Né le 24 Septembre 1922 à Chicago, Illinois, Jack Costanzo entame sa carrière en tant que danseur.  Avec son épouse, Marda Saxon, il forme un superbe couple de danseur de rumba et entame de nombreuses tournées avant la Seconde Guerre mondiale.

Après avoir effectué ses obligations militaires dans la Navy, il travaille en tant que professeur de danse au Beverly Hills Hotel.  Le groupe de Bobby Ramos le remarque alors qu’il joue les bongos lors d’une jam session et lui propose de le rejoindre.

Jusque fin des années 40, Jack Costanzo va alors jouer au sein de nombreux groupes latins, avec entre autres Desi Arnaz et Rene Touzet.
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Costanzo va connaître le succès pour la première fois lorsqu’il rejoint le groupe de Kenton en 1947. L’arrangeur de Ace Kenton, Pete Rugolo, compose expressément pour Costanzo le titre “Bongo Riff”. Costanzo devient “soliste” sur de nombreux autres enregistrements de Kenton: “Chorale for Brass, Piano, and Bongo,” “Fugue for Rhythm Section,” “Unison Riff,” “Journey to Brazil,” and “Harlem Holiday.”

Il quitte alors Kenton pour travailler avec Nat King Cole de 1949 à 1953, devenant un musicien de studio. Parmis ses enregistrements avec Nat King Cole, on peut retenir ”After Midnight” (sur lequel Juan Tizol apparaît également) et “Mucho Calor,” un titre West Coast jazz, de Bill Holman et Johnny Mandel. Costanzo profite alors de l’engouement du public pour les bongos et est engagé par de nombreux labels afin d’enregistrer des albums mettant en avant son extraordinaire jeu de bongos et de congas.
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Costanzo est aussi à l’occasion acteur de cinéma, faisant des apparition dans une série télévisée, ”Staccato”, et des films tels que “Thrill in Brazil”  et la version de Jerry Lewis de “Visit to a Small Planet.”

Jack Costanzo est resté un grand Monsieur de la musique latine.  Le temps passant, ses qualités d’homme et de musicien sont restées intactes.  Son dernier album sorti chez Ubiquity Records, ”Back From Havana” et “Scorching the Skins” sont encore aujourdh’hui considérés comme une leçon très particulière de bongo et d’harmonie pour les plus jeunes générations.  Cal Tjader le considérait comme le bongocero et le conguero avec lequel il était le plus agréable et facile à travailler.

Jack Costanzo And His Afro-Cuban Band
Mr. Bongo
Label: GNP

Tracks:
A1 Caravan (3:07)
Arrangements - Paul Lopez
Duke Ellington , Juan Tizol
A2 Melado De Cana (3:45)
Mercedes Pedroso
A3 La La La (2:46)
Jose Curbelo
A4 El Resbaloso (4:00)
Hilario Ariza
A5 Coco May May (2:20)
E. Servilla
B1 Chopsticks Mambo (2:32)
B2 Abaniquito (4:25)
Bobby Escoto , Jose Curbelo
B3 Just One Of Those Things (2:07)
Arrangements - Paul Lopez
Cole Porter
B4 Goza Negra (2:58)
Bienvenido Fabian
B5 Bongo Festeris (2:30)
Jack Costanzo , Paul Cano

Discographie:
Mr. Bongo Plays in Hi-Fi, Tops 1564
Latin Fever, Liberty LRP-3093
Bongo Fever, Liberty LRP-3109
Afro Can Can, Liberty LRP-3137
Learn–Play Bongs, Liberty LRP-3177
Naked City, Liberty LST-7195
Cha Cha Cha, Clarity 804
Bongo Cha-Cha-Cha!, Golden Tone C 4061
Bongo Fever!, Sunset SUS-5134
Mr Bongo Has Brass, Zephyr 12003
Jack Costanzo and His Afro Cuban Band, GNP Crescendo GNP-19
Vivo Tirado, GNP Crescendo GNPS 2057
Mr. Bongo Afro Cuban Band, Palladium PLP 126

