Pretending" (Capitol, con "Who Do You Love"), otro éxito entre los diez más vendidos. Fue invitado a Hollywood y participó en algunas películas. En 1946 actúa en The Stork Club y Breakfast in Hollywood. En la banda sonora de Make Mine Music de Wallt Disney, y aparece en la película Copacabana al año siguiente. En 1946, sustituye a Frank Sinatra en el programa radiofónico Your Hit Parade, que vuelve en 1947, lo que incrementa su popularidad como cantante. En los primeros años 50, Russel aparece ya en televisión en Your Show of Shows con Sid Caesar en la NBC, pero continúa grabando aunque con menor frecuencia. En 1952, Russell ya no consigue grandes éxitos, y Capitol Records pierde interés en su figura.

Es tiempo de rock and roll, y la música de Russell deja de estar de moda. Russell se da cuenta de que en Mèxico todavía tiene su público y canta para él cada vez más, aunque ocasionalmente grabó para RCA Victor Records mediados los a´os 50. A finales de los aós 50, Russell se mudó a Mexico D.F. y más tarde a Argentina, donde tuvo gran éxito con un programa de variedades en televisión durante siete años. Mediados los años 60, volvió a Estados Unidos por un tiempo y a la discográfica Capitol, grabando algunos LP. También grabó algunos discos para el mercado argentino con buena acogida. Continuó cantando hasta mediados de los años 80 cuando acabó en el olvido. Excepcionalmente en 1967, con el single "It's Such A Pretty World Today" y "I'm Still Not Through Missing You" volvió a la lista Billboard's Easy Listening. Falleció en Sun City, Arizona y fue enterrado en el Loma Vista Memorial Park, de Fullerton, California. Fuente: Wikipedia.

“BESAME MUCHO” es el título de una canción escrita en 1940 por la gran compositora mexicana señora CONSUELO VELAZAQUEZ antes de su vigésimo cuarto cumpleaños. Según la misma señora Consuelo Velázquez (que también confesó haberse inspirado en un ARIA de una OPERA de ENRIQUE GRANADOS) la canción fue compuesta antes de haber sido besada por primera vez. Rápidamente se convirtió en una de las canciones más populares del siglo XX. Emilio Tuero fue el primero en grabarla. Pero sin lugar a dudas el que la hizo mundialmente conocida y popular fue el cantante chileno Lucho Gatica. Abrimos el segmento con la interpretación al piano de ese famoso bolero por la propia compositora señora Consuelo Velazquez.

Fue reconocida, en 1999, como la canción en idioma español más difundida, mas cantada y más grabada en el mundo, fuera de los villancicos y canciones de cumpleaños, y tal vez sea la más traducida entre las compuestas en español. Después de Tuero la grabaron varios artistas, incluidos Los Beatles.

Éstos interpretaron "Bésame mucho", junto con otras 14 más, durante la ahora famosa audición fallida en los estudios Decca, el 1º de enero de 1962. Paul McCartney cantó como vocalista. La tocarían otra vez en la audición para los estudios EMI (cuando finalmente ganaron el contrato de grabación) el 6 de junio de 1962. Ésta última grabación de "Bésame mucho" fue incluida en el álbum compilatorio de 1995 ANTHOLOGY 1, así como en el documental LET IT BE.

OTROS INTERPRETES DE ESE BELLISIMO BOLERO: Adi Batel, Gleb Romanov, Nicolas de Agelis, Alejandro Fernández, Anamìa, Ana Gabriel, Charles Asnavour y Edith Piaff, Herb Alpert, Oscar Aleman, Omara Portuondo, Andrea Bocelli, Javier Solìs, Pacos de Lucìa, Andy Russell, Jewgienij Gartung, Bobby Capò, Jianni, Paul Muriat, Pavlo, Carlos Julio Ramirez, Carmen McRae, Jimmy Dorsey, Pedro Infante, Cesaria Evora,

Charles Aznavour, Chris Isaac, Dalida, Damaso Perez Prado, Joao Gilberto, Pedro Vargas, Daniel Santos, Josè Carreras, Placido Domingo, Dave Brubeck, Juan Garcia Esquivel, Ray Conniff, Dean Martin, Esquivel, Richar Clayderman, Diana Krall, Julio Iglesias, Regina Orozco, Duncan Dhu, Kitty Kallen, Sammy Davis Jr., Elvis Presley, Late Schifrin, Sara Montiel,

Francis Goya, Lila Downs, Stan Getz, Francisco Cepeda, Linda Ronstadt, Sugha Jung, Dave Brubeck, Frank Sinatra, Frankie Laine, Edith Piaff, Gato Barbieri, Susana Zabaleta, Tania Libertad, Kermis Ruffins, Late Schifrin, Lila Downs, Lisa Ono, Tania Libertad, Telefunka, The Beatles, The Coasters, The Flamingos, Los Panchos, The Monistats, Los Piratas,

The Morton Gold Orchestra, Daniel Santos, The Ventures, Louis Armstrong, Trio Ruvela, Lucho Gatica, Valentinos Sax. Luis Alberto del Parañà, Wes Montgomery, Luis Miguel, Xavier Cugat, Swietliki i Linda, Lila Downs, Magdalena Zarate, Mina, Mireille Mathieu, Nana Mouskouri, Nat King Cole, Oscar Aleman, Cristina Motta, Daniel Riolobos.

