And yes, BSB does stand for Backstreet Boys.

I’ve just been sitting here watching TRL’s all time finale and how sad is that? I remember watching it when it first came on and it was the coolest show everrrrr. I feel so old that I remember when Carson Daily hosted and when is what just him in a studio with no audience or anything. I’M SO OLDDDD!

I digress.

So the Backstreet Boys performed live on the finale and man, do they still rock. I fucking love them, even if there’s only four left. Did you know they are the biggest selling boy band of all time? They have sold 120 MILLION albums. People don’t sell albums like that anymore at all. And not only are they still so damn good looking, but they’re even better looking than they were 10 years ago. That is the truth.

I have a theory. In the late 90’s, there were two types of girls: those of us(myself included) who LOVED Backstreet Boys and then there were those of us who LOVED N*SYNC(what was with the fucking asterisk? lammmme). You liked one or the other and you knew for sure which one you liked. I remember getting into serious fights with girls in 6th grade about who was better(OMG I’M SO OLD!). We had posters of our men all over our walls. We had every single album(and some that were from Burger King[does ANYONE remember when the Backstreet Boys had Burger King toys and cds?!? Or when N*SYNC and Britney Spears did a video for McDonalds?!?]) Any magazine with even the smallest article about them, we BEGGED our mom for. I’ve seen the Backstreet Boys 4 times in concert(one for almost each cd they have) and every show gets better and better.

They said on TRL tonight that they are working on another album. I will buy it for sure when it comes out. And if they ever visit Columbus, OH again, I will for sure go.

I think people forget how big they were about 10 years ago or how talented they really were. I’d like to give credit where credit is due.

Backstreet’s Back, alright?

I Am Too Political (1995)

“Every aspect of Martin Kippenberger’s practice was a self-contained act of decadence, designed to add to the myth of the artist as a whole. In I Am Too Political, Martin Kippenberger paints an image stripped of direct content: six canvases joined together as one form a billboard-like design, bolstering a grotesque nude. Kippenberger’s painting operates as an anti-advert for itself, poking fun at the tradition of painting and the way it’s been historically and ideologically subverted.” — Saatchi Gallery Online

Recorded 1999

This record is a charming one off.  A collection of romantic musical poems was the brainchild of pianist Rob Schwimmer, who at that time experimented with non-mainstream instruments ranging from theremin to daxophone.  He co-opted to the project two stars of cerebral East Coast jazz of the 1990s. 

Theremin never flirted successfully with jazz, but Mark Feldman and Uri Caine were no strangers to classical audience.  In fact, Caine accumulated quite an impressive library of rather pretentious renditions of classics ranging from Mahler to Wagner.  In the process, he confounded his audience and almost squandered his talent in shameless eclecticism. 

Feldman fared better.  His trio Arcado was among the very few successful attempts to fuse jazz aesthetic with contemporary classical composition.  He broadened his range with baritone violin, but never went far enough to build compositions around the lower pitch, as did Mat Maneri.  Feldman’s virtuosic ability earned him a regular seat with Zorn’s classicizing formations – Bar Kokhba and Masada String Trio. 

Adopting some themes written by Bernard Herrmann (famous for his soundtrack to Welles’ and Hitchcock’s movies), the trio achieved the peak of neo-romantic elegy in what could yet be celebrated as the most poignant tribute to Clara Rockmore, the ultimate diva of theremin.  But, as if overwhelmed by the chromatic wealth of his apparatus, Schwimmer himself, and his theremin, often took the back seat in the production and arrangement of the compositions included on this disc.  He has since returned to recording cerebral piano compositions. 

Twilight Landscape

This first poem opens with a Mahlerian violin intro, softened further by Schwimmer’s misty contours on the theremin.  The atmosphere is one of unperfumed, honest romanticism.  When the inchoate, sparse piano notes wink at us, Feldman’s violin shifts to a higher range, leading a hesitant dance with the somewhat gawky theremin.  Feldman substitutes his initial brushstrokes for a more confident, almost Seifert-an martelé.  This could be unintentional, but the effect is similar to those unforgettable moments when Seifert transposed Coltrane’s tumultuous explorations into his virtuosic medium.  Feldman’s exposé pushes Caine’s piano into low register, but does not marginalize it into an allegedly predictable ostinato.  Indeed, the poem remains free, also rhythm-free.  It will end caressing the extremes of aural perception (high and low), leaving glaring vacancy in the middle.

Waltz for Clara

In this piece, written on the day of Clara Rockmore’s death, Schwimmer opts for the instrument’s ‘haunted’ sound which we associate so easily with the famed ambassador of this unique musical device.  Schwimmer doubles with urban (European) accordion in a most innovative fashion.  Aptly transporting us into Clara’s bygone era, Feldman’s romance adopts a gypsy mantle, distinctly nostalgic for pre-war innocence.  His instrument is pitched below the accordion until it frees itself into a flying solo.  Soon after, the theremin takes over the lead, suffusing it with an elegiac lament, consoled by the harmonic duo of piano and accordion.  A far more articulate violin always apportions a measure of penetrating drama, here further underwritten by the piano’s changing amplitude. 

The Neighbors

In this short intermezzo, Caine opens with a much faster routine, followed by Feldman’s bowed non-sequiturs.  The violin briefly mimics Paul Zukofsky’s caesura-ridden attacks so strongly associated with the first act from “Einstein on the Beach”.  Caine seeks a romantic ornament when it is over. 

Fireflies in Tainan

I am not sure if Uri Caine, who penned this neo-classical composition, referred in the title to the quiet town in Southern Taiwan (I know for a fact that there are fireflies there).  The track opens with a low-end rumble on the piano.  A solo on violin is alluringly enriched with subtle nuances from both theremin and piano, but soon blazes into a scalding high pitch.  This climactic experience does not prevent Feldman from resuming, mine de rien, in concerto mode, pathétique style.  Only Schwimmer’s eternally formless theremin adds shades of sepia.  This flame of neo-classicism does not last and an increasingly free-form piano phrasing turns the piece back into its heavy rumbling stasis.  Feldman’s violin ferments sweetly before scaling up to a pitch of whistle quality.  Fading ritornellos close the piece. 

Marnie

Bernard Herrmann’s theme for “Marnie” is an Apolline song scored for violin lead and an accompanying piano.  A very cinematic (though not quite sci-fi) theremin develops a secondary theme, again interwoven with a delicate, secondary piano line.  The violin brings back a sense of elusive structural predictability, but suddenly (and for the first time on this CD), Uri Caine assumes a more forceful role.  In a post-hard bop, self-organizing venture, Caine improvises delightfully until the theremin pushes airily through an eerie transition.  Caine descends from the plateau, but continues to develop the complex theme.  Towards the end, the high pitched violin solo manages to successfully reconcile the dramatic tension of romantic pathos with parametric syncopation. 