JACK COSTANZO LIVE - LATIN COMBUSTION

Año: 1998

Duración: 100 minutos

Dirección: Sergio Castilla

Producción: Abdullah Ommidvar

Guión: J.B Miller

Fotografía: Chuy Chávez

Montaje: Danielle Fillios

Sonido: Mauricio Molina

Música: Jaime Lawrence

Interpretes: Mateo Iribarren, Sebastián Pérez, Alejandro Goic, Catalina Guerra, Tamara Acosta, Liliana Ross, José Manuel Salcedo

Sinopsis

Un niño se ve obligado a cambiar su hogar de New York a Santiago de Chile, debido al retorno del clan familiar a su país natal. Su descontento ante esta situación lo llevará a fugarse de su nuevo hogar, iniciando un recorrido por una ciudad que le es totalmente extraña.

Reseña

Sergio Castilla estudia dirección y producción de cine en el Institut des Hautes Etudes Cinematographiques de París. Su estreno en el cine chileno se producirá en 1970 con el cortometraje documental “Mijita”, producción realizada bajo el alero de Chile Films. El Golpe Militar lo encuentra en Suecia, país en donde realizará tres documentales de marcados tintes políticos. El cine del exilio se caracterizará por ser una denuncia explícita al régimen de Pinochet, y el cine de Castilla no será la excepción. Se traslada a Cuba, en donde realizará su primer largometraje de ficción: “Prisioneros Desaparecidos” (1979). En Francia realizará “Gentille Alouette” (1985) y en Estados Unidos “La Niña de la Sandía”(1994), película nominada al Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Sundance. Retorna a Chile en 1996, donde estrenará en 1998 “Gringuito”. El filme trata sobre el desarraigo y las heridas individuales y familiares que produjo el Golpe Militar. Pero por sobre todas las cosas la película nos habla sobre la posibilidad de reconciliación y reencuentro de un país con su propia historia y su propia gente.

Año: 1993

Duración: 90 minutos

Dirección: Gustavo Graef-Marino

Producción: Abdullah Ommidvar, Fernando Bandera, Peter Bandera

Guión: Gerardo Cáceres, Gustavo Graef-Marino

Fotografía: José Luís Arredondo

Montaje: Danielle Fillios

Sonido: Ernesto Trujillo

Música: Andrés Pollak

Interpretes: Armando Araiza, Patricia Rivera, Luis Gnecco, Willy Semler, Paulina Urrutia, Sergio Hernández Boris Quercia, Aldo Parodi, Rodolfo Bravo, Luís Alarcón, Cristián Campos

Sinopsis

Basada en un hecho real, la película narra el intento de robo por parte de una banda de ladrones de poca monta a un video-club que actúa como casa de cambios clandestina. Al ser descubiertos toman como rehenes a quienes se encontraban en dicho video-club, tornándose la situación un problema de estado debido al reciente cambio desde un gobierno militar a uno democrático.

Reseña

Primer largometraje chileno de Gustavo Graef Marino, quien antes había incursionado en 1989 con “La Voz”, en la República Federal Alemana. Graef Marino estudió cine en la desaparecida Escuela de Artes de la Comunicación de la Universidad Católica, y completó sus estudios fuera del país enrolándose en la prestigiosa Escuela de Cine de Munich, Alemania. En dicho país realizará su carrera como guionista y director de cine y televisión. Con la vuelta de la democracia vivirá el reencuentro con el cine chileno al momento de realizarse en 1990 el Tercer Festival Internacional de Cine de Viña del Mar, el cual nace en los 60`como cuna del cine amateur y se desarrolla hasta convertirse en el lugar de encuentro del cine latinoamericano, realizándose dos versiones internacionales los años 1967 y 1969, para luego ser suspendido. Así su tercera versión, conocida como “la del reencuentro”, exhibió el trabajo de una serie de realizadores chilenos en el exilio. Graef Marino decidirá retornar a vivir a su país para ser parte de este proceso de reconstrucción del cine chileno. A ese deseo de reconexión responde Johnny Cien Pesos, la cual retrata vivamente el período de la transición chilena, en donde la nueva institucionalidad democrática debía convivir con los viejos modos de la dictadura.