Esta canción ha sido utilizada además como música para varias peliculas, como: Grandes Esperanzas; A toda máquina; Luna en el Parador; Sueños de Arizona; Moscú no cree en las lágrimas: La sonrisa de la Mona Lisa; El embrujo del Shangai: La fiesta del Chivo. Fue utilizada en el 2004 para crear el montaje musical mexicano del mismo nombre, protagonizada por Natalia Sosa, Plutarco Haza, Miriam Bayard, José Antonio López Tercero y María Fillipini.

Consuelo Velázquez Torres, la insigne compositora de este clásico bolero, que todo el mundo ha cantado y todos los demás quieren cantar, nació en Ciudad Guzman, Zapotlàn El Grande, Jalisco, México, el 21 de agosto de 1916, y falleció en Ciudad de Mexico el 22 de enero de 2005, fue una gran pianista y glamorosa compositora mexicana. A los 4 años de edad su familia se mudó a la capital del estado de Jalisco, Guadalajara.

En esa época comenzó a demostrar un buen oído y grandes aptitudes para la música, por lo que con apenas 6 años se inició en los estudios de música y piano en la academia Serratos, en Guadalajara. Después de 9 años de estudio, se trasladó a Ciudad de México, donde prosiguió con sus estudios y se licenció como pianista concertista y maestra de música.

Su concierto de grado se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes de la capital y poco después se inició como compositora de música popular; Como concertista de piano, fue solista de la Orquesta Sinfónica Nacional y de la Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México. Como compositora su legado ha sido más notorio. Sus primeras composiciones, No me pidas nunca, Pasional y Déjame quererte, fueron de naturaleza romántica.

Luego, surgieron, entre otras, canciones como Besame mucho, Amar y vivir, Verdad Amarga, Franqueza, Chiqui, Cachito, Que seas feliz, Enamorada, Orgullosa y bonita y Yo no fui (canción bailable popularizada inicialmente por Pedro Infante y, en años recientes, por Pedro Fernández). Destaca como un hecho curioso la participación de la gran Consuelo Velázquez como actriz en la película argentina de 1938,

Noches de carnaval, dirigida por el cineasta Julio Saraceni y como pianista en los filmes mexicanos del director Julián Soler Se le pasó la mano de 1952 y Mis padres se divorcian de 1959, además del documental sobre su vida Consuelo Velázquez de 1992; amén de su participación como compositora en diversos filmes también realizados en México. Su éxito más conocido,

Bésame mucho, bolero compuesto en 1940 (a la edad de 24 años), ha sido la melodía que más satisfacciones trajo a la insigne compositora Consuelo Velázquez, convirtiéndose en su carta de presentación en todos los conciertos de musica popular. Después de haber sido grabado por el tenor mexicano Emilio Tuero, se hizo su primera adaptación en idioma inglés grabándolo en 1944 el famoso pianista y cantante estadounidense Nat King Cole (cuando aún este intérprete no pensaba en grabar en idioma español).

De ahí en lo sucesivo, fue interpretado por cientos de artistas alrededor del mundo, como Pedro Infante, Javier Solís, The Beatles, The Flamingos, Xavier Cugat y su Orquesta, The Ventures, Sammy Davis Jr., Lucho Gatica, Placido Domingo, Luis Mariano (quien la popularizó en Francia), Sara Montiel, Jose Carreras, Ray Conniff y su Orquesta, Frank Sinatra, Luis Miguel, Mina, Charles Aznavour, Mina y Diana Krall., entre otros grandes interpretes del universo musical.

Años después del inicio de su carrera, la compositora contrajo matrimonio con el propietario de medios e impulsor de artistas, Mariano Rivera Conde (fallecido en 1977), de cuya unión nacieron sus únicos hijos Mariano y Sergio Rivera Velázquez. En el período comprendido entre 1979 y 1982 formó parte del Parlamento Mexicano, en lo que sería su única intervención en la política de su país.

Afectada por una enfermedad cardiovascular, Consuelo Velázquez falleció el 22 de enero de 2005. Su cadáver fue trasladado al Palacio de Bellas Artes, escenario de su primera presentación, en medio de una importante manifestación de conocidos artistas y del pueblo, en general. Sus cenizas luego fueron inhumadas en la iglesia Santo Tomás Moro, a donde la autora asistía cada domingo a escuchar la misa.

Su última participación artística la realizó como pianista en el más reciente álbum de la cantante mexicana Cecilia Touussaint titulado Para mi...Consuelo, el cual contiene canciones de Velázquez. Recientemente, se ha sabido que la compositora e intérprete, entre sus últimas voluntades dejó siete canciones inéditas entre ellas Donde Siempre (destinada a Cecilia Toussaint), Mi bello Mazatlán (que grabará la Banda El Recodo) y Por El Camino, que la autora legó al cantante mexicano Luis Miguel por quien sentía admiración.

