Me uno a los tributos a su vida…

     04/03/1932 – 10/11/2008

Preeminente cantante y activista sudafricana cuya voz contra el apartheid le costó 31 años de exilio. En sus 50 años de carrera, como cronista de la experiencia sudafricana, se estableció como la “Madre África” y la “Emperatriz de la canción africana” trayendo los sonidos rítmicos y espirituales de África a Occidente y convirtiéndose en un símbolo de la lucha por la igualdad racial.

Zenzile Miriam Makeba nació en un distrito segregado de Johanesburgo. Su madre era curandera espiritual y también hacía trabajos como empleada doméstica. Su padre era empleado de Shell. Con la muerte temprana de su padre, Miriam tuvo que ponerse a trabajar desde temprana edad como empleada doméstica. Buscando una manera de sobrevivir, la producción y venta de cerveza casera le significaron su arresto, cuando Miriam tenía apenas dos semanas de vida. Miriam sirvió junto a su madre los seis meses de prisión. De niña, cantaba en la escuela Metodista de Pretoria, donde fue elegida para cantar con otros niños Qué vida triste tiene el hombre negro para la visita del rey Jorge VI. Fue su primera decepción cuando, luego de esperarlo bajo la lluvia, el coche del rey pasó de largo sin detenerse a escucharlos.

Como adolescente realizaba tareas doméstica agotadoras para las familias blancas, además de soportar abuso físico de su primer marido. Encontró apoyo y un sentido de comunidad en la música y la religión, cantando primero en un coro y luego con grupos locales con los que tenía éxito en los circuitos locales. Para Miriam la música ya era una especie de magia que conseguía elevarla de la pobreza a su alrededor.

Cuando el apartheid fue establecido en Sudáfrica en 1948, Miriam ya tenía edad para entender las consecuencias. Su carrera profesional comenzó en 1950 con los Manhattan Brothers, antes de formar su propio grupo, The Skylarks, que interpretaban una mezcla de jazz y melodías tradicionales sudafricanas. Miriam tuvo a su única hija, Bongi, a los 17 años. Al poco tiempo se le diagnosticó cáncer de mama y su madre la trató con métodos de medicina no convencional con éxito. Su marido la dejó poco después.

En 1959, actuó en el musical King Kong junto a Hugh Masekela, su futuro marido. Aunque ya grababa con éxito, Miriam recibía apenas unos pocos dólares por cada sesión de grabación. Su oportunidad se produjo cuando fue protagonista de un documental en contra del apartheid llamado Come Back, Africa en 1959. Asistió a su estreno en el Festival de Venecia y luego viajó a Londres, donde conoció a Harry Belafonte, quien la ayudó a entrar en los EE UU.  Belafonte le consiguió conciertos en los clubs nocturnos de Nueva York, con lo que se hizo conocer y respetar por su talento. Allí lanzó muchos de sus éxitos más famosos, incluyendo Pata Pata, The Click Song y Malaika.

En 1966, Miriam recibió un Grammy por Mejor grabación folk junto con Harry Belafonte por el álbum An Evening With Belafonte/Makeba. El álbum trataba sobre la lucha política de los sudafricanos negros bajo el apartheid.

El llamado de Makeba para terminar con el apartheid se hizo cada vez más fuerte, con lo que sus discos fueron prohibidos en Sudáfrica. Su exilio de más de tres décadas comenzó en 1960, cuando su madre falleció y para ir a su entierro Makeba fue a renovar su pasaporte sudafricano y recibió un sello de “anulado”. Luego de testificar en 1963 contra el apartheid ante las Naciones Unidas, se le revocó su ciudadanía sudafricana y su entrada al país. Miriam Makeba tuvo nueve pasaportes y diez países le otorgaron la ciudadanía honoraria.

Tampoco tuvo mucha paz en su vida personal, ya que entre 1959 y 1966 tuvo dos matrimonios fallidos, además de recibir la noticia de que tenía cáncer de útero y tener que someterse a una operación invasiva.

En 1968 su casamiento con el activista de derechos civiles y líder de los Black Panthers, Stokely Carmichael causó gran polémica en EE UU y los contratos de grabación y giras de Makeba fueron cancelados. La pareja se mudó a Guinea donde trabaron amistad con el presidente Ahmed Sékou Touré y su esposa. Makeba se separó de Carmichael en 1973 y continuó sus actuaciones en África, Sudamérica y Europa. Makeba fue delegada de Guinea ante las Naciones Unidas por lo que le dieron el Premio de la Paz Dag Hammarskjöld en 1986.

Luego de la muerte de Bongi en 1985, se mudó a Bruselas y publicó su autobiografía Makeba: mi historia. Nelson Mandela la convenció de que regresara a Sudáfrica en 1990.  Makeba apareció en incontables programas de TV, y filmó varias películas documentales y largometrajes relacionados con el apartheid y la lucha de igualdad.

En enero de 2000, su album Homeland fue nominado para un Grammy en la categoría de mejor música del mundo. En 2001 la Asociación de las Naciones Unidas de Alemania le otorgó el Premio por la Paz Otto Hahn por sus destacados servicios por la paz y el entendimiento internacional.  En 2004, Makeba fue votada 38 entre los 100 más grandes sudafricanos. A pesar de su artritis, en 2005, realizó una gira de conciertos de despedida por todos los países que había visitado durante su carrera.

Sin embargo, Makeba siguió cantando. “Cantaré hasta el ultimo día de mi vida”, dijo Makeba y así lo hizo. Miriam Makeba falleció luego de dar un concierto en Italia en apoyo de Roberto Saviano, amenazado de muerte por su resistencia contra el grupo mafioso la Camorra. Makeba sufrió un ataque cardíaco luego de cantar Pata Pata y fue internada de urgencia. Los médicos no pudieron revivirla. En su mensaje de condolencia, Nelson Mandela dijo: “No es en vano que sus últimos momentos hayan sido sobre el escenario, enriqueciendo los corazones y las vidas de otros, y apoyando una causa justa.”

  06/09/1860 – 21/05/1935

Fue la primera mujer en recibir el Premio Nobel de la Paz. Ganó reconocimiento mundial como pionera en el trabajo social en EE UU, como feminista en su filosofía y como internacionalista.

Nació en Illinois en una familia de ocho hijos. Su padre fue un próspero molinero y líder político local  que luego sirvió como senador y luchó en la Guerra Civil. Fue amigo de Abraham Lincoln.

A pesar de tener un defecto congénito en la columna vertebral, y tener que ser hospitalizada esporádicamente, Jane comenzó a estudiar medicina en 1881 contra la insistencia de su padre para que formara una familia, como se esperaba de las jóvenes de su clase social en esa época. Jane no tenía interés en las tareas domésticas y el cuidado de una familia. Quería algo más y su talento como líder ya era evidente. Como táctica de disuasión, su padre envió a su familia en un viaje por Europa durante un par de años. A su regreso su padre falleció, lo que provocó un estado de culpa en Jane y su salud se resintió. Finalmente, tuvo que ser operada de la columna y permaneció incapacitada de movimiento durante un año, en el que tuvo tiempo para pensar.

Una vez recuperada, decidió hacer otro viajé por Europa esta vez con su amiga Elen Starr. Su visita al centro de acción social Toynbee Hall de Londres le dio la idea de abrir un centro similar en Chicago. En 1889, junto a su amiga Starr, alquilaron una mansión en un área pobre de la ciudad y se mudaron allí para la investigación y la mejora de las condiciones en los distritos industriales de la ciudad y crear proyectos educacionales y filantrópicos. Así nació Hull-House.

Dieron charlas sobre las necesidades del barrio, levantaron fondos, y convencieron a jóvenes de familias ricas que ayudaran con el cuidado de niños y enfermos y se interesaran por los problemas de la clase trabajadora. Como creadora y líder del proyecto, Jane conseguía atraer a cientos de personas al igual que la generosidad de patrocinadores. El dinero fluía y en pocos años Hull-House recibía dos mil personas por semana. Con clases para niños por la mañana, reuniones para adolescentes por la tarde y reuniones y clases para adultos durante la noche, pronto también se abrió una galería de arte y una cocina pública. Luego el proyecto se expandió para dar lugar a una cafetería, un club para niñas, un gimnasio con piscina, un taller de arte, una escuela de música, un grupo de teatro, una biblioteca, una oficina de empleos y un museo del trabajo.

Como colega y amiga de los miembros de la Escuela de Sociología de Chicago, Jane tuvo gran influencia a través de su trabajo social aplicado y en 1893 fue coautora del libro Hull-House Maps and Papers que definía los métodos de la Escuela. Trabajó con George Mead en temas de reforma social, incluyendo la defensa de los derechos de la mujer y la erradicación del trabajo de menores.