Celle qu’on appela aussi le rossignol des Andes ou la Castafiore péruvienne est morte le samedi 1er novembre à Los Angeles. Elle était née le 13 septembre 1922 au Pérou.
Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo, plus connue sous le pseudonyme de Yma Sumac (traduction du Quechua signifiant ”quelle beauté”), était une soprano péruvienne ayant un régistre exceptionnel de 5 octaves alors que la moyenne d’une chanteuse d’opéra est de deux octaves et demi.

Yma Sumac sera la première à réaliser la fusion entre le Folklore et le Jazz, le Mambo, le Rock et la musique dite New Age.  Elle sera considérée comme une icône de par le monde entier.

Star, Yma Sumac était une vraie star, caprices inclus. Selon la légende, encore enfant, Yma Sumac essayait d’imiter le chant de oiseaux, commençant ainsi sa carrière de cantatrice.  Sa carrière est étonnante à plus d’un titre et elle chantera dans le monde entier: comédie musicale à Broadway, cinéma à Hollywood (”Le secret des Incas” avec Charlton Heston en 1954) et à Moscou. Elle avait compris très vite les ficelles du business et entretenait le mystère de ses origines incas (elle serait une descendante de l’empereur Atahualpa, mort au XVIe siècle).

Excentrique, elle dessinait ses tenues de scène avec sa sœur. Des disques aux accents indiens et mambos durant les années 1940 et 50. Un album avec Les Baxter aux sons psychédéliques en 1972. Et puis la gloire s’estompa. Sans regret. « J’ai chanté toute ma vie, j’ai voyagé toute ma vie, signé des millions d’autographes et posé pour un million de photos ».

Yma Sumac - Mambo! (1996)
Première Sortie Officielle: 1954 - Remasteristation Digitale: 1996
TRACKS:
01. Bo Mambo
02. Taki Rari
03. Gopher
04. Chicken Talk
05. Goomba Boomba
06. Malambo No.
07. Five Bottles Mambo
08. Indian Carnival
09. Cha Cha Gitano
10. Jungla
11. Carnavalito Boliviano

YMA SUMAC AUX ETATS-UNIS

Año: 1991

Duración: 120 minutos

Dirección: Ricardo Larraín

Producción: Eduardo Larraín, Ricardo Larraín

Guión: Jorge Goldenberg, Ricardo Larraín

Fotografía: Héctor Ríos

Montaje: Claudio Martínez

Sonido: Miguel Hormazábal

Música: Jaime de Aguirre

Interpretes: Patricio Contreras, Gloria Laso, Patricio Bunster, Aldo Bernales, Héctor Noguera, Alonso Venegas, Elsa Poblete

Sinopsis

En pleno gobierno militar el profesor de matemáticas Ramiro Orellana es relegado al sur de Chile debido al apoyo público que brindo a un colega exonerado. Así, lejos de sus pares y sus seres queridos tendrá que acostumbrarse a una nueva vida, en donde al recelo inicial de un pueblo que lo ve como un extraño se sumará el encuentro de un nuevo amor.

Reseña

Película clave dentro del cine chileno de la transición, La Frontera marca el inicio en la dirección de largometrajes del destacado director de cine publicitario Ricardo Larraín.

Larraín estudia cine en la Escuela de Artes de la Comunicación de la Universidad Católica, alcanzando a egresar de ésta antes de su cierre definitivo en 1978.

El rodaje de la película fue posible gracias al Primer Premio obtenido en el concurso de guiones en el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana de 1989. La relación entre naturaleza y personajes es clave dentro del filme. La fotografía de Héctor Ríos enmarca un paisaje de eminente belleza, pero cuyas fuerzas naturales pueden terminar por volverse en contra de aquellos seres que no conocen sus secretos. Así los personajes parecen vivir condenados a un aislamiento y soledad abismantes, tanto que dicho territorio es justamente elegido para cambiar la pena de cárcel por la relegación, especie de exilio interno que parecen también vivir todos aquellos que habitan dichos parajes. Con una soberbia actuación de Patricio Contreras como el profesor relegado, la película resultó ganadora del Oso de Plata del Festival de Cine de Berlín, además de los festivales de Gramado, La Habana, Friburgo y del Goya a la mejor película extranjera.