Bésame mucho es conocida también como Kiss Me Much, Kiss Me a Lot, Kiss Me Again and Again, Embrasse-Moi y Stale Ma Boskavaj. Canción traducida a más de 20 idiomas, llegó a ser un icono dentro de la música popular, difundiéndose por todas partes como ninguna otra composición de cualquier género. Su gran acierto en Estados Unidos fue la contextualización de la canción hacia las mujeres que esperaban a sus maridos regresando de la Segunda Guerra Mundial, lo cual fue difundido casi como un himno de amor hacia el ser querido que regresaba con vida.

]]> http://elblogdelbolero.wordpress.com/?p=245 Tue, 15 Apr 2008 16:44:15 +0000 Oswaldo Paez http://elblogdelbolero.wordpress.com/?p=245

Altemar Dutra de Oliveira, nació el 6 de octubre de 1940 y falleció el 9 de noviembre de 1983. Fue un destacado cantante de música popular brasileña, especializado en la modalidad de Bolero Romántico. Exitoso en Latinoamérica fue intérprete de temas como: Brigas (Peleas), Sentimental Demais, O Trovador y Que Queres Tu de Mim, una buena parte de sus canciones fue escrita por la dupla musical conformada por Evaldo Gouveia y Jair Amorim. De hecho ha sido aclamado como "El rey del Bolero" en Brasil. Actualmente no tenemos canciones en español de este astro del bolero, idioma con el que grabò sus grandes exitos, los que lo hicieron famoso artísticamente en toda América. Tan pronto aparezcan en You Tube se los colocaremos para su disfrute. Su carrera tuvo comienzo actuando para la Radio Difusora de Colatina, en Espiritu Santo, localidad a donde su familia se había mudado, interpretando melodías de Francisco Alves. Antes de cumplir la mayoría de edad emigró a Rio de Janeiro, portando una carta de recomendación destinada al compositor Jair Amorim, quien lo puso en contacto con sus amistades del medio artístico. Probó suerte como crooner en diversos centros de espectáculo. Grabó su primer disco en el sello "Tiger" con el título:Saudade que vem (Magalhães y Célio Ferreira) y Somente uma vez (Luís Mergulhão e Roberto Moreira). Hacia 1963, fue llevado por Amorim al programa "Boleros Dentro da Noite" de Radio Mundial, el mismo año Joãozinho del Trío Yrakitan, lo presentó en Odeón en donde firmó contrato, consiguió colocarse en los primeros lugares de las listas de popularidad con el tema Tudo de mim (Evaldo Gouveia y Jair Amorim) logrando el ser conocido en todo Brasil. En 1964 grabó con gran éxito: Que queres tu de mim, O trovador, Sentimental demais y Somos iguais (todas de Evaldo Gouveia y Jair Amorim). Destacó en América Latina, efectuando presentaciones en varios países y grabó un Larga Duración al lado de Lucho Gatica, bajo el título: “El bolero se canta así”. Conteniendo sus éxitos versionados al español; llegó a vender mas de 500 mil copias tan sólo en Latinoamericana. Después de dominar las listas de popularidad locales, ya para 1969, se lanzó a la conquista de Estados Unidos, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los cantantes extranjeros más populares en la Unión Americana. Fue anfitrión de un show para la comunidad latinoamericana, en el club nocturno "El Continente", en Nueva York cuando falleció a los 43 años de edad a causa de un derrame cerebral. Estuvo casado con la cantante Marta Mendonça, con quie procreó dos hijos, Deusa Dutra y Altemar Dutra Junior, siéndo éste último, heredero de la tradición artística. Músico autodidacta, Nació en 1940, debutó en 1958 en un programa de estudiantes de primer año de la radiodifusora de Colatina, en Espirito Santo, donde vivió. Gana la competencia y viaja a Río De Janeiro a los 17 años donde comienza a trabajar como "crooner". Pasando por los programas de radio que consiguió el primer éxito nacional con "Todo Para Mí" (y de Gouveia/ J. Amorim) y se presentó en países diversos de América latina, habiendo vendido 500 mil copias de sus versiones. Fue integrante del Trio Irakitán y luego cantó como solista, desde 1963. Obtuvo buen suceso en Argentina interpretando boleros en castellano. En Brasil su gran éxito fue "Tudo de Mim. Se radicó en USA, donde gozaba de un gran prestigio y fama dentro de la comunidad latina. Allí comenzó a hacer éxitos enorme con la comunidad latina en Estados Unidos, y se convierte en uno de los cantantes extranjeros más populares en ese país. Murió mientras actuaba en New York, en 1983. Fuente: Parcialmente Wikipedia

Fernando Fernández, "El Crooner de México". Nacido el 9 de noviembre de 1916 en Monterrey, Nuevo León, y murió el 24 de noviembre de 2007. Debutó como cantante en 1933, a los 17 años, ante los micrófonos de la emisora XEH de su ciudad natal. Ese año se trasladó al DF sin permiso de sus padres y solicitó ser escuchado en la XEN, Radio Mundial, ubicada en las calles de Madero y Palma. Trabajó ahí una temporada y luego pasó a la XEB. Regresó a Monterrey por exigencia paterna y se desempeñó como productor en la XET. En 1936 conoció a Emilio Tuero, quien le ayudó a ingresar a la XEW, donde tuvo su primera aparición ese mismo año.