Los trabajadores apoyaron a Jane para ejercer presión ante el estado de Illinois a que examinara las leyes de menores, los trabajadores, la mujer y la industria. Su trabajo a favor de la reforma económica en beneficio de los trabajadores le significó la crítica y la pérdida de algunas donaciones para Hull-House. Ella misma suplementó ese dinero con los ingresos que recibía de sus conferencias y artículos.

Debido a su merecida notoriedad, el trabajo de Jane adquirió mayor envergadura y otras responsabilidades. En 1905, la nombraron miembro del Consejo de Educación de Chicago y luego presidenta del Comité Administrativo de Escuelas. En 1908 participó en la fundación de la Escuela de Civismo y Filantropía de Chicago y al año siguiente se convirtió en la primera presidenta del Congreso Nacional de Organizaciones Benéficas y Correccionales.

En su área realizó investigaciones sobre obstetricia, consumo de narcóticos, suministro de leche y condiciones sanitarias. Jane sabía que para erradicar la pobreza, era necesario cambiar las leyes. Allí también dirigió sus esfuerzos, directamente a las causas de la pobreza a través de la legislación. Jane creía que la voz de la mujer también debía verse reflejada en la legislación y por lo tanto debía tener el derecho al voto. Pero también pensaba que la mujer debía generar sus aspiraciones e ir en busca de oportunidades para realizarlas.

Para lograr su propia aspiración de acabar con las guerras, en 1906 Jane dio una serie de conferencias en la Universidad de Wisconsin, que luego fueron publicadas con el título de Newer Ideals of Peace (Nuevos ideales de paz). En 1910 recibió el primer título honorario conferido a una mujer por la Universidad de Yale.
Habló en favor de la paz en 1913 durante la ceremonia de conmemoración de la construcción del Palacio para la Paz de La Haya. También se opuso a la participación de EE UU en la Primera Guerra Mundial. En 1915 aceptó el nombramiento como presidenta del Partido de Mujeres para la Paz y unos meses más tarde fue nombrada presidenta del Congreso Internacional de Mujeres de La Haya convenido por iniciativa de Aletta Jacobs, sufragista de gran talento. Cuando ese congreso luego instituyó La Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad, Jane Addams fue su presidenta hasta 1929.

Luego de oponerse públicamente a la participación de EE UU en la guerra, Addams fue atacada por la prensa, pero igualmente se entregó al trabajo como asistente de Herbert Hoover en el suministro de víveres para las mujeres y niños de las naciones enemigas, experiencia que relata en su libro Peace and Bread in Time of War (Paz y pan en tiempos de guerra) (1922).
Addams consiguió ver muchas de las cosas por las que luchó convertirse en políticas bajo la presidencia de Franklin Roosevelt.

Nunca se casó, pero vivió durante varios años con Mary Rozet Smith con quien tenía una casa en Maine. Luego de haber sufrido un ataque cardíaco en 1929, Addams nunca recuperó su salud. Incluso el mismo día en que le dieron el Premio Nobel de la Paz en 1931, fue internada en el hospital de Baltimore. Falleció tres días luego de que una operación reveló que tenía cáncer. Miles de personas asistieron a su funeral en Hull-House.

La Asociación por la Paz Jane Addams, entrega un premio anual para libros infantiles que promuevan la paz, la igualdad, el multiculturalismo y las soluciones pacíficas.

Nada puede ser peor que el miedo de haber desistido demasiado pronto, y no haber hecho un esfuerzo más que podría haber salvado al mundo. J.A.

El bien que conseguimos para nosotros mismos es precario e inseguro hasta que no lo es para todos y es incorporado en nuestra vida en común. J.A.

     06/07/1937 – 17/04/1986

Escritora y periodista que se negó a que la llamaran escritora Africana, escritora negra, escritora feminista, escritora revolucionaria. Escribía para todos en cualquier parte. La obra de Bessie resalta el valor de la vida común y la gente humilde.

Bessie nunca conoció a sus padres. Su madre, apodada Toby, estaba internada en el hospital psiquiátrico de Pietermaritzburg y su padre fue un hombre negro desconocido. Bessie nacio y se crió en Sudáfrica en la época del apartheid. Allí sufrió la pobreza, la segregación y fue discriminada por ser mujer. También tuvo que cuidar de su delicado equilibrio emocional.

Hija de una mujer sudafricana de dinero y un sirviente negro, en una época en que las relaciones interraciales estaban prohibidas en Sudáfrica. Debido a la enfermedad mental de su madre, Bessie fue adoptada por una familia blanca. Al darse cuenta de que Bessie no era blanca, la familia la devolvió. Fue criada entonces por una pareja de católicos devotos negros, Nellie y George. Bessie se crió creyendo que Nellie era su madre.

Preocupada por el bienestar de Bessie, la madre de Toby enviaba cheques a sus padres adoptivos. Con la muerte de Toby, cuando Bessie apenas tenía seis años, su abuela dejó de enviar dinero y rompió los lazos con su nieta.

Lo único que Bessie supo de su madre es que se llamaba Toby. Nunca supo nada de su padre, cuya identidad fue guardada en secreto.

Luego de terminar la escuela primaria, Bessie fue internada en una escuela anglicana para “niñas de color”. Fue un gran cambio en su vida. Al comienzo no le gustaba ni la disciplina ni la nueva religión, pero pronto se adaptó y comenzó a disfrutar de largas horas en la biblioteca.

A los catorce años, la escuela se negó a que visitara a Nellie para la navidad. En cambio, la llevaron a un tribunal donde le dijeron que Nellie no era su madre. “Tu madre era una mujer blanca y tu padre un nativo”, le dijeron. Aunque Bessie imploró con lágrimas que la dejaran ir a casa con Nellie, no se lo permitieron.

Bessie se refugió en los libros. A los dieciséis años, luego de terminar sus exámenes final, se escapó de la escuela y fue a su casa en Pietermaritzburg. Aprobó los exámenes y comenzó un curso docente de dos años. En enero de 1956, a los dieciocho años, Bessie dejó la escuela. Había disfrutado de la vida protegida pupila en una escuela durante seis años. Ahora saldría a la vida real.

Obtuvo un puesto como maestra en Durban, mientras que tomaba conciencia de la agitación política en Sudáfrica. No disfrutaba de la docencia debido a la falta de disciplina y el desinterés de los estudiantes. Pronto Bessie estaría al borde de una crisis nerviosa. En 1958 renunció a su trabajo y decidió ser periodista en El Cabo. A los veintiún años compró un billete de tren, se despidió de Nellie y partió a Ciudad del Cabo.

Pronto encontró trabajo como corresponsal independiente, la única mujer en el Golden City Post, un periódico para “no blancos”. Alquiló un cuarto en un barrio pobre para “gente de color”.

Al año siguiente se mudó a Johannesburgo para trabajar en la revista Home Post. Allí conoció a renombrados periodistas africanos. Comenzó a involucrarse en la política con un movimiento de liberación. En 1960 fue arrestada durante una manifestación luego de la masacre de Sharpeville. Ese mismo año un conocido artista a quien ella admiraba la agredió sexualmente. Desesperada, tuvo un intento de suicidio. Luego de un tiempo en el hospital, regresó a Ciudad del Cabo. Retomó su trabajo con el Golden City Post, pero cayó en depresión y dejó el trabajo. Cuando se recuperó comenzó su propio diario casero, The Citizen, que expresaba sus firmes opiniones pro-africanistas.

En 1961 conoció al periodista Harold Head, miembro del partido Liberal no racial, con quien se casaría en septiembre. En 1962 tuvieron a su único hijo Howard. Por debajo de la aparente tranquilidad, Bessie comenzó a sentirse alienada de su país y su vida matrimonial, con la creciente brutalidad del Apartheid. Experimentó con poesía y ficción y publicó su primer cuento en The New African. En 1963, Bessie se mudó a casa de su suegra con Howard y dejó a su marido.

En 1964, postuló para un trabajo en Serowe y fue aceptada. Cuando el gobierno sudafricano se negó a darle un pasaporte, Bessie consiguió un permiso de salida, con el que no podría regresar más a Sudáfrica. Así dejó el Apartheid para comenzar una nueva vida junto a su hijo.

En Serowe, Bessie trabajó en una escuela primaria, al mismo tiempo que escribía cuentos sobre el lugar. En 1965, dejó la docencia para dedicarse enteramente a la literatura. A pesar de la ocasional ayuda financiera de amigos, Bessie vivía en la absoluta pobreza. Al cabo de un tiempo reinstaló con su hijo en un campamento de refugiados. Allí su suerte cambiaría con la oferta desde Nueva York para que escribiera una novela, Rain Clouds.