Sacrifice

A dynamic about-face startles us with a basaltic, delinquent piano ostinato and daring, visceral violin attack.  Schwimmer’s unlikely, electronic swirl injects a welcome, planispheric element into this aggressive foundry.  Feldman’s portatos are a little over the top here, juxtaposed with intense, grilling noise.  His variations - between classical cleanliness and über-pitched nervousness will carry this piece till the last splashes of grandiose piano ostinato.  

Carlotta’s Portrait  / Farewell

Another of Herrmann’s musical poems, this time from “Vertigo”.  Feldman’s violin legatos stick to higher register, eventually yielding the melodic role to the hitherto discrete theremin.  Feldman is never far, circulating, maneuvering and burrowing a faint line.  Schwimmer ditches his theremin for daxophone.  His initial forays are frail and twiddly like a mix between a squealing puppy and liquid whirl.  Too bad – he could have done more with this amazingly versatile piece of wooden lute-making. 

The Nightmare / The Tower

As most of the shorter vignettes on this record, this one eschews the poetic tones of the longer pieces and thrusts the listener into a more free-form universe.  Amid nervous violin riffing, the frenetically tight piano arpeggios place Caine beyond Cecil Taylor’s cogent anti-classicism (de facto, rather than de iure).  His honest, agitated eruptions drown out most of the violin part.  Meanwhile, the forlorn daxophone wheezes deep in the background, but one has to be very attentive to notice that. 

Scène D’Amour

At nearly 10 minutes, “Scène” scores as the longest composition on this record.  It all begins with serene theremin polygons.  After this intro, a succession of bird-like voices emanates from pointillist exchanges between the piano and the violin.  This (accidental?) nod to Olivier Messiaen eventually sinks into theremin’s wooly, mood shifting blankets.  Feldman is particularly virtuosic here, easily catching up with speedy piano outbursts.  Their climaxes are typical for European composition – violin’s projection wins in higher pitch, the piano forces up the volume.  Feldman’s astounds with the sensitivity of his touch and his fluent shifts in articulation.  His romantic legatos are brought alight by the returning theremin, weeping with melancholy. 

Tesla’s Blues

Tesla – the genius engineer of ‘Yugoslav’ origin should be remembered by music fans, at the very least, for the reel tape recorder churned out by the Czechoslovak subsidiaries.  This “blues” starts with an analog-sounding electronic circuitry, then some scraping and occasional, non-figurative piano notes.

The Fly

This second intermission is performed by amplified daxophone and violin.  This is the closest we can ever get to revive the spirit of the legendary Cora/Reichel collaborations. 

Real Joe

Mark Feldman’s only composition here initially appears rigidly classical, placed in concerto setting, with the piano in a subjugated role.  While velocity changes are sudden, decelerations inevitably bring back the comfy shading by theremin.  Its feminine chorus-like configuration frames perfectly the high notes that suddenly spill from Caine’s piano.  Harmonic shadowing with the violin adds some mordents to the nocturnal pensiveness of the piece. 

The Bookstore

Theremin waves in yet another loosely structured, cinematic theme.  Violin repetitions and piano figures correlate perfectly, leading into another fidgety missive from the daxophone.

Parade on Mars

The wheezing intro on daxophone seems to be amplified through a digital device (DX7 ?).  The instrument responds to the multi-directional impetus of the brutal attack from violin and piano with its celebrated, fretted innocence.  But the trio format soon falls apart, leaving us with Caine’s deadpan voice and the squiggly mayhem of acoustic live improvisation.

Paralysis / Circle Song

Another composition by Schwimmer opens with arpeggiated piano figures that slowly mutate into schizophrenic tremolos.  A rather sedate theremin salvages this tender, brooding psalm, with the piano as the only accompaniment.  This brocade passage eventually unleashes Feldman into the one last exercise in default hierarchy.  A bike horn ends this in an ungainly, but counter-intuitively fitting manner. 

***

SCHWIMMER-CAINE-FELDMAN: “Theremin noir” (1999)

Although deprived of any theremin, and less colorful, the Arcado Trio of Mark Feldman, Hank Roberts and Mark Dresser arguably reached the pinnacle of the 20^th century classical cum jazz fusion.  

DRESSER-FELDMAN-ROBERTS: “Arcado” (1989)

ARCADO: “Behind the Myth” (1990)

ARCADO: “For Three Strings and Orchestra” (1991)

ARCADO: “Live in Europe” (1994)

The trio appeared previously together in a larger setting with Tim Berne, but it was very different music.

Beverly Peele (1975- ), an American supermodel, was one of the top fashion and print models of the early 1990s.

She started modelling on the runways of Paris at age 12. In 1989, by age 14, she had made her first million and became the first black woman to appear on the cover of Mademoiselle magazine. In 1993, at age 18, People magazine named her one of the 50 most beautiful people in the world. She appeared on hundreds of magazine covers. All the top fashion designers wanted her.

But then suddenly it all came to end.

Where Naomi and Tyra had wanted to be models since they were little girls, she did not. She said she wanted to be a plumber. So she was not willing to play the game. And when she got pregnant at 18 she had the baby against all advice: they said it would mess up her looks, that she would never work again. Even her mother would not to speak to her (at first). She did not care. The baby was more important.

After she had the baby she came back to modelling, but she failed to make a comeback. In 1997 she went into acting, but with small success.

She is one of the most beautiful black supermodels of all time, but because she rose and fell before the rise of the Web, there are not many pictures of her on the Internet, and what you see are not even her best.

She grew up in suburban Los Angeles but went to the school where her mother worked in South Central.

At 11 her mother made her take an etiquette course to learn “how not to be klutzy”. She learned to walk with grace. That and her long legs helped her to win modelling contests and before she knew it she was on the runways in Paris.

At her height she spent money so freely people called her C-Note. She had a three-floor apartment in New York. Because money came so easily to her so young, she had no idea of money management. She also started doing drugs. She was far from home and growing up too fast. After she had the baby, it was all over.

Ten years later, in 2005, she found a lost credit card in a supermarket and used it to buy a washer, dryer, refrigerator and other stuff for her house. It went to court and in 2006 the judge sentenced her to three years’ probation, 300 hours of community service and, of course, she had to pay back everything - and something else to American Express for their troubles.

In 2006 she went on the “Tyra Banks Show” to warn women of the dark side of modelling.

Peele first ran into Tyra Banks years before in Venice. Tyra at the time was 17 and broke in a foreign country. Peele helped her out.