La importancia de Fernando Fernández en la historia de la música popular mexicana es que fue el primer "crooner" que tuvo éxito radiofónico y discográfico. La palabra "crooner" se aplicaba en EU durante los años 30 y 40 a los cantantes de "voz menor" pero agradable, que interpretaban melodías dulces con voz aterciopelada y susurrante. En el segundo lustro de los 30, Fernández dibujó una frontera con la época precedente dominada por cantantes llegados a la música popular provenientes del belcanto y que cargaban sobrenombres tan engolados como sus propias voces: Juan Arvizu, "El tenor de la voz de seda"; Alfonso Ortiz Tirado, "El embajador lírico de la canción mexicana", o Néstor Mesta Chaires. Para ellos cantar bien significaba dar el "do de pecho" en cada canción; para Fernández la calidad interpretativa no estaba peleada con la sencillez, con una emisión natural de la voz.

El éxito de Fernando Fernández en la radio y la industria discográfica fue extraordinario, no sólo en México sino en otros países latinoamericanos. En Cuba, los viejos aún recuerdan sus presentaciones durante los 30 y 40 en las estaciones CMQ y RHC. Fue uno de los primeros cantantes mexicanos en recorrer el circuito completo del espectáculo en la época: tuvo éxito en radio, discos, cabarets y cine (la televisión llegó cuando concluía su éxito como figura juvenil y comenzaba el camino para convertirse en personaje nostálgico. Sin embargo, se recuerdan sus apariciones en Sábados con Saldaña, en el Canal 13 a principios de los 70). Para la anécdota: Fernando Fernández fue protagonista de la primera boda transmitida a través de medios electrónicos en México: en 1939, su enlace con la cantante más bonita de aquellos años, Lupita Palomera, causó tal expectación que fue difundido por radio. El repertorio del "crooner mexicano" es extenso; sin embargo, las canciones que se recuerdan como sus grandes hits son aquellas que fueron soundtrack en la serie de películas con temas de cabaret y arrabal que filmó al lado de Marga López y Meche Barba. Para la posteridad quedan sus interpretaciones a "Un corazón", "Arrabalera", "Callejera", "Hipócrita" y, sobre todo, "Traicionera" .Fuente: Fernando Mejía Barquera http://www.etcetera.com.mx/rad67.asp

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Lamentablemente solamente hemos conseguido en You Tube una sola canciòn interpretada por el Dr. Alfonso Ortiz Tirado, titulada "Te quiero dijiste" , que es su titulo original, ya que existen diversas versiones que parten del supuesto de que el nombre es "Muñequita linda", pero es màs por lo que esa frase representa dentro de la canciòn que por otra cosa. Esperamos que con el tiempo podamos colocar otras canciones interpretadas por el gran tenor al que hoy le rendimos un mecrecido reconocimiento. Nació en la ciudad de Álamos, Sonora, el 24 de enero de 1893. Pasó sus primeros años en Culiacán, Sinaloa y se trasladó a la Ciudad de México junto con su madre y hermanos, después del fallecimiento de su padre. Cursó la educación primaria y secundaria en el Colegio de Mascarones, donde se pusieron de manifiesto sus aptitudes para el canto. Posteriormente ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria y al terminar se inscribió en la Facultad de Medicina; recibió su título profesional en 1919 y ejerció su labor con entrega, humanismo y capacidad. Como médico cirujano fue miembro de la Academia Americana de Cirugía, de la Academia Indolatina de Medicina, catedrático de la Facultad de Medicina de la UNAM y miembro de diversos organismos médicos de México y el extranjero. Tuvo muchas satisfacciones, ya que hizo interesantes aportaciones a la ciencia. Su primera inclinación fue hacia la ginecología, pero finalmente se decidió por la ortopedia, con especialización en cirugía reconstructiva. Fue médico de cabecera de la pintora Frida Kahlo, a quien practicó varias cirugías. De igual forma, intervino quirúrgicamente una mejilla al músico y compositor Agustín Lara, y por su gestión llegó a México la primera mesa de Olby para cirugía de espina dorsal. En su carrera artística perfeccionó la voz de tenor natural y se dedicó a recorrer todo Centro y Sudamérica, Estados Unidos y algunos países de Europa, sin descuidar la práctica en el campo de la medicina. Se le reconoció como un gran artista que puso muy en alto el nombre de México, su patria, y el de Sonora, su solar nativo. Sus presentaciones personales hicieron posible la edificación del inmueble donde se instaló un hospital infantil, en la calle de Niños Héroes, colonia Doctores, de la capital de la República. Este edificio después albergó la Unidad de Cardiología al fundarse el Seguro Social, institución que adquirió el inmueble. En el patio del mismo se encontraba una placa de bronce en la cual se leía: Levanté con mi canto este templo para aliviar el dolor y los nombres de todos los países en los que se presentó triunfante el “Chino” Ortiz Tirado, como cariñosamente se le llamaba. Desafortunadamente esa placa desapareció cuando el hospital cambió de dueño. El doctor Alfonso Ortiz Tirado falleció en la Ciudad de México el 7 de septiembre de 1960. Sus restos mortales descansan en el Panteón Francés de la Piedad, en la capital de la República. El 24 de enero de 1985 se realizó en la colonial Álamos un sencillo homenaje para el doctor Alfonso Ortiz Tirado, distinguido sonorense, originario de dicha ciudad, quien fuera médico, cantante, filántropo y humanista de reconocida trayectoria. La velada tuvo como recinto el Auditorio del Museo Costumbrista. En los años siguientes, actividades y público incrementaron notablemente. A partir de 1994 y hasta la fecha, la fiesta en honor al doctor Alfonso Ortiz Tirado se celebra durante nueve días, en nueve municipios de la región. Con el paso del tiempo se ha constituido en un magno evento de trascendencia internacional, con un programa dedicado principalmente al canto operístico y música de cámara, pero incluyente de todas las disciplinas artísticas, así como la artesanía indígena y la cultura popular. El Festival Dr. Alfonso Ortiz Tirado se ha consolidado como el escenario por excelencia para la interpretación del canto operístico en el noroeste. En el 2006, se logró reunir a 970 creadores y ejecutantes nacionales y extranjeros. En 2007 la calidad del programa y la asistencia de poco más de 130 mil personas, ha hecho de FA0T un foro internacional, digno y consolidado para el impulso al desarrollo artístico, cultural y turístico de México. Fuente: Instituto Sorense de Cultura.