En 1968 volvió a Serowe, donde se convirtió en objeto de habladurías que le causaron problemas prácticos y de salud mental. Una vez hospitalizada, las habladurías terminaron y la comunidad aceptó que Bessie tuviera problemas mentales. La dejaron tranquila y Bessie retomó su trabajo creativo en calma una vez más.

Luego de Rain Clouds y la excelente recepción de la crítica en Nueva York y Londres, Bessie comenzó otro libro, Maru y construyó su propia casa donde viviría dieciséis años. El patrón de depresiones y alucinaciones no la dejó, aunque nunca dejó de escribir. Cuando Maru se publicó en 1971, Bessie tuvo una serie de episodios de descontrol y terminó en un psiquiátrico una vez más por una temporada.

Una vez afuera comenzó su libro más difícil, A Question of Power, novela autobiográfica que recibió el aplauso inmediato de la crítica y le trajo el respeto internacional de escritores y lectores.

Otros libros se publicaron con años de retraso por problemas entre editores y algunas malas decisiones de Bessie, con lo que se endeudó y una vez más tuvo problemas financieros. En 1976 la Universidad de Botswana la invitó a dar una charla por primera vez, lo que cambiaría su situación económica para siempre con las constantes invitaciones internacionales.

Aunque Bessie solicitó la ciudadanía en 1977, se la negaron y continuó reportándose a la policía como refugiada. En 1979 le concedieron la ciudadanía sin haberla solicitado, siendo ya una especie de embajadora de Botswana con sus constantes invitaciones al extranjero.

Su ultimo libro, A Bewitched Crossroad: An African Saga apareció en 1984, luego de años de investigación. Es la mayor alabanza a la historia Africana y sus tradiciones. En los años 80 Bessie estaba agotada y sufrió la penosa ruptura con su hijo Howard. Comenzó a beber y su salud de perjudicó con el exceso de peso. Su muerte temprana en 1986 a los 49 años por contraer hepatitis se produjo cuando comenzaba a ganarse el reconocimiento y había salido de la pobreza.

En julio de 2007, la biblioteca de Pietermaritzburg, su ciudad natal, recibió su nombre en su honor.

En 2003 recibió póstumamente la Orden sudafricana de Ikhamanga por su contribución excepcional a la literatura y la lucha por el cambio social, la libertad y la paz.

Su última pieza literaria fue un artículo breve en marzo de 1985. Sus últimas palabras:

“Estoy construyendo una escalera a las estrellas. Por eso escribo”. B.H.

“Mi mundo se opone al mundo de los políticos… Hacen planes para la gente y les ordenan lo que deben hacer. En mi mundo, la gente planea para sí misma… Es un mundo lleno de amor, ternura, alegría y risas.” B.H.

A pedido de una lectora de MPP…un rostro que no está entre los primeros 200.

   16/05/1898 – 18/03/1980

Tal vez la pintora más famosa del período art deco. Su estilo singular se desarrolló rápidamente dentro de las influencias del cubismo, representando el lado más frío aunque sensual del movimiento. La técnica de de Lempicka era novedosa, limpia, precisa y elegante.

María Gorska nació en una familia polaca prominente, su padre abogado y su madre una mujer de sociedad. Se educó en un internado en Suiza. En 1911,  pasó las vacaciones de invierno en Italia y la riviera francesa, donde por primera vez vio las obras de los grandes maestros de la pintura italiana. En 1912 sus padres se divorciaron y María fue a vivir con su tía Stefa, una mujer adinerada de San Petersburgo, Rusia. En 1913, a los quince años, durante una noche en la ópera, María vio al hombre con quien decidió casarse. Siendo su tío un hombre prominente con muchos contactos, la campaña de María no demoró en dar frutos y en 1916 se casó con Tadeusz Łempicki, un abogado conocido por muchas mujeres, que se vio tentado por la dote sustanciosa, ya que no contaba con una fortuna personal. En 1917, durante la revolución rusa, Tadeusz fue arrestado por los Bolsheviques. María buscó en todas las prisiones durante semanas hasta que lo encontró y consiguió su liberación con ayuda del cónsul sueco. La pareja fue primero a Dinamarca, luego a Inglaterra y finalmente se estableció en París, donde la familia de María también había escapado junto con varias familias rusas de clase alta.

En París, los Lempickas vivieron durante un tiempo de la venta de joyas de la familia.

Tadeusz resultó incapaz de buscar trabajo o renuente, con lo que se producían tensiones en el hogar, agravadas con el nacimiento de Kizette.

Ahora conocida como Tamara de Lempicka, la refugiada estudió bellas artes y trabajó día y noche en su obra. Se hizo conocer muy pronto como retratista.

Para su primera exposición importante, en Milán en 1925, con el auspicio del conde

Emmanuele Castelbarco, de Lempicka pintó 28 trabajos nuevos en seis meses. Pronto se convertiría en la retratista más conocida de su generación entre la alta burguesía y la aristocracia, con sus retratos de duquesas, duques y personalidades de sociedad.

A través de sus conocidos y amigos, consiguió exhibir sus obras en las salas más prestigiosas de la época. De Lempicka fue criticada y admirada por su reafirmación del pintor Ingres, como se ve en su obra Group of Four Nudes, 1925. A través de Castelbarco conoció al importante escritor italiano Gabriele dAnnunzio, interesada en hacerle un retrato, mientras que él estaba interesado en seducirla. Luego de varias visitas fallidas por parte de ambos, Tamara desistió enfadada y ambos insatisfechos.

En 1929, pintó la obra icónica Tamara en el Bugatti verde, su autorretrato para la revista alemana de moda Die Dame. Como sintetizó la revista Auto-Journal en 1974, “el autorretrato de Tamara de Lempicka es la imagen real de una mujer independiente que se hace valer. Una mujer libre.”

Tamara ganó su primer premio en 1927. En los años 20 en París, Tamara formaba parte de la vida bohemia. Conoció a Picasso, Cocteau, Gide. Sus aventuras amorosas tanto como hombres como mujeres eran un escándalo de la época. Utilizaba elementos formales y narrativos en sus retratos y desnudos para producir efectos poderosos de deseo y seducción. También en los años 20, Tamara estuvo asociada con mujeres lesbianas y bisexuales de las artes y la literatura como Violeta Trefusis, Vita Sackville-West y Colette. Obsesionada con su trabajo y su vida social, de Lempicka no sólo descuidó a su marido, sino también a su hija, a quien veía rara vez. Cuando Kizette no estaba en el internado en Francia o Inglaterra, se quedaba con su abuela Malvina. Cansado de su arreglo conyugal, su marido la dejó en 1927 y se divorciaron en 1928.

En 1928, su mecenas el Barón Raoul Kuffner visitó su estudio y le encargó un retrato de su amante. De Lempicka terminó el retrato y tomó el lugar de su amante en la vida del barón. Viajó a EE UU por primera vez en 1929. Cuando de Lempicka informó a su madre e hija que no regresaría de EE UU para la Navidad de 1929, Malvina se enfureció tanto que quemó la enorme colección de sombreros exclusivos en presencia de Kizette.

Tamara descuidó a su hija pero también la inmortalizó. De Lempicka la pintó repetidas veces, dejando una fantástica serie de retratos: Kizette in Pink, 1926; Kizette on the Balcony, 1927; Kizette Sleeping, 1934; Portrait of Baroness Kizette, 1954-5, etc. En otras obras, las mujeres retratadas también tienden a parecerse a Kizette.

De Lempicka continuó su labor artística intensa y su vida social frenética durante la década siguiente. La Gran Depresión no la afectó en absoluto. A comienzos de los años 30, pintó al rey Alfonso XIII de España y a la reina Isabel de Grecia. Los museos comenzaron a exhibir sus obras. En 1933, se casó con el barón Kuffner, un año después de haber fallecido su esposa. El barón la alejó de la vida bohemia y la insertó en la alta sociedad con un título nobiliario incluido. Con gran visión, Tamara le hizo vender todas sus propiedades en Europa del Este para invertir el dinero en Suiza, prediciendo la llegada de la Segunda Guerra Mundial mucho antes que sus contemporáneos.

Con el tiempo, su obra también incluyó retratos de unos cuantos refugiados o personas comunes, y uno o dos santos, además de sus consabidos aristócratas y desnudos.