Peele is six feet tall (1.83 metres). In 1989 her measurements were 33.5-22-33 (85-56-84 cm). That gives her a waist-to-hip (WHR) ratio of 0.67, which is on the low side for a fashion model.

See also:

• The most beautiful black women models
• black fashion models
• Tyra Banks - another black supermodel from the same time and place, but with far more drive and discipline
  
• Naomi Campbell
• Lisa Bonet - whose life offers interesting parallels

The ugly picture painted by Treasury’s latest figures  can’t all be blamed on the turmoil in world financial markets.

Treasury has painted a very ugly economic picture for the incoming National government with cash deficits increasing, growth shrinking, tax revenue diminishing and unemployment rising.

Surely some of the blame for this can be laid on the failed policies of the noughties, if only because if labour was in power they’d be sure to blame it on the “failed” policies of the 80s and 90s.

So, I am sure they’ll hate me for posting these, but these have been some of my favorites of my younger brother and sister. 

Réalisateur : Kevin Hooks

Auteur : Pam Gibson; Nelson George

Acteurs : Joseph C. Phillips; Halle Berry; Tommy Davidson

Année : 1991

Genre : Comédie romantique

SYNOPSIS:

C’est l’histoire de Waymon, un jeune noir ambitieux et talentueux qui est plus blanc qu’un blanc et qui vit dans un monde de blancs, travaille dans un grand building fancy et rêve de devenir l’associé de son patron.

Son ami, Bobby, est au bas de l’échelle, mais rêve de s’en sortir.

Waymon tombe amoureux de Natalie lorsqu’il la croise, et quand il apprend que Bobby la connaît, il fait un marché avec lui: Bobby va la lui faire rencontrer, et Waymon va aider Bobby à monter les échelons de la société. Et à travers ça, une histoire de jalousie de la part d’un ennemi de Waymon qui veut lui mettre des bâtons dans les roues au boulot.
CRITIQUE:

Le film a vieilli, mais se regarde bien quand même.

Halle Berry joue Natalie, dans un de ses premiers rôles au cinéma, un Sam (Samuel) Jackson aux cheveux gris joue le patron de Bobby, un jeune Sam Rockwell joue un rôle assez important, et Denis Leary était tellement inconnu qu’il n’apparaît que 10 secondes.

Les deux acteurs principaux sont sympathiques et jouent bien leur rôle, les tenues vestimentaires sont à chier mais amusantes à regarder (surtout si on se souvient de l’époque), les dialogues sont “so-so”, etc.

Donc, un film moyen, auquel Roger Ebert accorde un peu trop d’importance et de sens dans sa critique - et il a raison en quelque sorte - mais ne vous trompez pas: il ne s’agit à la base que d’une comédie romantique.

Amusant.

(2 juillet 2006)

JF

Réalisateur : Blake Edwards

Auteur :Blake Edwards

Acteurs : Roberto Begnini; Herbert Lom; Claudia Cardinale

Année : 1993

Genre : Comédie

CRITIQUE :

Et bien, mesdames et messieurs, Blake Edwards a réussi à sauver sa série de films en nous offrant un intéressant dernier chapitre!

1993 voit le retour de La Panthère Rose en grande forme! Edwards fait ici appel à un grand comique italien, qui sans le savoir se trouve à quelques années de gagner un Oscar, le talentueux Roberto Benigni.

Celui-ci joue le rôle du gendarme Jacques Gambrelli, fils de Maria Gambrelli et de …Jacques Clouseau!

Jacques Jr ignore qui est son père, jusqu’à ce qu’il soit mêlé à une histoire d’enlèvement d’une princesse et que sa mère, qui s’éprend du chef Dreyfuss (l’excellent Herbert Lom), lui apprend enfin qui est son père.

Maria Gambrelli, qui était l’un des personnages principaux de A Shot in the Dark (où elle était jouée par Elke Sommer) est interprétée ici par Claudia Cardinale (l’interprète de la Princesse Dala du premier film en 1963). Cardinale joue très bien son rôle, quoique très différemment de la façon dont le jouait Sommer en 1964. Mais peu importe, il est intéressant de revoir un visage familier dans la série.

Herbert Lom et Burt Kwouk sont toujours présents, fidèles au poste (et ce depuis 1964!). Chacun joue son rôle à la perfection, comme à l’habitude (Lom étant devenu au fil des ans le personnage central de la série).

La princesse qui est victime d’un kidnapping est jouée par la ravissante Debrah Farentino (l’une des plus belles actrices principales de la série). C’est une bonne actrice, sans plus, qui tire bien son épingle du jeu.

Mais la vedette ici est Roberto Benigni. Qui peut résister à cette bouille sympathique? L’inspecteur Jacques Clouseau Jr est un amateur de musique et de poésie, un être sensible, pacifiste, aimant, toujours souriant, mais affublé de la même maladresse que son père.

Benigni est parfait dans le rôle. Il ne fait pas toujours rire, mais quand il y parvient, il est hilarant. C’est le premier film de la série, depuis Revenge of the Pink Panther, où j’ai autant ri. Simplement le regarder faire les choses les plus insignifiantes est un pur plaisir, car il réussit presque toujours à rendre cela rigolo.

Son of the Pink Panther a sauvé la série, malgré les mauvaises langues et critiques du films qui l’ont démoli à sa sortie. Bien que Benigni ne soit pas Peter Sellers, et que Blake Edwards ramène de vieux gags à la charge dans quelques scènes, le film réussi à faire rire, ce qui est le plus important dans cette série, et ce que les deux films des années 80 n’avaient pas vraiment réussi à faire.

Ce film vient en second sur le plan visuel (le premier, en 1963, étant le plus beau). Les décors, les couleurs, les paysages, les effets spéciaux, etc., tout est superbe.

Et, preuve que nous sommes ici dans les années 90, le fameux thème musical de Henry Mancini a eu droit au traitement Bobby McFerrin, ce qui est extrêmement intéressant.

Son of the Pink Panther est un bon petit film, qui termine la série sur une bonne note. L’absence de Peter Sellers est bien sûr très dérangeante, mais Benigni réussit, grâce à son charme enfantin, à nous amuser un peu…

(10 mai 2005)

JF

I’ve always liked Doctor Who ever since I was a kid back in the 1990’s and early 2000’s. I’m still a teenager, just 16, and I still like the good old Doctor. There has been many doctors since it was started back in 1963. The first doctor was a old guy who is long since dead. I was fascinated by him and his personality. I must admit, I did try to copy some expects of his personality and character (bit stupid to do so if you ask me these days). A couple of years back, the ABC was replaying some of the old Doctor Who episodes from the first ones in 1963 right up to the last classical one in 1989 with that guy. Since I got my first video player eight years ago, I’ve been borrowing them from the local Warwick Shire library and playing them on my video player (some people would call it a VCR). I was the last of the video player generation and so I remember the video players (some would say video recorders but who cares). For those of the DVD generation who don;t know what a video player is, a video player is a old version of a DVD player. Dear god that made me feel old for saying that. Stupid DVD generation. Any way, back to the topic of this post.