Reader’s Digest, como homenaje a Los Tres Diamantes, uno de los tríos más importantes de México, y para celebrar sus más de 50 años de trayectoria artística, presentó una colección especial con 101 de sus más sonados éxitos. En conferencia de prensa conducida por Jaime Almeida, reconocido locutor de radio, y Carlos Carranco, editor de música de Reader´s Digest México, los integrantes de Los Tres Diamantes Gustavo Prado, Enrique Quezada y Saulo Sedano hablaron del logro que esta colección significa para su carrera.

Esta nueva compilación de éxitos titulada “Los Tres Diamantes: 50 años de cantarle al amor”, es un recorrido de casi cinco horas de duración con temas clásicos como Pequeña Serenata, Divina Ilusión y Tema de Amor, además de números legendarios del cine tales como Orfeo Negro, Nunca en Domingo, Gotas De Lluvia Sobre Mi Cabeza, Un Hombre y Una Mujer y MáS Allá (Al Di La). El famoso trío, integrado desde sus inicios por los mencionados cantantes y músicos, festeja sus bodas de oro con las canciones que los llevaron a recorrer el mundo: La Gloria Eres Tú, Usted, Reina Mía, Condición, Sigamos Pecando, Miénteme, Luz y Sombra, además de Cuando Me Vaya, su primera grabación, las mismas que marcaron una época donde el romanticismo del bolero hacía vibrar a toda una generación.

Además de estos temas Reader’s Digest sumó a esta colección Los Tres Diamantes: 50 años de cantarle al amor los temas que lanzaron a la fama internacional a este trío, mismas que llevaron a todos los rincones del mundo como: Bésame Mucho, Cuando Vuelva a tu lado, Marea Baja, Beguine The Beguine, Luces en el puerto y Arrividerci Roma. Este importante repertorio se complementa con las canciones rancheras más emblemáticas de Los Tres Diamantes interpretadas con su estilo inimitable. Temas como La Bikina, La Cama de Piedra, Un Viejo Amor, Tú Solo Tú, Cucurrucucú Paloma y Rogaciano El Huapanguero son un ejemplo del por qué este Trío ha permanecido por 50 años en el gusto de muchas generaciones.

Los Tres Diamantes: 50 años de cantarle al amor, es una colección exclusiva de Reader’s Digest para celebrar las bodas de oro de este trío y que puede ser adquirida en los módulos de Reader´s Digest ubicados en las principales plazas comerciales, no está disponible en tiendas de discos. Fuente: Selecciones. Reader`s Digest 01-02-06. Como un pequeño complemento a la anterior reseña periodística, de igual modo debemos destacar que Enrique Quezada fue una maravillosa primera voz de Los Tres Diamantes. Con una voz dulce que se deslizaba hasta el tono de si - tono al que sólo algunos privilegiados pueden llegar a él - nos regaló bellísimas melodías que se nos grabaron para siempre porque nos emocionaron profundamente cuando las escuchamos por primera vez.

Convirtieron en éxitos muchas melodías del tapatío Gabriel Ruiz: “Usted”, “Amor”, “Soberbia”, “Rebeldía”, “No lo creas”, “Mi corazón abrió la puerta”, “El vicio”, “Tú dónde estás”, “Despierta”, ... Por cierto, la tierna “Buenas noches mi amor”, que en algunos discos se consigna como composición de Gabriel Ruiz, es en realidad una canción extranjera de G. Zetina, H. Jiraud y Marc Fontenay.

Pero los tres miembros del trío fueron también excelentes compositores. Gustavo Prado compuso, entre otras, “María”, “Se fue mi amor”, “Lindo Sakura”, la letra de “Amar qué divino” a música de Chopin; Saulo Sedano por su parte compuso: “No me importa el pasado”, “Mentira mentira”, “Reina mía”, “No te perdonaré”, “Yo quise ser bueno”; Enrique Quezada escribió la letra de Divina Ilusión a música de Chopin, Llévame contigo.