Con la llegada de la guerra, prestó sus servicios junto a muchos otros y consiguió sacar a Kisette de París, con la ocupación Nazi, a través de Lisboa en 1941. Algunas de las obras de este período tienen cierto aire al trabajo de Dalí, como se ve en Key and Hand, 1941. En 1943, la pareja de mudó a Nueva York, aunque viajaban con frecuencia a Europa donde el barón trabajaba para los refugiados.

Tamara adoptó un nuevo estilo, usando espátula en vez de pincel. Sus nuevas obras no fueron bien recibidas en la exhibición realizada en 1962, con lo que de Lempicka decidió no volver a exponer su trabajo y se retiró de su vida activa como artista. La llegada del expresionismo abstracto y su edad avanzada dieron un alto a su carrera. En los años 50 y 60, ignorada, a veces volvía a pintar, trabajando obras anteriores utilizando la nueva técnica. Una gran cantidad de obras nuevas y viejas quedaban en el ático o en un depósito.

Luego de la muerte del barón Kuffner de un ataque cardíaco en 1962, Tamara vendió la mayor parte de sus posesiones para hacer tres viajes en barco alrededor del mundo. Finalmente se mudó a Houston para vivir con Kizette ya casada y con hijos. Los años que siguieron fueron difíciles, con Kizette como su manager, secretaria y factótum, bajo la personalidad dominante de Tamara.

En 1978 Tamara se mudó a Cuernava, para vivir con un grupo de amigos y algunos jóvenes aristócratas. Luego de la muerte de su marido, Kizette cuidó de su madre durante  tres meses hasta que Tamara murió mientras dormía. Sus cenizas fueron esparcidas sobre el volcán Popocatepetl por el conde Giovanni Agusta, de acuerdo con sus deseos.

De Lempicka vivió lo suficiente para que, antes de su muerte, la nueva generación descubriera su arte y lo valorara con entusiasmo. En 1973, una retrospectiva atrajo buena respuesta por el mundo del arte, que la redescubrió. También se hizo una obra de teatro basada en su vida. Su obra se encuentra en los museos de arte moderno más prestigiosos del mundo.

Tamara in Green Bugatti  /  Group of Four Nudes  /  Kizette in Pink

      31/01/1820 – 04/02/1893

Escritora y feminista gallega que dedicó su pluma a la reivindicación de los seres marginados. Uno de los aspectos más progresistas de Concepción Arenal es su consideración de la mujer como ser humano marginado a quien hay que estimular, respetar y educar para una vida digna.

Nació en A Coruña en una casa modesta de barrio. Su padre, dedicado a la vida militar a partir de la Guerra de Independencia, fue encarcelado varias veces por su ideología liberal y por manifestarse contra el régimen monárquico absolutista del rey Fernando VII. A raíz de estos períodos en prisión, su salud se resintió y finalmente murió en 1829, a los 39 años, cuando Concepción tenía ocho años. Su madre, descendiente de una familia de la nobleza española, decide trasladarse con sus hijas a Madrid, donde Concepción entra en una escuela para señoritas.

Siete años después, contra la voluntad de su madre, ingresa como oyente en la Facultad de Derecho de la Universidad Central (la actual Universidad Complutense de Madrid), vistiendo ropas masculinas, ya que en esa época la educación universitaria estaba prohibida a las mujeres. También vestida de hombre, Concepción participó en tertulias políticas y literarias, contra los cánones establecidos para la mujer de la época. Luego de la muerte de su madre, en 1842, Concepción ingresa a la facultad de derecho, donde conoce a su futuro marido, el abogado y escritor Fernando García Carrasco, un hombre liberal, capaz de entender y aceptar la actitud combativa de Concepción ante las injusticias de la época. En 1848, una vez que Concepción termina la carrera, contraen matrimonio. Concepción tiene veintiocho años y su esposo cuarenta. La pareja tiene varios hijos, pero mueren a temprana edad. Sólo sobrevive un hijo, Fernando García Arenal, luego ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, una carrera progresista de aquella época (1875).

Concepción y Fernando se ganan la vida escribiendo para el periódico La Iberia, donde Fernando llega a ser editor y redactor. En enero de 1857 su marido muere de tuberculosis y Concepción queda sola y sin recursos. Así es que decide vender sus posesiones y trasladarse a Oviedo y posteriormente a Portes, Cantabria, donde funda en 1859 el grupo femenino de Conferencias de San Vicente de Paúl para asistencia de los pobres.

En 1861, Concepción es la primera mujer en recibir un premio de la Academia de Ciencias Morales y Políticas por su trabajo. En 1863 también se convierte en la primera mujer en convertirse en visitadora de cárceles de mujeres, cargo que asume hasta 1865.

Publicó libros de poesía y ensayo como Cartas a los delincuentes (1865), Oda a la esclavitud (1866), premiada por la Sociedad Abolicionista de Madrid, El reo, el pueblo y el verdugo o La ejecución de la pena de muerte (1867). En 1868, aceptó el cargo de inspectora de Casas de Corrección de Mujeres, cargo que ocupó hasta 1873. Tres años después, comenzó a colaborar con la revista La Voz de la Caridad, de Madrid, para la que escribió durante catorce años sobre las miserias del mundo que la rodeaba.

En 1872 fundó la Constructora Benéfica, una sociedad dedicada a la construcción de casas baratas para obreros. Posteriormente también colaboró organizando en España la Cruz Roja del Socorro, para los heridos de las guerras carlista. En 1877 publicó Estudios Penitenciarios.

Con Concepción Arenal nació el feminismo en España, gracias a sus esfuerzos desde joven por romper los cánones establecidos y rebelarse contra la marginación del sexo femenino, así como reivindicar la igualdad en todas las esferas sociales para la mujer.

En la década de los ochenta tuvo una vida menos activa, ya pasados los setenta años. A inicios de 1890, Concepción decidió cambiar su residencia a Vigo en donde se agravaron sus dolencias. Concepción Arenal falleció a la edad de setenta y tres años de catarro bronquial crónico. Su entierro en Vigo fue uno de los más concurridos.

Su frase más celebre fue “Odia el delito y compadece al delincuente”, que resume su visión de los delincuentes como el producto de una sociedad deprimida y represora.

Nacida entre 805 y 810 – 867 d. de C.

Abadesa, poeta y compositora bizantina nacida en el medioevo. Una de las primeras compositoras del medioevo cuyas partituras se conservan y son interpretadas por músicos y especialistas contemporáneos.

Kassiane probablemente nació en Constantinopla, donde se crió en el seno de una familia aristocrática, aunque se cree que sus orígenes fueron pobres, con su padre como servidor en la corte del emperador.

Su vida se vio afectada desde el comienzo por una polémica que ya existía cien años antes. A comienzos del 700, algunos clérigos griegos consideraban que la devoción a las imágenes sagradas en pinturas y estatuas reemplazaba la devoción a las personas que esas imágenes representaban. En 726, el emperador ordenó destruir las imágenes de Cristo en su palacio, y otros lo siguieron provocando la destrucción generalizada de imágenes en todo el imperio. Lo que comenzó como una disputa de doctrina, dio origen a intrigas palaciegas y rivalidad entre la iglesia en Constantinopla y aquella en Roma. Los iconoclastas controlaban la corte del emperador, de modo que muchos fueron encarcelados, algunos se exiliaron, mientras que otros fueron ejecutados por defender la veneración de imágenes. Aunque esta controversia mermó a finales del 700, durante la adolescencia de Kassiane volvió a surgir. Se dice que Kassiane fue golpeada por ayudar a exiliados adoradores de imágenes y monjes encarcelados.

Se conoce muy poco sobre su vida entre 830 y 843. Se sabe que Kassiane estudió Griego clásico. Y que durante un baile en el que el joven emperador Teófilo debía escoger esposa, se le acercó atraído por su belleza y le dijo: “Las mujeres han traído las cosas más abyectas.” refiriéndose al pecado y al sufrimiento, a lo que Kassiane respondió: “Y las mujeres han traído las mejores cosas también”, refiriéndose a la esperanza y la salvación a través de la virgen maría. Herido en su orgullo, Teófilo  eligió a Teodora como esposa. Dice la tradición que el emperador Teófilo, aún enamorado de ella, quiso verla por última vez antes de morir, habiendo lamentado haber rechazado a una mujer inteligente por simple orgullo.

Lo que se sabe después de este período es que fundó un monasterio al oeste de Constantinopla y se convirtió en la primera abadesa. Su monasterio tenía una relación estrecha con el monasterio de Stoudios, que tendría un papel fundamental en la reedición de los libros litúrgicos bizantinos en el siglo IX y X, lo que aseguró que su obra se conservara. El más famoso de sus himnos el Himno de Kassianeni se cantaba todo miércoles santo.