The British Broadcasting Corporation (the BBC) stopped making Doctor Who shows for over a decade. They  started making them again three years ago. The first new one was a Scots person. Then they got rid of him and replaced him with some accented guy called David Tennant. There was a show about him on “Who Do You Think you Are” just a  couple of weeks ago on the Special Broadcasting Service (the SBS). I really liked him. One guy at my school thought he was hot. But I want say who the guy was (Don’t worry AK your secret is safe with me, comrade).

Now, the British Broadcasting Corporation ha

s announced that comrade Tennant (no, he isn’t one of us, comrades) will no longer be playing the role of Doctor Who. That really sucks if you ask me. David Tennant will still appear in four new episodes .According to their web site, the new Doctor Who will make his appearance on this year’s Christmas special that will be called “The Next Doctor”. I, along with many other people including AK, will be looking forward to the special. Oh by the way, I hope the bloody ABC plays it in December not in the middle of next year like they did with the 2007 Christmas special. Don’t be a mob of pricks, guys.

British Broadcasting Corporation:

David Tennant has announced that he will leave the award winning BBC drama Doctor Who when he has completed the filming of four special episodes which will be screened in 2009 and early in 2010.

David Tennant first appeared as The Doctor in 2005 and has gone on to star in three series and three Christmas specials as the tenth incarnation of the Time Lord. The BBC has confirmed that David will continue to play The Doctor in the four specials that will make up the 2009 series before a new Doctor takes over for Series 5. Tennant will also star in the Doctor Who Christmas Special titled The Next Doctor this year.

David Tennant comments “I’ve had the most brilliant, bewildering and life changing time working on Doctor Who. I have loved every day of it. It would be very easy to cling on to the TARDIS console forever and I fear that if I don’t take a deep breath and make the decision to move on now, then I simply never will. You would be prising the TARDIS key out of my cold dead hand. This show has been so special to me, I don’t want to outstay my welcome.

“This is all a long way off, of course. I’m not quitting, I’m back in Cardiff in January to film four special episodes which will take Doctor Who all the way through 2009. I’m still the Doctor all next year but when the time finally comes I’ll be honoured to hand on the best job in the world to the next lucky git - whoever that may be.

The Doctor

“I’d always thought the time to leave would be in conjunction with Russell T Davies and Julie Gardner who have been such a huge part of it all for me. Steven Moffat is the most brilliant and exciting writer, the only possible successor to Russell and it was sorely tempting to be part of his amazing new plans for the show. I will be there, glued to my TV when his stories begin in 2010.

“I feel very privileged to have been part of this incredible phenomenon, and whilst I’m looking forward to new challenges I know I’ll always be very proud to be the Tenth Doctor.”

Russell T Davies Executive Producer of Doctor Who comments “I’ve been lucky and honoured to work with David over the past few years - and it’s not over yet, the Tenth Doctor still has five spectacular hours left! After which, I might drop an anvil on his head. Or maybe a piano. A radioactive piano. But we’re planning the most enormous and spectacular ending, so keep watching!”

Doctor Who returns to our screens on BBC this Christmas. The Next Doctor starring David Tennant, David Morrissey and Dervla Kirwan will be screened on the 25th December on BBC1.

Watch a video of David explaining his decision which includes a preview of the forthcoming episode The Next Doctor by using the media player above

http://www.bbc.co.uk/doctorwho/s4/misc/news/index.shtml?media=2

Every other year begnning in 1986 a team of MLB All Stars travels to Japan to face a team of All Stars from Japanese baseball.  The first video shows Curt Schilling facing Hideki Matsui and the second is Tom Gordon facing Ichiro Suzuki.  The MLB All Stars went on to win the series 5-2.

Spreety.com is pleased to announce the creation of several new Decades pages to help you find and watch the online TV shows you love.

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Réalisateur : Ronny Yu

Auteur : Ronny Yu

Acteurs : Brigitte Lin; Leslie Cheung; Kit Ying Lam

Année : 1993

Genre : Fantaisie

SYNOPSIS :

Le successeur du trône du Clan Wu-Tang, Cho Hi-Yang, désire se retirer et vivre une vie différente. Il fera la rencontre de Lien, une dangereuse assassin pour le clan adverse, et ensemble ils vivront une histoire d’amour interdite qui se terminera tragiquement.

CRITIQUE :

Une merveilleuse histoire d’amour japonaise, par le réalisateur de Freddy vs Jason et de Bride of Chucky, Ronny Yu.

Une histoire d’amour tragique, intemporelle, qui m’a beaucoup ému, m’a touché profondément. Le film est fantaisiste, rempli de personnages plus colorés et plus fous les uns que les autres. Un peu comme une bande dessinée qui prendrait forme sous nos yeux.

Les deux personnages principaux sont troublants, touchants, vrais… Ceux et celles qui ont vu Chunking Express connaissent la merveilleuse Brigitte Lin. Dans The Bride With White Hair, elle est excellente et elle crée un personnage fascinant.

En 2003, l’acteur principal du film, Leslie Chung, est décédé, et selon moi c’est une grande perte, car bien que je n’ai vu aucun de ses autres films, il a su m’émouvoir énormément dans The Bride With White Hair. Je m’y suis identifié et attaché dès le départ.

La suite du film, réalisée pratiquement en même temps, est beaucoup plus décevante, mais la toute fin offre une conclusion intéressante au récit du premier film.

(16 juin 2005)

JF

Réalisateur : John Waters

Auteur : John Waters

Acteurs : Kathleen Turner; Sam Waterston; Ricki Lake

Année : 1994

Genre : Comédie noire

SYNOPSIS :

Tout semble aller pour le mieux dans la petite famille Sutphin, une famille modèle américaine. Mais les choses sont sur le point de basculer, car la mère, Beverly, une femme obsédée par la propreté et la perfection, cache un stupéfiant secret : elle est tueuse en série! Quand le voisinage et les autres membres de sa famille commencent à la soupçonner, la vie de Beverly va devenir un vrai feu roulant de mésaventures!

CRITIQUE :

John Waters signe ici une comédie épicée, un film drôle et sarcastique, qui lance des pointes à la vie de banlieue américaine et qui explore l’univers d’une femme profondément troublée.