La musicalidad y el talento para escribir de los tres es indiscutible. Asì como es indiscutible su maravillosa forma de decir los boleros, que los distinguió de los otros famosos tríos existentes. Sus canciones tienen todos los ingredientes que un artista le puede poner a su obra para que sea plenamente hermosa:

Buena temática en la letra, excelente música, el mejor arreglo de voces, las mejores introducciones, la mejor calidad en la ejecución, y, como si fuera poco, la perfecta claridad en la interpretación.. Por eso ha sido muy emocionante y un auténtico privilegio ver a Enrique Quezada cantando en vivo, en agosto de 2007, a sus 87 años de edad. Fuente: http://nuestrostrios.blogspot.com/

Rosalía Palet Bonavía, nació el 11 de febrero 1923, en Nueva York, es una destacada figura artística cubana del canto, teatro, cine, radio y televisión, desde la década de 1940, mejor conocida artísticamente como Rosita Fornes. Nace en el Woman's Hospital (110th Street y Amsterdam Avenue), de Nueva York, Estados Unidos, hija de padres españoles radicados en Cuba que temporalmente permanecían en la urbe estadounidense. Su madre Guadalupe Bonavia Fornoza, ama de casa, de ascendencia madrileña, y su padre Santiago Palet, de origen catalán; habían viajado a Nueva York a principios de 1921 a fomentar negocios. Allí permanecieron hasta finales de 1925, cuando Rosita y su madre regresan a La Habana, quedando el padre en Nueva York.

Tras el distanciamiento y posterior divorcio, la señora Guadalupe contrae matrimonio con José Fornés Dolz, valenciano, empresario de perfumería y cosméticos, y en otra época constructor de bienes raíces, que le dio a la niña verdadero cariño paternal. Rosita es la mayor de tres hermanos: el segundo José Enrique, nacido en Madrid, y el tercero Leopoldo nacido en La Habana, ambos hijos de Fornés. En la familia existían antecedentes artísticos; por vía materna –el hermano de su abuela, fue actor dramático; y una prima de ambos fue cantante de opera-; además, su abuelo materno fue empresario teatral. Amante de la buena música acumuló una extensa discoteca, entre la que destacaban famosas óperas. Su abuela, ante las travesuras e inquietud de la niña, la sentaba a escuchar aquellas arias operáticas y le iba narrando fantasiosamente los argumentos; eso fue despertando en la pequeña su interés y percepción musical. Por otra parte, todos sus juegos infantiles giraban hacia el arte. Actuaba, cantaba, declamaba; unas veces con amiguitas y otras ante el espejo. En 1933 la familia emigró a España; estableciéndose primero en Madrid y posteriormente en Valencia. En este tiempo en la Península, aumentó su interés por la canción y Rosita aprende infinidad de cuplés y coplas en boga por esa época.

Allí permaneció la familia hasta que estalló la Guerra Civil en 1936, decidiendo entonces regresar a Cuba; lo hacen en el transatlantico Manuel Arnús. A bordo es donde realiza su primera presentación en público, a los 13 años de edad, interpretando el tango “Silencio en la noche”, acompañada al piano por otra pasajera –una concertista santiaguera. La radioemisora cubana CMQ-Radio comenzó el 1ero de Diciembre de 1937 un programa de aficionados -dirigido por José Antonio Alonso- llamado “La Corte Suprema del Arte”, el cual se fue haciendo muy popular en su momento. De allí surgieron muchísimos talentos que con el tiempo llegarían a convertirse en verdaderas estrellas nacionales. Como característica peculiar los concursantes eran eliminados a través del toque de una campana. Rosita Fornès pidió e insistió una y mil veces a sus padres le permitieran participar, hasta que los convenció. El 12 de septiembre de 1938 se presentó en los estudios de Monte y Prado, cantando la milonga “La hija de Juan Simón” acompañada por el andaluz Manolo Tirado a la guitarra. Ese día nació para el arte: ROSITA FORNÉS… Y no le tocaron la campana. Iniciaría entonces su preparación artística recibiendo clases de música con Juan Antonio Cámara; de canto con el tenor Mariano Meléndez y con los maestros Lalo Elósegui, Dominicis y Dalmau; de actuación con la gran actriz Enriqueta Sierra y de bailes con Margarita Lecuona. Con las estrellas nacientes del programa, continuó participando –como aficionada- en programas de radio y en giras nacionales dirigidas por Germán Pinelli. Con el mismo grupo, participó en el coro y bailó en la contradanza en una puesta de “Cecilia Valdés” (Roig) -papel que haría Estrellita Díaz- que realizara el propio maestro Gonzalo Roíg, en el Teatro Nacional (hoy Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana). Este sería el primer escenario que pisaría.