Algunos creen que sus versos no religiosos son anteriores, ya que habría sido indebido, por ejemplo, que una monja hiciera una lista de los tipos de personas que odiaba.

Odio al asesino que condena al irascible
Odio al adúltero cuando juzga al fornicador
Odio al leproso que expulsa a otro leproso….

Odio al hombre rico que se queja como si fuese pobre.
Odio al hombre pobre que presume como si fuera rico.
Odio al deudor que duerme sin preocupación…

Odio al elocuente que no es oportuno.
Odio el silencio cuando es hora de hablar.
Odio al conformista…

Odio a quien no alienta a los otros con sus palabras.
Odio a quien habla antes de considerar lo que dirá.
Odio a quien enseña sin saber nada… K.

No esperes la riqueza, ni la pobreza,

ya que la una infla la mente y el juicio,

y la otra trae profundo dolor. K.

   07/11/1867 – 04/07/1934

Primera mujer ganadora de un Premio Nobel e incansable médica y científica cuyos trabajos de investigación y descubrimientos abrieron nuevos caminos para la ciencia. 

María Sklodowska, nació en Varsovia, Polonia, en el seno de una familia que valoraba la educación. Su padre era profesor de secundaria y además de enviarla al colegio le daba clases de ciencia en casa. María se involucró en una organización revolucionaria de estudiantes y consideró prudente salir de Varsovia, controlada por Rusia para vivir en Cracovia, bajo dominio de Austria en esa época. En 1891 fue a París para continuar con sus estudios en la Sorbona, donde obtuvo la licenciatura en física y ciencias matemáticas. Allí afrancesó su nombre a Marie. Tímida pero apasionada por la ciencia, Marie se dedicaba enteramente a los estudios. Su precaria vida de estudiante, sin embargo, no la distraía de su objetivo,  a pesar de los frecuentes desmayos por falta de alimentación y descanso adecuados. Su estado anémico también sufrió el agravante de las horas de estudio pasando frió en su habitación donde no encendía el calentador para no gastar el poco dinero en carbón.

En 1894 conoció a Pierre Curie, profesor de la escuela de física, también dedicado de lleno a la ciencia. Al año siguiente se casaron. Las primeras investigaciones, con su marido, se llevaron a cabo en condiciones difíciles, ya que las instalaciones del laboratorio eran básicas y ambos tenían que dar muchas horas de clase para ganarse la vida. Además del cansancio, la pareja estaba sometía permanentemente a la radiación debido a su trabajo de investigación.

El descubrimiento de la radioactividad por Becquerel en 1896 inspiró al matrimonio a entregarse a la investigación de substancias radioactivas, que llevó a la identificación del polonio, así llamado por Marie en honor a su país de nacimiento, y el radio. Marie Curie desarrolló un método para la separación de radio de residuos radioactivos que permitió hacer estudios de sus propiedades terapéuticas.

Marie sucedió a su marido como Jefe del Laboratorio de Física de la Sorbona y obtuvo su título de doctora en ciencias en 1903. En 1906, luego de la trágica muerte de Pierre, arrollado por una carreta de caballos, las autoridades de la Sorbona le ofrecieron su puesto y se convirtió en Profesora de física general en la Facultad de Ciencias, la primera vez que una mujer tomaba ese cargo. También la nombraron directora del Laboratorio Curie en el Instituto del Radio de la Universidad de París, fundada en 1914.

Marie Curie promovió el uso de radio para aliviar el sufrimiento y durante la I Guerra Mundial, con la asistencia de su hermana, se dedicó en persona a usar rayos X para localizar balas en el cuerpo y facilitar la cirugía. Creó unidades móviles de rayos X para evitar el traslado de los heridos y capacitó a 150 mujeres para su uso. Su entusiasmo por la ciencia nunca mermó y estableció un laboratorio de radioactividad en su ciudad natal. En 1929 el presidente Hoover hizo una donación para el laboratorio en Varsovia.

En 1934, víctima de un ataque de gripe, Marie se vio obligada a guardar cama. Ya no volvió a levantarse. Los resultados anómalos de los exámenes de sangre por fin revelaron que la muerte de Marie se debió a años de envenenamiento radioactivo. En su honor el Instituto del Radio tomó su nombre, Instituto Marie Curie.

“No se puede querer construir un mundo mejor sin mejorar al individuo. Con ese propósito, cada uno de nosotros debe trabajar para nuestro propio desarrollo y, al mismo tiempo, compartir la responsabilidad general por la humanidad. Nuestro deber en particular es ayudar a aquellos a quienes podemos ser más útiles.” M.C.

Una mujer que consiguió escapar a la ley del agrado de Amelia Valcárcel…

     02/02/1905 - 06/03/1982

Una pensadora bestseller extremamente controvertida, no sólo en su época sino también en la actualidad, con una visión particular sobre el individuo, las instituciones y la sexualidad.

Una filósofa que no dejó de innovar, aunque no todos sus conceptos fueran compartidos.

Alisa Rosenbaum nació en San Petersburgo dentro de una familia agnóstica judía no practicante. Desde niña, Alisa, mostró un interés por la literatura y el cine que la indujo a escribir cuentos y obras de teatro. Alisa tenía 12 años cuando estalló la revolución rusa en 1917 y su vida familiar se vio afectada por el partido bolchevique, que confiscó la farmacia de su padre. La familia se refugió en Crimea para recuperarse económicamente y Alisa sólo regresó a San Petersburgo para ingresar en la Universidad de Petrograd donde estudió historia y filosofía. Luego de graduarse en 1924 ingresó en el Instituto de las Artes Cinematográficas con el interés de ser guionista. Al año siguiente le otorgaron la visa para visitar parientes en USA dónde llegó en barco en 1926 a los 21 años. Luego de una corta estadía con sus parientes en Chicago, decidió nunca regresar a la Unión Soviética y se dirigió a Hollywood para convertirse en guionista de cine.

Con su nuevo nombre, Ayn Rand pasó momentos difíciles en sus comienzos trabajando en diferentes cosas para cubrir sus gastos básicos. Gracias a haber tenido la oportunidad de ser recibida por el director Cecil B. DeMille obtuvo un trabajo como extra en Rey de reyes y luego como lectora de guiones. También trabajó como jefa del departamento de vestuario en los estudios RKO.  Ayn se casó con el aspirante a actor Frank O´Connor en 1929, con quien permaneció casada hasta su muerte en 1979. En 1931 Rand se naturalizó estadounidense.

Su primer éxito literario surgió en 1932 con la venta de un guión de cine a Universal Studios. Aunque se consideró a Dietrich para el papel principal, no era buen momento para una película en un escenario ruso y la película no se hizo. En 1934 escribió una obra de teatro que se produjo en Broadway y en 1936 publicó la novela Los que vivimos, sobre la vida en la Rusia comunista. Luego escribió Himno publicada en 1938.

El primer éxito profesional de envergadura fue con la novela El manantial (1943) que le llevó siete años escribir y que luego de ser rechazada por doce editoriales fue publicada con gran éxito internacional de crítica y ventas. En 60 años vendió seis millones de ejemplares y continúa vendiendo cientos de miles por año. En 1949, la novela de Rand se llevó al cine con Gary Cooper y Patricia Neal. Rand escribió el guión.

También su obra La rebelión de Atlas (1957) alcanzó gran éxito internacional con gran influencia sobre el público lector sobre el papel de la mente humana en la sociedad. Está ambientada en USA, donde un grupo de industriales e individuos creativos se retiran a las montañas donde establecen una economía libre e independiente. Rand incorpora allí una extensa exposición del Objetivismo, su sistema filosófico sobre la realidad objetiva que promueve verdades descubiertas, en vez de creadas y dependientes de la mente y su características sentenciosas, sino de la razón y el individualismo. En la política, Rand propone que los gobiernos deben existir apenas para la protección de los derechos del individuo, quien debe elegir sus propios valores y procurar su felicidad individual.

En 1950 Rand formó un grupo para promover su pensamiento filosófico, con lo cual recorrió el país, dando charlas en universidades, además de continuar escribiendo libros de ficción y ensayo. Varios críticos de la época acusaron al movimiento de ser una secta, por la adulación de su fundadora por parte de sus seguidores. Los objetivistas negaron este ataque, aduciendo que Rand no promovía la adulación y explícitamente condenaba la obediencia ciega.

En 1964 publicó La virtud del egoísmo. En 1973, se reunió brevemente con su hermana menor en la Unión Soviética. Aunque Rand escribió 1.200 cartas a su familia e intentó llevarlos a EEUU, dejó de escribir en 1937 cuando supo que la correspondencia desde EEUU podía poner sus vidas en peligro. Su hermana visitó EEUU pero decidió regresar a la USSR.