Serial Mom n’est pas un film sérieux, mais il peut s’avérer parfois violent et cruel, et sanglant.

Le spectateur jongle constamment entre le rire franc et le rire jaune. Devons-nous aimer Beverly, qui est le personnage principal, ou la détester et la condamner pour ses horribles actions? Difficile à dire.

Dans le rôle de la meurtrière, Kathleen Turner est tout simplement merveilleuse. Elle dégage énormément de charme tout en inspirant une certaine crainte (qui vient de son regard complètement fou).

Le film ne juge pas son « héroïne », mais il juge toutefois l’entourage de celle-ci. Les réactions qu’entraine la nouvelle de la présence d’une tueuse dans le quartier, c’est ce qui rend le film si intéressant. Certaines personnes veulent voir Beverly mourir tandis que d’autres l’adulent et vendent des chandails à son effigie.

John Waters est tout aussi cinglant ici que dans ses autres films, peut-être même plus, et c’est ce qui fait de Serial Mom une excellente comédie, de haut niveau, et qui n’est pas conseillée aux cœurs sensibles, …ni à ceux qui n’apprécient pas l’humour noir.

(17 juillet 2005)

JF

From the Rockmine Almanac for today (Monday 10th November):

Birth

1947. Glen Buxton (Alice Cooper) born in Akron, Ohio.

On Stage

1965. Bill Graham stages his first promotion at the Fillmore Auditorium featuring The Grateful Dead and Jefferson Airplane.

In Court

1978. Johhny Rotten starts legal proceedings in the High Court in London to wind-up The Sex Pistols. His lawyers are granted special leave to serve notice of the action on Sid Vicious who is currently on bail in a New York hospital accused of murdering his girlfriend, Nancy Spungeon. Vicious was admitted to hospital after slashing his wrists in an abortive suicide attempt. Further action is adjourned for a hearing date to be set.

In The Studio

1966. Brian Wilson is hard at work in Gold Star Studios, Los Angeles on the new Beach Boys album, “Smile”. The track “Fire” doesn’t seem to be coming together so he sends an aide out to a toy store to buy plastic red fire helmets for the orchestra, studio crew and friends assembled there. Even that doesn’t quite capture the feeling he’s trying to create so he gets the studio’s janitor, Brother Julius, to start a fire in a bucket in the middle of the studio. On the 24th take he is finally satisfied. Later in the evening, Brian is told that the studio was nearly burned down. A wave of fires had been sweeping the city during the week and Brian decides they’ve been caused by his recording of the track. He tries to set light to the master tape but it won’t ignite. Convinced that he’s imbued the track with magical properties he has the tape locked in a vault where it can do no harm.

On Television

1972. The Partridge Family (ABC, U.S.A.) Swiss Family Partridge. Here’s the complete episode. The first clip links to the other two parts.

Death

2006. Gerald Levert (LeVert) dies in Newbury, Ohio, U.S. from an accidental mix of prescription drugs and over the counter medications.

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Réalisateur : Ted Demme

Auteur : Scott Rosenberg

Acteurs : Timothy Hutton; Matt Dillon; Natalie Portman

Année : 1996

Genre : Comédie Dramatique

SYNOPSIS :

D’anciens amis se réunissent dans leur ville natale pour fêter les 10 ans de leur sortie du secondaire. Chacun a ses problèmes, et chacun cherche une façon de trouver le bonheur.

CRITIQUE :

Bienvenue à Nightridge. Enlevez votre manteau d’hiver et prenez un café. Et prenez le temps de vous souvenir, de vous souvenir de qui vous étiez, et de ce dont vous vouliez devenir…

Beautiful Girls est un merveilleux film. Il s’agit de l’un de mes films préférés, et d’un film que je chérirai toute ma vie. Un film dont le scénario vient du cœur, non de la tête. Un film qui touche certaines cordes sensibles en moi, dû en partie à mon âge actuel, en partie à mon expérience personnelle et à mes amis, et surtout dû à ma nature nostalgique.

Les habitants de Nightridge sont un peu mes amis. Depuis le jour où j’ai vu le film pour la première fois (et depuis je l’ai bien vu dix ou quinze fois), les personnages sont devenus en quelque sorte des membres de ma famille. Je peux reconnaître en chacun d’eux quelqu’un que je connais en réalité. Je peux mettre des noms et des visages sur chaque personnage. Et chacun d’eux est un amalgame de gens que je connais, et de moi-même.

Je me reconnais surtout dans le personnage principal de Willy, merveilleusement interprété par Timothy Hutton. Ce pianiste, parti vivre dans la grande ville pour trouver son bonheur, revient à la maison et retrouve ses amis, et se rend compte que sa vie est bien fade et ne ressemble pas à ce qu’il aurait souhaité. Willy s’aperçoit au long du film qu’il refuse de devenir adulte, que l’avenir l’effraie.

Tous ses amis ont le même problème. Ce sont tous des gens entre 27 et 29 ans. Certains regardent le passé avec tristesse et nostalgie, d’autres contemplent l’avenir avec réalisme, mais tous ont une chose en commun : ils sont effrayés par ce qui les attends.

Ce qui me touche, c’est que j’ai présentement l’âge des personnages, et que leurs préoccupations sont exactement les miennes. De plus, je viens d’une ville relativement petite, et j’ai de vieux amis d’enfances que je vois à intervalles irréguliers, mais chaque rencontre est heureuse, et les dialogues sur le passé, les rêves enfuis, les femmes et l’avenir abondent.

Je suis présentement, tel Willy et ses copains dans le film, dans cet âge merveilleux, juste à la fin de la vingtaine, où la vie semble s’ouvrir devant moi, et où je suis un peu plus sage, et un peu plus conscient de ma propre existence et de ma mortalité. L’avenir est là devant, tel un gouffre sans fond, et le passé est derrière, rempli d’images merveilleuses et de doux souvenirs.

C’est sur ces choses que le film s’appuie. Chaque personnage est complexe, et chacun a ses problèmes et ses raisons d’être malheureux. Mais chacun a aussi de bonnes raisons d’être heureux, ce qu’il ne voit pas nécessairement, et c’est ce que chacun apprendra au cours du film.

Chaque acteur donne tout ce qu’il a : Timothy Hutton, Matt Dillon (touchant de vérité), Michael Rappaport (dans ce qui doit être sa meilleure performance jusqu’à présent), Noah Emmerich, Mira Sorvino, Max Perlich, Pruitt Taylor Vince, Rosie O’Donnell, Martha Plimpton, et Lauren Holly.