Su debut cinematográfico lo haría en 1939 en el film de Ramón Peón “Una aventura peligrosa”, cantando por primera vez una canción cubana -"Intrusa" de Ramiro Bonachea- para esta película. Su primera actuación profesional la haría en el Teatro Nacional, contratada por el empresario artístico Heliodoro García, para cantar junto a los Chavalillos Sevillanos; este empresario sería igualmente quien la llevaría al cabaret Sans Souci, donde se presentó durante seis meses. Esta sería su primera actuación en cabaret. En 1940 participó por vez primera en el genero lírico a través de la radio, en la revista “Las musas latinas” (Penella) y la zarzuela “Los gavilanes” (Guerrero). Allí la descubriría el tenor cómico español Antonio Palacios. Su entrada grande a los escenarios la haría en el Teatro Principal de la Comedia en junio de 1940, a los 17 años de edad, de la mano de Antonio Palacios -su padre artístico- con la opereta “El asombro de Damasco” (Luna), en el rol de Zobeida. Allí conocería al maestro Ernesto Lecuona quien la invitaría a participar en su compañía lírica. Con Lecuona intervendría –como tiple cómica- en el estreno en Cuba de “La del manojo de rosas” (Sorozábal) el 9 de octubre de 1941 y la reposición de “Los gavilanes” (Guerrero); siendo la tiple cantante la soprano española Eugenia Zúffoli y con artistas tan experimentados como Miguel de Grandy, Luisa María Morales y Antonio Palacios. Además, presentarían con esta compañía “La viejecita” (Fernández Caballero) y “El rey que rabió” (Chapi). También junto a Lecuona, debutó en el rol de Isabel Ilincheta de la zarzuela “Cecilia Valdés” (Roig), en el Teatro Auditórium (hoy Teatro Amadeo Roldán). El maestro igualmente la lleva a participar en un show con su música al desaparecido Casino Nacional, donde interpretó por vez primera dos de sus gemas: Siboney y Siempre en mi corazón.

El 15 de enero de 1942 estrenaría en Cuba “Luisa Fernanda” (Moreno Torroba) en el rol de la duquesa Carolina en el Teatro Principal de la Comedia, junto a Zoraida Marrero (Luisa Fernanda), Miguel de Grandy, Paco Obregón, Antonio Palacios y Rolando Ochoa. Terminando una temporada comienza otra y así va sumando roles a su imparable carrera lirica, titulos como: “La verbena de la Paloma” (Bretón) en el Teatro Nacional; “La viuda alegre” (Lehar), “La duquesa del Bal-Tabarin” (Bard), “La casta Susana” (Gilbert), “La princesa del dollar” (Fall), “Doña Francisquita” (Vives), “La princesa de las Czardas” (Kalman), “Lola Cruz” (Lecuona), el sainete lírico “María de los Ángeles” (Lecuona); así como en innumerables revistas, entre las que sobresalen “Las Leandras” (Alonso-Múñoz Román) y “El regreso de Tito” (C. Robreño), bajo la dirección musical de Rodrigo Prats. Pasando unas veces por el Teatro Principal de la Comedia, el Teatro Campoamor o el Teatro Marti y en las compañías de Palacios, Lecuona o de Grandy; conformando así su estela. Paralelamente a su labor teatral, continuó siempre presentándose en radio -contratada con espacios fijos- ya fuera en CMQ, COCO o en RHC Cadena Azul. Además de rodar su segunda película, “Romance Musical” (1941). La crítica unánimemente advirtió en la joven, aptitudes notables, capaces de abrirle grandes horizontes bajo una buena dirección. El público la destacó enseguida, concediéndole con largueza su favor. Pero ella no se conformó solamente con la vertiente lírica; quiso además hacer teatro dramático. En noviembre de 1942 debutó como actriz en el Teatro Nacional en el rol de doña Inés de “Don Juan Tenorio” (Zorrilla), junto al gran actor Otto Sirgo. Más tarde dirigida por Miguel de Grandy haría en el Teatro Campoamor: “La novela de un jóven pobre” y “La dama de las camelias” (Dumas), junto a Otto Sirgo, Concha Pascual, Pedrito Fernández entre otros actores. Y en el Teatro Principal de la Comedia: “Casa de muñecas” (Ibsen), junto a Carlos Badias. Además, actuaría en “La papirusa”, “Dios se lo pague”, “Nuestra Natacha”, “Doña Diabla”, “La danzarina roja” (Hirsh) y “Dueña y señora”, entre otras muchas obras.

Mostrando otra faceta más, participó en del género de la comedia, incorporándose al elenco de Mario Martínez Casado en el Teatro Principal. Hizo alta comedia, desde “Topacio” (Pagnol), “Morena Clara” (Quintero), “La chica del gato”, “Las don Juanes”, “Amo a una actriz”, “Yo le cedo a mi mujer”, “Mis tres mujeres”, junto a Enrique Santiesteban; y un interminable etc. Participó en dos de las primeras comedias clásicas cubanas, “Vivimos hoy” y “Hotel Tropical” (Olga de Blanck) en el Teatro Auditórium. En 1945 -a los 22 años de edad- ya había hecho carrera, era previsible que levantara vuelo y buscara nuevos horizontes; la nueva “conquista” sería Mexico. Debutó en la cinematografía azteca en la película “El deseo”, de Chano Urueta, una adaptación de la novela homónima del escritor alemán Hermann Sudermann. Terminado el rodaje regresó a Cuba donde continuó su ritmo habitual. Meses más tarde es contratada por el empresario argentino Roberto Ratti para debutar en el Teatro Arbeu de Ciudad de México, como primera vedette de la Compañía de Revistas Modernas, junto con artistas argentinos, mexicanos y cubanos, presentando en diciembre la revista “Ritmos y canciones de América”, con gran éxito. Como vedette protagonizó innumerables revistas en los teatros Arbeu, Lírico y Follies. El 15 de septiembre de 1946 inauguró el Teatro Tívoli con la representación de la revista “Chofer al Tívoli”. La Asociación de Periodistas Mexicanos la proclama “Primera Vedette de México”, este galardón se repetiría entre los años 1946 y 1950; mientras que en 1951 y 1952 es declarada “Mejor Vedette de América”. Al mismo tiempo, continúa trabajando en la radio mexicana e interviene en cinco películas: “Se acabaron las mujeres” (1946), “La carne manda” (1947), “Cara sucia” (1948), “Mujeres de teatro” (1951) y “Del can can al mambo” (1951). En 1947, viajó hacia los Estados Unidos, debutando en el Teatro Madison de Los Angeles, recorre además San Francisco, San Diego, San Antonio y Texas. El 20 de diciembre de 1947 se casó con el actor mexicano Manuel Medel, fruto de esta unión llegaría su única hija, Rosa Maria, nacida el 10 de marzo de 1949. En 1950, partió a Venezuela al frente de una compañía de operetas para debutar en el Teatro Nacional de Caracas junto al afamado tenor Luis Sagi Vela.