Rand fue operada de cáncer de pulmón en 1974, con lo que las actividades del grupo declinaron, especialmente luego de la muerte de su marido. Uno de sus últimos proyectos fue adaptar La rebelión de Atlas para la TV. También comenzó a escribir otra novela pero falleció de insuficiencia cardíaca en su casa de Nueva York.

Muchos critican su celebración del individualismo, y como resultado, su trabajo no ha tenido una fuerte influencia en la filosofía académica. Sin embargo, su obra se lee continuamente, con 25 millones de ejemplares vendidos hasta 2007.

“Sea uno un admirador o detractor de Ayn Rand, los temas que trata en sus libros llaman a la reflexión. Su trabajo incita a un nuevo debate sobre qué queremos decir con “egoísmo”, si la dicotomía entre egoísmo y altruismo debe aplicarse dentro de teorías éticas eudaemonistas y qué dicen nuestras teorías éticas sobre nuestra visión política.” Hellen Cullyer

A pedido de una de nuestras lectoras, esta fotógrafa excepcional, que sin duda estaría en una segunda lista de rostros de Mujeres para pensar…como tantas otras.

  02/10/1949 -

Fotógrafa retratista cuyo estilo se distingue por la colaboración estrecha con el sujeto fotografiado y sus fotos provocadoras, orquestadas con una iluminación audaz.

Annie Leibovitz nació en Connecticut. La tercera de seis hermanos de una familia judía, su madre era maestra de danza moderna y su padre teniente de la fuerza aérea de USA. Fue en las Filipinas donde Annie tomó sus primeras fotografías, mientras su padre servía en Vietnam. En la escuela secundaria se interesó por las actividades artísticas y comenzó a escribir y tocar instrumentos musicales. Ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco y continuó desarrollando la fotografía mientras trabajaba en cosas diferentes, incluido un período en un kibbuts en Israel en 1969.

Al regresar a USA en 1970, fue a ver al director de la recientemente fundada revista Rolling Stone con su portafolio, que lo impresionó lo suficiente como para darle su primer trabajo: fotografiar a John Lennon. A partir de allí, Annie le haría innumerables fotos. La última con Yoko Ono, apenas cinco horas antes de ser asesinado. Esta última fotografía salió en la tapa del número de homenaje a John Lennon. En 2005, la American Society of Magazine Editors la eligió como la mejor tapa de revista de los últimos 40 años.

Annie trabajó para Rolling Stones hasta 1983. Sus fotografías intimistas de los famosos definían el estilo de la revista, como por ejemplo los retratos de Bob Dylan, Bob Marley, y Patti Smith. En 1975, Annie viajó con los Rolling Stones para cubrir su gira por las Américas. Durante la gira, produjo los retratos icónicos en blanco y negro de Keith Richards y Mick Jagger sin camisa.

Desde 1983, Leibovitz trabajó como fotógrafa retratista para Vanity Fair. De su retrato de Demi Moore embarazada surgió el famoso juicio de Leibovitz contra Paramount Pictures que publicó una fotografía en forma de parodia de Leslie Nielsen, con barriga de embarazada, en 1994. Aunque Annie perdió el caso sentó un precedente importante para el uso razonable de derechos de reproducción.

Sus fotografías de personajes famosos como Mikhail Baryshnikov, Ellen DeGeneres, Michael Moore, Madeleine Albright y Bill Clinton, entre otros han aparecido en VOGUE, NEW YORK TIMES MAGAZINE, y el NEW YORKER.

El foco de su trabajo dio un giro significativo luego de conocer a la escritora y ensayista Susan Sontag en 1989, durante una sesión de fotografía para su libro El SIDA y sus metáforas. La misma Leibovitz expresó que Sontag fue su mentora y crítica.

Leibovitz y Sontag comenzaron una relación amorosa hasta la muerte de Sontag a finales de 2004. En su libro A Photographer’s Life: 1990-2005 (2006), Leibovitz habla en detalle sobre su relación romántica e intelectual con Sontag.

Leibovitz tiene tres hijos, la primera cuando Leibovitz tenía 51 años. Los otros dos gemelos en 2005 por maternidad sustituta.

 Su libro A PHOTOGRAPHER’S LIFE: 1990-2005, fue inspirado por la muerte de Sontag y de su padre, quien murió semanas después. En él, mezcla fotografías de gente famosa con fotografías personales de sus padres, sus hermanos, sus hijos, y otros miembros de su familia y fotos de Sontag. El libro también incluye fotografías de ella misma.

“No tengo dos vidas. La vida es una sola y las fotos personales y aquellas que hice por trabajo son parte de ella. Este libro es el más íntimo y cuenta la mejor historia”. A.L.

Un rostro que no sale de los 200, sino del asombro de haberlo conocido en el Congreso Mundos de Mujeres el mes pasado en Madrid…maravilloso.

Aviso: Hay un video con subtítulos en ”Categorías/videos” y habrá otros dos muy pronto… 

     27/10/1931

Una de las más conocidas feministas y disidentes políticas del mundo árabe. Psiquiatra de profesión, alcanzó celebridad mundial en 1972 con su libro Women and Sex, que abordaba el tabú de la sexualidad de la mujer musulmana, por lo que fue despedida de su puesto como directora de Salud Pública de Egipto.

Nawal El Saadawi nació en Kafr Tahla, Egipto. Su padre fue funcionario del Ministerio de Educación y su madre provenía de una familia de clase alta que, aunque contrario a las normas, permitió a Nawal ingresar en la facultad de medicina de la Universidad de El Cairo en 1949. Al graduarse, trabajó como médica en la universidad y dos años en el Centro de Salud Rural de Tahla, donde tomó conocimiento del sufrimiento y carencias de la mujer rural. Desde entonces Nawal ya plasmaba sus experiencias en la narrativa.

Más tarde estudió en la Universidad de Columbia, Nueva York,  y obtuvo su maestría en Salud Pública en 1966. Se casó con un estudiante de medicina pero el matrimonio fue fallido. Nawal luchó en la corte para obtener el divorcio, contra las leyes del islam, que por fin consiguió. Su segundo marido no aceptaba que ella escribiera, por lo que el matrimonio también terminó en divorcio. En 1964 Nawal se casó con su actual marido Sherif Hetata, médico y novelista, que ha traducido varios de los libros de Saadawi al inglés. Su hija e hijo también escriben.

En 1958 escribió Memoirs of a Woman Doctor, un libro autobiográfico en parte, que se considera pionero en la narrativa moderna feminista en árabe.
En 1972 publicó Women and Sex, que trata sobre sexo, religión y el trauma de la ablación del clítoris. Su madre educada según la tradición musulmana insistió en su circuncisión a los seis años. Aunque esta práctica estuvo prohibida por un tiempo, volvió a legalizarse en los años 90.

En los años 70 comenzó a criticar abiertamente el sistema patriarcal y a abordar otros temas tabú como el aborto, el abuso de menores, las diversas formas de opresión a la mujer y otros males. Saadawi denunció el patriarcado de las religiones y argumentó la teoría de que Egipto en la antigüedad era originalmente un matriarcado.

Perdió su puesto como vicesecretaria general de la Asociación Médica Egipcia y cerraron la revista médica Health que fundó y de la que era directora.  Desde entonces, sus muchos libros y novelas, la mayoría centrados en temas sobre la sexualidad de las mujeres árabes y musulmanas, en el contexto de una autoridad y tradición religiosas represivas la convirtieron, al mismo tiempo, en blanco del régimen laico egipcio y de las autoridades religiosas islámicas.

De 1973 a 1978 Nawal El Saadawi trabajó en el Instituto de Literatura y Ciencia. También fue investigadora en la Facultad de Medicina del Cairo y trabajó para las Naciones Unidas. En 1981, luego de criticar al gobierno del partido único de Anwar Sadat, fue arrestada y encarcelada. Fue liberada dos meses después, luego del asesinato de Sadat.

En1982, fundó la Asociación para la solidaridad con la mujer árabe, la primera organización legal feminista independiente, dedicada a la promoción de la participación activa de la mujere en la sociedad árabe. Esta organización se opuso a la Primera Guerra del Golfo en 1991 y fue prohibida por las autoridades egipcias, al igual que su publicación, la revista Noon de la que era directora.

Luego de la publicación en Cairo de La caída del Imam (1987 ), fue prohibida y su nombre apareció en listas negras de grupos fundamentalistas que la amenazaron de muerte, por lo que se exilió con su marido en los Estados Unidos, donde dio cátedra en Duke University y Washington State University en Seattle. En 1996 regresó a Egipto.