Mais les deux stars de Beautiful Girls, les deux étoiles filantes qui illuminent le film de leurs performances, sont Uma Thurman et Natalie Portman.

Uma Thurman, avec sa radieuse beauté et son assurance, flotte au-dessus de tout le monde, traversant le film comme un éclair, mais touchant tout le monde au passage. Son personnage change l’attitude de bien du monde dans la petite ville, et elle aussi apprendra certaines choses sur elle-même.

Natalie Portman est, sans contredit, la vedette du film, et son point fort. Faisant de chacune de ses scènes un petit bijou, elle apporte au film un vent frais et une sagesse sans pareille. Elle touchera le cœur de Willy, ainsi que le nôtre. Chaque homme qui approche la trentaine sera touché profondément par son personnage, la petite Marty, et bien qu’elle n’ait que 13 ans, cela n’a rien à voir avec de la pédophilie, mais plutôt avec une envie de rester jeune, de regarder derrière soi et de rester dans le passé. Ce que Willy va apprendre au cours du film, nous l’apprendrons avec lui, et Marty ne sera à la fin qu’une belle fantaisie, et un souvenir impérissable.

Natalie Portman n’a, selon moi, jamais eu d’aussi beau rôle. Sa carrière s’ouvre devant elle, mais elle aura de la difficulté à retrouver un rôle magique comme celui de Marty.

Le réalisateur de Beautiful Girls, Ted Demme, est malheureusement décédé en 2002. Son talent, et la simplicité de sa réalisation, vont me manquer. La petite ville où l’action se passe est magnifiquement photographiée, elle évoque en moi toutes sortes de souvenirs, et me fais penser à l’endroit d’où je viens.

L’utilisation de la musique tout au long du film est magistralement accomplie, et après avoir vu le film, l’écoute de certaines chansons vont dorénavant engendrer chez vous, et ce pour toujours, des images du film (comme Sweet Caroline de Neil Diamond ou Fool To Cry des Rolling Stones).

Le scénariste Scott Rosenberg a su créer, avec Beautiful Girls, un monde complet et réaliste. Chacune des phrases prononcées par les personnages semble tout droit sortie de la réalité. Parfois il s’agit de mondanités, de dialogues tout simples, ou encore de conversations plausibles entre deux vieux amis d’enfance à l’approche tous deux de la trentaine.

Beautiful Girls me rend triste et joyeux, me donne des frissons chaque fois que je le regarde, et me donne envie de me retrouver autour d’une bière avec mes vieux amis. Ce film me rend nostalgique. En le regardant je n’ai plus le goût de vieillir. Mais je sais bien que, dans quelques années, je ne pourrai plus me servir de mon âge comme excuse pour m’identifier aux personnages, et que je devrai devenir adulte, comme eux.

Beautiful Girls est l’un des meilleurs films que je connaisse, et je ne saurais trop le recommander à tout le monde!

Revenez donc nous voir, car rien ne change vraiment ici dans notre petite ville…

“A beautiful girl is all-powerful and that’s as good as love. That’s as good as love.”

(10 août 2005)

Bande-annonce

JF

Joel and Ethan Coen, 1991

FADE IN on a bedroom in an Oxfordshire suburb. Mr. Craig sits at a laptop computer. The rain can be heard outside, as can the cry of the fishmongers.

John Goodman enters.

GOODMAN

What are you up to there Al?

CRAIG

(Closing the lid of the computer)
Oh, hi there John. I’m trying to write a review of Barton Fink, but I just can’t get started. I can’t decide if I have too much to say about it, or not enough.

GOODMAN

Hell, I know how you feel. Reviewing films is damned difficult. Especially that one, even I don’t really know what it’s about and I was in it!

CRAIG

On the surface, I guess it’s about writer’s block. About that fear that all writers have, that they only have one good idea, and that maybe they don’t really understand what they’re doing.

GOODMAN

I’ve been there. Brother I could tell you some stories…

CRAIG

I bet you could. I mean, you were in the film. I bet the things you could tell me about making it, working with the Coen Brothers and such.

GOODMAN

Hell yes I could!

John Turturro as Barton Fink

CRAIG

Well I’d better get on with writing this thing. I think I’ve kind of lost my mind, actually. I’m imagining a conversation with you, John Goodman, and writing it up as a script! This barely counts as a review.

GOODMAN

Just keep chippin’ away at it, Al. I’m sure you’ll get it. Hell, what’ve you got so far?

CRAIG

“Fade in on a bedroom in an Oxfordshire suburb…” Well, I won’t bore you with the tedious details. Basically, I have a conversation with you and it gets me nowhere because I don’t listen to you.

GOODMAN

Sounds familiar. Damned interesting work, though.

CRAIG

It’s an interesting film, I’d say. Quite enigmatic. I mean, what exactly are they saying? It starts off clear enough — Barton is passionate about writing theatre for “The Common Man”, but he is completely unable to relate to the affable everyman character you play.

GOODMAN

I played that damned well, even if I say so m’self!

CRAIG

That you did, John, that you did.

GOODMAN

Much obliged.

John Goodman as Charlie Meadows

CRAIG

Where was I? Right, so Barton is unable to relate to the Common Man. He ends up using fishmongers as shorthand for the lower classes. He has a great opportunity to write a Hollywood wrestling movie that really would reach the masses he preaches about, but all he can actually do is rehash his last play. The studio sees it for the “fruity” philosophical claptrap it is.

GOODMAN

It’s like he lacks empathy completely, ain’t it?

CRAIG

Exactly. While in Hollywood, Barton meets one of his literary heroes, W. P. “Bill” Mayhew, but the guy turns out to be an abusive drunkard. Bill’s “secretary” has real empathy for his situation, but Barton can only see him as a son of a bitch. And the irony is that the Coens kind of made the same mistakes as Barton.

GOODMAN

So you mean… The film kind of defeats its own purpose?

CRAIG

Maybe. Its main appeal is to writers and artists, and in the end it descends into Lynch-esque surrealism and symbolism. Are we to assume that the Hotel represents Hell? Is it the Hell of writing? Of writer’s block? Of war? Anti-semitism? Is Charlie the Devil? What’s in the box he gives to Barton? Is it a human head — literally an imagination that allows him to complete his script? A soul perhaps, but whose? Or is it merely the mystery that finally inspires Barton?

GOODMAN

Good points, brother. But films don’t all have to appeal to the masses. I mean hell, it’s given you something to think about, hasn’t it?

CRAIG

You’ve got a point there. I’ve watched it twice already trying to figure it out, and I can see myself watching it many more times. I get the general message, if not all the fruity symbolism.

Steve Buscemi enters with a dessert cart from a restaurant. On the cart is a swan sculpted from ice.