Este mismo año, viajó nuevamente a los Estados Unidos, donde debutó en el Teatro Latino de Nueva York. A su regreso a México, fundó con su marido, la Compañía de Teatro lírico Medel-Fornés, con la que recorrieron todo el país. Representarían: “El soldado de chocolate”, “El encanto de un vals”, “La gatita blanca”, “La verbena de la Paloma”, “La revoltosa”, “La marcha de Cádiz”, “Luisa Fernanda”, “Los gavilanes”, “La viuda alegre” y “Doña Francisquita”, entre otras. Fue tanto el éxito de la compañía, que fue menester contratar a una figura que pudiera alternar con ella; entran entonces la soprano española Pepita Embil y su esposo, el barítono Plácido Domingo, padres del mundialmente famoso divo de hoy del mismo nombre. Por desavenencias matrimoniales, regresó en febrero de 1952 definitivamente a Cuba junto a su hija. Enseguida la llamarían para enrolarla en la naciente televisión cubana. Su debut televisivo lo hizo en el espacio Gran Teatro Esso en CMQ-TV con la opereta “La casta Susana”, bajo la dirección musical del maestro Gonzalo Roíg y nuevamente reunida con Antonio Palacios, Miguel de Grandy, Maruja González y los Martínez Casado. Allí conoce a Armando Bianchi, con quien a partir de este momento uniría carrera y poco más tarde, toda su vida, hasta el 28 de julio de 1981, en que Bianchi fallece. En la Televisión Cubana, Rosita logró consolidar su carrera y es este medio el que le brinda una popularidad extraordinaria, la que mantiene hasta nuestros días. Ante las cámaras interpretaría: dramas, revistas musicales, operetas, zarzuelas, comedias y un amplio repertorio de canciones. Largas temporadas en las que estelarizó espacios fijos, otras veces en apariciones esporádicas, pero siempre contando con el beneplácito de la teleaudiencia, la que les hiciera merecedores junto a Armando Bianchi del título de Miss y Mister Televisión 1953.

En esta étapa creó su propia compañía de operetas, debutando en el Teatro Martí con “Pardon Madame” “(Victoria y su húsar)” de Paul Abraham, junto a Miguel Bodegas, Miguel de Grandy (padre e hijo), Zoraida Beato, Armando Bianchi y Conchita Brando, con dirección musical de los maestros Gonzalo Roíg y Rodrigo Prats. Se reponen “Las Leandras”, junto a Rolando Ochoa; “Los gavilanes”, “La verbena de la Paloma”, “La Revoltosa”, “Luisa Fernanda”, “La duquesa del Bal-Tabarin”; zarzuelas y operetas que Antonio Palacios y Miguel de Grandy dirigieron nuevamente para ella. Estrenó además en el cabaret Tropicana, un show inspirado en operetas con el título de “Las Viudas Alegres”. Intervino también en cuatro coproducciones con los estudios fílmicos mexicanos: “Piel canela” (1953); “Tin Tan en La Habana” ó “El mariachi desconocido” (1953); “Hotel Tropical” ó “Me gustan todas” (1954) y “No me olvides nunca” (1956). Realizó temporadas de vodevil junto a Mario Martínez Casado. Actuó en Honduras y nuevamente Venezuela, Estados Unidos y México. Grabó sus primeros long play. Uno en solitario y otro junto a Armando Bianchi. Pero su fuerte sería la TV; espacios fijos como: "Video-Revista La Corona”, “La canción cuenta su historia” y “Mi esposo favorito” (Joaquín M. Condall) -inspirado en la comedia estadounidense “I love Lucy”- el que se mantendría por varios años al aire, siempre de pareja con Bianchi. Además de apariciones esporádicas en los estelares: “Un romance cada jueves” (teatro), “La comedia del domingo”, “Jueves de Partagas”, “Cabaret Regalías” y “Festival RCA Víctor” (musicales). Por esta época -recibe consecutivamente por varios años- el “Premio a la mejor vedette del año”,