En 2004 se prohibió su novela La caída del Imam. Su nueva novela Al Riwaya publicada en 2004 también fue prohibida en Egipto.

Ha publicado más de cuarenta libros, entre ellos, su célebre Autobiografía de Nawal El Saadaw. Sus libros sobre la condición de la mujer han tenido un impacto esclarecedor para las nuevas generaciones durante cuatro décadas.

Nawal El Saadawi ha recibido varios premios literarios nacionales e internacionales, y da conferencias en universidades, al igual que en congresos internacionales. Sus obras han sido traducidas a varios idiomas y algunas forman parte del programa de estudios de varias facultades.

En diciembre de 2004 se presentó como candidata presidencial en Egipto. Como explicó en varias entrevistas, fue más bien un símbolo, sabiendo que nunca se le daría la oportunidad de acceder al gobierno.

“Todo en nuestro país está en manos del estado…por leyes conocidas u ocultas, por la tradición o por el miedo establecido y enraizado en la autoridad gobernante.” N.S.

“No hay nada que pueda vencer a la muerte más que la escritura.” N.S.

“No quiero nada. No espero nada. No le temo a nada. Por lo tanto, soy libre. Durante nuestra vida, son los deseos, las esperanzas, los miedos los que nos esclavizan.” N.S.

    29/05/1892 – 25/10/1938

Poeta argentina de origen suizo. El rasgo más característico de su producción fue un feminismo combativo que se observa en el poema Tú me quieres blanca, motivado por las relaciones problemáticas decisivas en su vida. Madre soltera, a pesar de los tabúes sociales de la época, se elevó sobre todo juicio por el valor de su poesía, como una de las primeras mujeres poetas reconocida en su propio tiempo.

La familia Storni emigró a la provincia de San Juan desde Lugano, Suiza, en 1880 en búsqueda de un futuro mejor. Allí comenzaron una pequeña empresa familiar, y años después, las botellas de «Cerveza Los Alpes, de Storni y Cía», se vendía en toda la región. Sin embargo, en 1981 los padres de Alfonsina decidieron regresar a Suiza, con sus dos hijos pequeños. Un año más tarde nació Alfonsina en el pueblo de Sala Capriasca. Cuatro años después, la familia regresó a San Juan. En 1901, la familia se trasladó a la ciudad de Rosario.

Paulina, su madre, pasó a ser la cabeza de una familia numerosa y pobre, que no podía contar con el padre de Alfonsina. Instalaron el Café Suizo, cerca de la estación de tren, pero no tuvo éxito. A los diez años, Alfonsina dejó sus estudios para lavar platos y atender las mesas. Luego de la muerte de su padre en 1906, decidió emplearse como obrera en una fábrica de gorras.

En 1907 llegó a Rosario la compañía de teatro itinerante de Manuel Cordero. Con quince años, Alfonsina reemplazó a una actriz que se había enfermado, y le pidió a su madre que le permitiera convertirse en actriz y viajar con la compañía. Así recorrió Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Santiago del Estero y Tucumán donde representó Espectros, de Ibsen, La loca de la casa, de Pérez Galdós, y Los muertos, de Florencio Sánchez. La vida en el teatro se le hizo insoportable en un ambiente que la asfixiaba. Al regresar a Rosario, se encontró con que su madre se había casado.

Entonces decidió retomar sus estudios y entró en la carrera de magisterio en Coronda, donde obtuvo el título de docente y ganó un lugar sobresaliente en la comunidad escolar.

Se vinculó a dos revistas literarias, Mundo Rosarino y Monos y Monadas en las que se publicaron algunos de sus poemas, al igual que en Mundo Argentino.

A finales de 1911, decidió trasladarse a Buenos Aires. El nacimiento de su hijo Alejandro, sin padre conocido, en abril de 1912, la define como una mujer que se enfrenta sola a sus decisiones. Trabajó como cajera en una tienda en Florida y Sarmiento. También publicó en la revista Caras y Caretas. Su primer libro, La inquietud del rosal, publicado con grandes dificultades económicas, apareció en 1916.

Amado Nervo, el poeta mejicano paladín del modernismo junto con Rubén Darío, también publicaba sus poemas en Mundo Argentino, lo que da una idea de lo que significaría para una muchacha desconocida de provincia, compartir esas páginas.

En 1919 Nervo llegó a la Argentina como embajador de su país, y frecuentó las mismas reuniones que Alfonsina. Vinculada entonces a lo mejor de la vanguardia novecentista, se carteó con el uruguayo José Enrique Rodó, otro de los escritores principales de la época, modernista autor de Ariel y de Los motivos de Proteo, que también escribía, como ella, en Caras y Caretas. Ambos contribuyeron a esclarecer los lineamientos intelectuales americanos a principios de siglo, como lo hizo también Manuel Ugarte, cuya amistad le llegó a Alfonsina junto con la de José Ingenieros.

     A pesar de las dificultades, entre un mundo literario dominado por los hombres y las necesidades prácticas de criar y mantener a su hijo, Alfonsina continuó escribiendo. En 1918 publicó El dulce daño con la presentación de Roberto Giusti y José Ingenieros, su gran amigo y protector, a veces su médico. Al reponerse de una crisis emocional por exceso de trabajo, que la obligó a dejar momentáneamente su trabajo en la escuela, comienzan sus visitas a la ciudad de Montevideo, donde hasta su muerte frecuentará amigos uruguayos como Juana de Ibarbourou.

     En 1922, Alfonsina ya frecuentaba la casa del pintor Emilio Centurión, de donde surgiría posteriormente el grupo Anaconda. Allí conoció al escritor uruguayo Horacio Quiroga, que vivía modestamente de sus colaboraciones en diarios y revistas y desempeñó un papel protagónico en el intento de profesionalizar la escritura. Entonces Alfonsina ya había publicado sus libros Irremediablemente (1919) y Languidez (1920).

     Quiroga la nombra frecuentemente en sus cartas, sobre todo entre los años 1919 y 1922. Cuando Quiroga resuelve irse a Misiones en 1925, le pide que se vaya con él y ella, indecisa, consulta con su amigo el pintor Benito Quinquela Martín. Aquél, hombre ordenado y sedentario, le dice: “¿Con ese loco? ¡No!”.

En 1923, la revista Nosotros, líder en la difusión de la nueva literatura argentina, publicó una encuesta sobre los tres más respetados poetas del momento. La mayoría de las respuestas coinciden en un nombre: Alfonsina Storni.

Con su libro Languidez, obtuvo el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura.  En 1925 se publicó Ocre, un libro que marca un cambio decisivo en su poesía. Desde 1923 trabajó como profesora de Lectura y declamación en la Escuela Normal de Lenguas Vivas, y su lugar como escritora está afianzado entre el público y otros poetas. José Ingenieros muere y esto ahonda en su soledad.

Gabriela Mistral la visita y luego publica un relato de este encuentro.  La chilena queda impresionada por su sencillez, su sobriedad, su escasa manifestación de emotividad y su profundidad.

Alfonsina intervino en la creación de la Sociedad Argentina de Escritores y su participación en el gremialismo literario fue intensa. En 1928 viajó a España en compañía de la actriz Blanca de la Vega, y repitió su viaje en 1931, en compañía de su hijo. Allí conoció a otras mujeres escritoras, y la poeta Concha Méndez le dedicó algunos poemas. En 1932, publicó sus Dos farsas pirotécnicas: Cimbelina y Polixene y la cocinerita. Colaboró con el diario Crítica y en La Nación; y dio clases de teatro. 

En 1931, el Intendente Municipal nombró a Alfonsina jurado, primera vez que ese nombramiento recae en una mujer. Alfonsina se alegró de que comenzasen a ser reconocidas las virtudes que la mujer, esforzadamente, demuestra. 

En la Peña del café Tortoni conoció a Federico García Lorca, durante la permanencia del poeta en Buenos Aires entre octubre de 1933 y febrero de 1934.

El 20 de mayo de 1935 Alfonsina fue operada de un cáncer de mama. La operación le dejó cicatrices físicas y emocionales profundas que acentuaron una constitución emocional extremamente sensible. Tras el suicidio de Horacio Quiroga en 1936, Alfonsina le dedica un poema de versos conmovedores, que presagian su propio final:

En enero de 1938, en Colonia, Uruguay, el Ministerio de Instrucción Pública organizó un acto que reunió a las tres grandes poetas sudamericanas del momento, en una reunión sin precedentes: Alfonsina, Juana de Ibarbourou y Gabriela Mistral. Hacia mitad del año apareció Mascarilla y trébol y una Antología poética con sus poemas preferidos.