BUSCEMI

I brung you your ice swan, Mr. Goodman.

The ice swan melts as the walls burst into flames. Goodman sweats profusely. Buscemi falls through the floorboards. A loud crash can be heard below.

GOODMAN

Is that the kind of thing you’re talking about, Al?

"Will you take the speedboat or what's in the box?"

CRAIG

Yeah, I guess. But Barton Fink is a good film, I’m just making this bullshit up as I go along. I mean, how am I going to get out of this now?

GOODMAN

I got one idea…

CRAIG

Go for it John!

Goodman pulls a shotgun out from behind his back. He points it to Craig’s head.

GOODMAN

(shouting)
I GOT YOUR GODDAMN REVIEW ENDING RIGHT HERE! AAARGH!

Both men scream loudly. Goodman blows Craig’s brains out.

FADE OUT

]]> http://thethinkingtank.wordpress.com/2008/11/09/freaks-and-geeks/ Mon, 10 Nov 2008 05:33:04 +0000 pia http://thethinkingtank.wordpress.com/2008/11/09/freaks-and-geeks/

i love this show! i’ve found most of the series online and have been watching it non-stop. i used to watch it all the time when i was a kid and completely forgot about it!

Labour blamed almost everything that went against them in the last nine years on the “failed” polices of the 80s and 90s and the previous National led government.

Will the new government be able to get away with blaming the failed polices of the noughties and the three Labour led governments since 1999?

Yesterday, I heard one of my favorite songs growing up — “Everything You Want” by Vertical Horizon. It was refreshing to hear as it reminded me of a simpler time. Once in a while, I get those feelings. I’ll hear a familiar song, and suddenly, I’ll remember everything that happened during that time. I was in 5th or 6th grade when this song was released and it was during the peak of the 90s alternative phase. I’m sure many remember it well. No Doubt’s Tragic Kingdom, Smashing Pumpkins, Smash Mouth, Counting Crows, R.E.M. etc. etc. If you don’t listen to that type of music now, you did back then. That’s just the way it was.

BTW, Will.I.Am is a genius. And if you want to see an obviously very low budget, yet way cool song/video, you can click here.

- JD

Réalisateur : Frank Darabont

Auteur : Stephen King (nouvelle); Frank Darabont

Acteurs : Tim Robbins; Morgan Freeman; Bob Gunton

Année : 1994

Genre : Drame

SYNOPSIS :

Un homme accusé d’un double meurtre est enfermé à perpétuité dans la prison de Shawshank. Au cours des décennies, le calme et intelligent Andy Dufresne fera sa place parmi les « résidents » de la prison et gagnera le respect de tous les gens qui l’entourent.

CRITIQUE :

Ce film est la meilleure adaptation d’un récit de Stephen King au grand écran.

Tim Robbins n’a jamais eu d’aussi beau rôle que celui d’Andy Dufresne, ni avant ni après ce film. Andy est un être complexe, honnête, brillant. Il est fier et orgueilleux. Aussi fragile semble-t-il, il ne se laisse pas abattre. Robbins est parfait, tout simplement parfait. Il a la sensibilité et la dureté exigées par le rôle, et il inspire la confiance et la sympathie du public avec ses yeux tristes, profonds et remplis d’espoir. Une vraie belle performance, rien de moins.

Morgan Freeman a lui aussi un rôle du tonnerre, celui de Red Redding, le narrateur et témoin de l’histoire. Red deviendra au fil du temps le meilleur ami d’Andy, un ami en qui il peut avoir une totale confiance. Et même si cet ami ne le comprends pas toujours, il sait quand se taire et quand parler. Freeman crée dans ce film un personnage chaleureux, paternel, amical, un personnage auquel le public s’identifie, car il parle le langage universel de l’Homme et regarde la vie avec les yeux d’un homme simple.

Bob Gunton fait un parfait directeur de prison, le plus cruel qu’il m’ait été donné de voir au cinéma (juste au-dessus du personnage de Donald Sutherland dans Lock Up). Gunton est méchant, cruel, mais il est honnête quand en vient le temps et sait reconnaître la valeur et les mérites d’un homme qui travaille bien.

Un de mes personnages préférés de ce film est le capitaine Hadley, joué par Clancy Brown. Il est le chef des gardiens de la prison, et s’en prend cruellement à tous les prisonniers qui n’obéissent pas aux ordres. Je ne crois pas me tromper en affirmant que Brown, qui a eu une carrière relativement fertile, n’a jamais eu d’aussi beau rôle à jouer que celui-ci. Du moins, il sera toujours le capitaine Hadley dans mon esprit.

Le reste de la distribution comprend des noms tel William Sadler, Gil Bellows, James Whitmore, Paul McCrane, etc., et tous sont, dépendant de la grosseur du rôle, excellents et créent de vrais personnages auxquels nous nous attachons (sauf peut-être Paul McCrane, qui n’a qu’un rôle minime, mais que je mentionne ici parce que j’aime cet acteur).

Le scénario de Frank Darabont retient les meilleurs éléments de la nouvelle de Stephen King (une nouvelle intitulée Rita Hayworth and the Shawshank Redemption), et est extrêmement solide. La réalisation du même Darabont est efficace et sobre. La prison prend vie devant nos yeux et devient un personnage en soi.

The Shawshank Redemption est l’un des meilleurs films des années 90, sinon le meilleur. Il fut privé de l’Oscar du meilleur film pour lequel il était en nomination, mais peu importe, car le film a un public fidèle qui grandit d’années en années, et chaque personne qui le voit sait apprécier les nombreuses qualités de ce film.

Un grand film comme il s’en fait peu.

(5 août 2005)

JF

Réalisateur : Lloyd Kaufman

Auteur : Jason Green; James Gunn

Acteurs : Jane Jensen; Will Keenan; Maximillian Shaun

Année : 1996

Genre : Comédie d’horreur

SYNOPSIS :

Le clan des Capulet et celui des Que sont en chicane depuis des années. Mais parmi leurs querelles incessantes naîtra un amour, l’amour qui unit Tromeo et Juliet. Mais Juliet fut promise à un autre homme par son père, un homme dominateur et vicieux. Donc ensemble ils doivent trouver une façon de se libérer des griffes des deux familles et ainsi vivre leur amour paisiblement. Cela ne sera pas chose facile…

CRITIQUE :

Comment faire une critique honnête d’un film des studios Troma? Il n’y a qu’une seule façon selon moi : se détacher du cinéma « normal » et éviter les comparaisons, et regarder le film simplement pour ce qu’il est et ce qu’il essaie d’être.