Los meses que siguieron fueron de incertidumbre y temor por el carácter renuente de su enfermedad. El 23 de octubre viajó a Mar del Plata y hacia la una de la madrugada del martes veinticinco Alfonsina abandonó su habitación y se dirigió al mar. Esa mañana, dos obreros descubrieron el cadáver en la playa. A la tarde, los diarios titulaban sus ediciones con la noticia: “Ha muerto trágicamente Alfonsina Storni, gran poeta de América”.

     El 21 de noviembre de 1938, el Senado de la Nación rindió homenaje a la poeta en las palabras del senador socialista Alfredo Palacios­:

     “Nuestro progreso material asombra a propios y extraños. Hemos construido urbes inmensas. Centenares de millones de cabezas de ganado pacen en la inmensurable planicie argentina, la más fecunda de la tierra; pero frecuentemente subordinamos los valores del espíritu a los valores utilitarios y no hemos conseguido, con toda nuestra riqueza, crear una atmósfera propicia donde puede prosperar esa planta delicada que es un poeta”. Alfredo Palacios

     10/01/1903 – 20/05/1975

Barbara Hepworth es una de las escultoras más importantes del siglo XX, contemporánea de Henry Moore, con quien impulsó enormemente el arte moderno en Gran Bretaña.

Hepworth nació en Wakefield, donde cursó sus estudios secundarios. Luego estudió en la escuela de Artes Plásticas de Leeds, donde trabó amistad con Moore y en el Royal College of Art. También estudió en Italia durante un tiempo.

De 1925 a 1931, Barbara estuvo casada con el escultor John Skeaping, con quien viajó a Florencia para estudiar la escultura en el romanesco y principios del renacimiento.  En 1931 conoció a su segundo marido, el pintor Ben Nicholson, a través de quien se interiorizó sobre los desarrollos europeos contemporáneos. En los años 30, Hepworth, Nicholson y Moore trabajaron de manera estrecha y se los consideró el núcleo del movimiento abstracto en Inglaterra.

Realizó exposiciones conjuntas de gran relieve con su segundo marido en la Galería Tooth (1932), y Lefevre (1933). Visitaron París, y conocieron a Picasso, Braque, Mondrian, Arp y Brancusi. En 1935 se unieron al movimiento Astraction-Création y también fueron miembros de Unit One. Al estallar la segunda Guerra Mundial, se mudaron a Cornwall. Durante los años de guerra, Hepworth se limitó a producir esculturas pequeñas y dibujos, por falta de materiales y circunstancias personales, habiendo tenido trillizos con Nicholson, además de un hijo de su matrimonio anterior. Hepworth se divorció de Nicholson en 1951.

Sus primeras esculturas fueron casi naturalistas y tenían mucho en común con el trabajo de Moore, aunque ya se veía su tendencia hacia las formas abstractas. Trabajó la madera y la piedra. Hepworth manifestaba una actitud romántica afín emocionalmente con la naturaleza, al describir el trabajo escultórico como “una necesidad biológica, como una extensión de las fuerzas que moldean el paisaje”.

En los años 30 y 40 comenzó a centrarse en el contrapunto entre masa y espacio en la escultura e introdujo la idea de “agujero” en Inglaterra, un elemento que desarrolló con gran sutileza, jugando con la relación entre el exterior y el interior de una figura. En su trabajo se advierte una comprensión profunda de la calidad de los materiales y un nivel superior de destreza para trabajarlos.

En 1950 ya era una de las escultoras más famosas internacionalmente. Recibió varios honores y encargos públicos de prestigio. En esta época, para las piezas grandes, comenzó a trabajar más el bronce.

Hepworth contrajo cáncer de garganta en 1973. Irónicamente, murió de manera trágica en un incendio en su estudio de Cornwall, que hoy día es un museo dedicado a su trabajo. Pueden encontrarse sus esculturas en la catedral de Winchester, en la galería Tate de Londres, Kenwoold House y varias universidades inglesas.

“Nos renovamos constantemente en la contemplación de la naturaleza. Nuestra sensación del misterio y nuestra imaginación se mantienen vivas. Y si la entendemos de manera correcta, nos da el poder de proyectar en un medio plástico una visión universal y abstracta de la belleza.” B.H.

   23/06/1889 – 05/03/1966

Poeta de gran influencia en la poesía rusa. Su famosa obra maestra Requiem (1935-1940) expone el terror estalinista. Su trabajo toca varios temas que incluyen el tiempo y la memoria, el destino de la mujer creadora y las dificultades para vivir y escribir bajo el régimen de Stalin, y especialmente las tribulaciones de las mujeres que esperaban pacientemente, aunque con gran dolor e impotencia, fuera de los muros de la prisión, para enviar un mensaje o un pan a sus maridos, hijos o amantes.

Anna Akhmatova nació dentro de una familia pudiente de Odessa, Ucrania, aunque no tuvo una infancia feliz. Sus padres se separaron en 1905. Anna comenzó a escribir a los 11 años. Al enterarse su padre de su interés por la poesía, ya adolescente, le dijo que no avergonzara a la familia convirtiéndose en una “ poeta decadente”. Así fue que la forzó a usar un seudónimo, para el que Anna escogió el segundo apellido de su bisabuela materna.

Anna estudió en la facultad de derecho de Kiev y 1910 se casó con el poeta y crítico Nicolai Gumilov. Poco después de la boda, Nicolai la dejó para cazar leones, luchar en la Primera Guerra y salir con las parisinas. Durante su ausencia Anna escribió su primer libro de poemas Evening, publicado en 1912, el año del nacimiento de su único hijo, Lev. Su libro fue aclamado y su poesía admirada por los poetas de la época. Su marido no tomaba en serio su trabajo, espantado de saber que la crítica prefería la poesía de su esposa a la suya. Cuando salió su segunda colección, Rosary, en 1914, volvió a ser aclamada por la crítica y se puso al frente del movimiento vanguardista contra el simbolismo en la escena literaria rusa. Miles de mujeres comenzaron a componer poemas “en honor a Akhmatova”.

En 1918, Anna se divorció de su marido, quien en 1921 fue ejecutado por actividades consideradas antisoviéticas. Anna volvió a casarse dos veces más, la última vez con un académico de arte quien murió en un campo estalinista de trabajos forzados. A partir de 1922, Akhmatova fue considerada por el régimen un “elemento burgués” y desde 1925 a 1940 se prohibió la publicación de su obra. Para ganarse la vida, Anna hacía traducciones y publicaba artículos en revistas académicas. La mayoría de sus amigos emigraron o sufrieron represión.

En Occidente se pensaba que estaba muerta, aunque se le permitió publicar una colección de poemas en 1940. Cuando Akhmatova regresó a Leningrado, luego de la evacuación del Asia Central en 1944, encontró “un terrible fantasma que se hace pasar por mi ciudad”. El ministro de cultura de Stalin la llamó en público “mitad puta, mitad monja”,  prohibió la publicación de sus poemas e intentó expulsarla del Sindicato de Escritores.

Su hijo pasó su juventud en gulags estalinistas y Anna recurrió a publicar varios poemas elogiosos de Stalin para asegurarse de que fuera liberado.

Su trabajo circulaba de manera clandestina e incluso de boca en boca, por ser un símbolo de la herencia rusa oprimida.

Luego de la muerte de Stalin, la importancia del trabajo poético de Akhmatova fue reconocida a regañadientes, incluso por los oficiales del partido, y se publicó una edición censurada de su obra, aunque su obra Requiem nunca fue publicada en la Unión Soviética.

Akhmatova tuvo la oportunidad de volver a ver a sus conocidos de antes de la revolución en 1965, cuando se le permitió viajar a Sicilia e Inglaterra para recibir el premio Taormina y un doctorado honoris causa de la Universidad de Oxford. Su notoriedad aumentó luego de su muerte, y fue en su centenario que, Requiem, uno de los grandes pilares de la poesía del siglo XX, finalmente fue publicado en su tierra natal. En 1962 fue nominada al Premio Nobel de Literatura.

Hoy, existe un museo dedicado a Akhmatova en el apartamento donde vivió de 1920 a 1952.

Unos van por un sendero recto,
Otros caminan en círculo,
Añoran el regreso a la casa paterna
Y esperan a la amiga de otros tiempos.
Mi camino, en cambio, no es ni recto, ni curvo,
Llevo conmigo el infortunio,
Voy hacia nunca, hacia ninguna parte,
Como un tren sobre el abismo. A.A.