Tromeo & Juliet n’essaie évidemment pas d’être un film sérieux. C’est un film Troma. Et un film Troma, c’est violent, absurde, bourré de sexe, de sang, de trippes, et d’allusions à la scatologie, l’inceste, ou le lesbianisme. Ce sont des films à petit budget, fiers de ce qu’ils sont et qui ont une multitude d’amateurs pour les supporter.

Mais Tromeo & Juliet se démarque en étant un brin plus intelligent et plus soigné que les autres fims de la compagnie. Ses acteurs ne sont pas totalement mauvais (et j’irais même dire que dans le cas de Juliet, jouée par la ravissante Jane Jensen, il s’agit même de « talent » - difficile à croire, oui). Certains passages sont directement tirés de la pièce originale, ou légèrement modifiés. La transition entre les dialogues normaux et ces passages Shakespeariens se fait sans heurts et le tout est agréable.

J’ai bien aimé Tromeo & Juliet. C’est plutôt le genre de film que l’on regarde avec une bande d’amis, sous l’effet de la boisson ou de tout autre substance, mais ça a son charme et le film peut même arriver à gagner les spectateurs à jeûn, du moins ceux qui ont une certain tolérance pour l’extravagance et les choses dégoûtantes. Car le film ne se gêne pas pour nous montrer des choses répugnantes, et personnellement je l’accepte, car c’est la marque de commerce de Troma et je savais à quoi m’attendre.

Le film est considéré comme un classique chez les amateurs de Troma, et comme l’un des meilleurs de la série. Personnellement, si vous n’avez jamais vu de films Troma, je vous le conseille. Le film se suit bien, l’histoire originale est respectée, du moins jusqu’à un certain point, et le film est drôle, à condition d’aimer les films à petit budget qui ont des décors sales et vieux, une direction photo qui donne au spectateur l’impression de regarder un film des années 70, et des scènes où le sang et d’autres fluides corporels abondent.

J’y ai même reconnu des éléments qui sortaient tout droit de West Side Story. Celui-ci racontait aussi l’histoire de Roméo et Juliette, mais dans les rues mouvementées du New York des années 50.

Et pour les amateurs de Gilmore Girls, vous aurez du plaisir à voir jouer Sean Gunn (« Kirk » dans la populaire série), que je n’ai pas reconnu tout de suite! Il est génialement comique dans Tromeo & Juliet!

Regardez Tromeo & Juliet. Si vous n’avez pas le cœur sensible, je pense que vous aimerez. De toute façon la violence est retenue comparée aux autres films Troma, et l’humour est présent tout au long du film.

(9 août 2005)

JF

Réalisateur : James Mangold

Auteur : James Mangold

Acteurs : Pruitt Taylor Vince; Liv Tyler; Deborah Harry

Année : 1995

Genre : Drame Romantique

SYNOPSIS :

Au café « Pete & Dolly’s », rien ne change. Delores, la serveuse aigrie, y travaille depuis quinze ans et est toujours célibataire. Victor, le gros garçon dans la trentaine – lui aussi célibataire, fait ses pizzas sans dire un mot, tandis que sa mère, la sympathique Dolly, s’occupe des affaires reliées au café, puisque son mari, Pete, est décédé il y plusieurs années. Lorsque la jeune décrocheuse Callie vient demander un emploi de serveuse, la vie change pour Victor, qui rêve d’une vie différente, et Callie pourrait bien être sa porte de sortie.

CRITIQUE :

Au café « Pete & Dolly’s », même les clients se sentent chez eux. C’est un endroit où les célibataires viennent terminer leur ennuyante journée, et d’où, souvent, ils repartent seuls.

Heavy est un film tout en douceur, mettant l’emphase sur les éléments de la vie quotidienne, les petites choses que personne ne remarque habituellement. Si vous aimez les films rapides où tout explose et où les dialogues abondent, oubliez Heavy : vous détesterez, je vous l’assure.

Le titre du film fait référence, évidemment, à la condition physique de Victor, le personnage principal, mais ce titre décrit aussi l’ambiance qui règne dans son entourage.

Si vous ne connaissez pas l’acteur Pruitt Taylor Vince (et je suis certain que vous le connaissez, vous ne le savez tout simplement pas), faites-vous plaisir en voyant ce film. L’acteur est en parfait contrôle de son jeu, et il interprète avec brio cet homme profondément reclus et timide qui n’arrive qu’avec beaucoup de difficulté à communiquer avec les gens. Les quelques répliques que l’acteur a à prononcer devaient probablement entrer sur une seule page, mais le peu que Victor dit a énormément d’importance et de conséquences. Pruitt Taylor Vince, à mon avis, est une perle rare dans le milieu Hollywoodien, et il est sous-estimé. Je l’ai vu dans plusieurs rôles, et à chaque fois il est extraordinaire. Mais son rôle dans Heavy reste son meilleur à mon avis.

Liv Tyler, dans le deuxième film de sa carrière, est étonnante de justesse et d’humilité. J’aime beaucoup cette actrice, et je considère son parcours très bien choisi. Ses choix de films sont judicieux. Dans Heavy, la jeune actrice démontre à quel point elle peut être vraie et touchante. Son personnage est une étoile filante dans la vie de Victor, et elle joue l’étoile avec tout son charme et sa beauté. Elle sait être fragile tout en étant dure, et je considère ce rôle comme l’un de ses meilleurs.

Deborah Harry joue un rôle stéréotypé, mais elle le joue très bien, et de toute manière son personnage est bien écrit et semble vrai. Delores aurait pu être une caricature des femmes mûres aigries par la vie qui sont continuellement à la recherche d’un homme pour combler le vide de leur vie, mais Debbie Harry lui donne juste assez de crédibilité pour que l’on croit en Delores. La légendaire Shelley Winters fait très bien son boulot et rend sympathique la vieille Dolly. Joe Grifasi, un acteur qui m’est inconnu, est plutôt intéressant, quoique son personnage soit un cliché ambulant, dans le rôle de Leo, le saoûlon de service. Et, pour finir, le trop sous-estimé David Patrick Kelly, que personnellement je vénère, fait une très courte apparition, mais son personnage est tout aussi important que les autres quant à l’influence qu’il a sur Victor.

Le scénario de James Mangold est tout en finesse et en subtilité, ainsi que sa réalisation. Son film peut en rebuter plusieurs pour sa lenteur, mais personnellement j’adore ça, car c’est très différent du cinéma américain habituel.

Et la musique, en majorité jouée et chantée par Evan Dando (qui joue également dans le film), est excellente.

À voir si vous aimez les choses différentes et vraies.

(10 août 2005)

Bande-annonce

JF