Año: 1990

Dirección: Silvio Caiozzi

Producción: Andrea Films

Guión: Silvio Caiozzi y José Donoso

Fotografía: Nelson Fuentes

Montaje: Álvaro Ramírez, Silvio Caiozzi

Música: Temas populares

Duración: 71 minutos

Interpretes: Gloria Munchmayer, Ernesto Beadle, Rafael Benavente, María Castiglione, Monica Echeverría.

Sinopsis

Narra la historia de un ex marino que vive postrado en su casa del puerto de Valparaíso al cuidado de su único y solterón hijo, quien vive un amor clandestino con su vecina a riesgo de ser descubierto por su anciano padre.

Reseña

Silvio Caiozzi se inicia en el cine publicitario en los años setenta, gestando esta película por largos años a raíz de una idea del escritor José Donoso, con quien iniciarían una extensa colaboración. El proyecto comienza a filmarse en 1984 en los cerros de Valparaíso y en medio de la dictadura, en un film muy poco convencional para aquellos años: un fino trabajo de cámara y fotografía, sólo tres personajes en una amplia y vieja casona porteña y un relato metafórico sobre una figura autoritaria que controla los movimientos de su hijo por medio de espejos que coloca estratégicamente en su habitación, otorga al film lecturas y significados muy poco tratados en el cine local.

La película se filma en tiempo récord: solo seis semanas entre enero y febrero de 1984, llevando años en su montaje, el que realizaría el documentalista Álvaro Ramírez, que retornaría al país desde su exilio en Alemania. Finalmente se exhibe en 1990, ya en democracia, y es tal el impacto que la lleva a ser galardonada en festivales de todo el mundo, ovacionando la actuación de Gloria Munchmayer que obtiene incluso premios a su labor en el Festival de Venecia, y llegando a ser candidata chilena al Oscar en 1991 como mejor película extranjera.

The trees of Bavaria were denser in the alps than any forest I’d ever seen. Carolyn and I had been hiking for hours, but the crispness of the air seemed to pulse outward from our lungs, providing every burst of energy we needed. We were still at the base of the mountains, a range just like the Rockies I had once lived below, and yet somehow inherently different. The grass knelt only for the underside of our boots, and even then it didn’t bend for long. We’d traveled the major cities of Germany, visited lakes and towns on the islands within them, but the Alps quickly became my favourite area of them all.

Carolyn walked mostly at the same pace I did, sometimes faster, sometimes not. We spoke intermittently, really only to convey how much we were enjoying the hike. Billows of white cloud stroked with dark grey underbellies burst over the peaks of the range, the sun’s brightness contained within their bloom.

(more text to come here)

I looked down at the circle of rich soil surrounded by a perimeter of rich blades and thought of a day.

Año: 1998

Duración: 97 minutos

Dirección: Claudio Sapiaín

Producción: Roberto Baeza

Guión: Gregory Cohen, Claudio Sapiaín

Fotografía: Héctor Ríos

Montaje: Rodolfo Wedeles

Sonido: Miguel Hormazábal

Música: Paulo Sapiaín

Interpretes: Gregory Cohen, Aline Kuppenheim, Bélgica Castro, Boris Quercia, Alex Zisis, Tichi Lobos, Pedro Vicuña, José Soza

Sinopsis

Un conductor de reality shows sueña con poder escribir la historia más original del mundo. Su búsqueda lo llevará a conocer a distintas personas que lo harán vivir extrañas situaciones.

Reseña

Claudio Sapiaín se inicia en el Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile, en donde realiza labores de montaje, cámara y dirección, incluyendo su laureado documental Escuela Santa María de Iquique (1970). Luego del Golpe Militar se exilia en Suecia, en donde realiza una serie de producciones para la televisión de aquel país. De vuelta en Chile en 1985 se dedica a labores de docencia universitaria, a la vez sigue filmando trabajos para la televisión sueca y realiza para a televisión chilena la serie “Matías El Cuentacuentos” (1995). “El Hombre que Imaginaba” es su primer largometraje chileno, en donde, adelantándose a la moda de los reality shows, instala la figura de Jota, interpretado por su compañero creativo Gregory Cohen.

Año: 1998

Duración: 120 minutos

Dirección: Ricardo Larraín

Producción: Alberto Kitzler, Christian Lajourmad, Claire Lajourmad

Guión: Jorge Goldenberg, Ricardo Larraín

Fotografía: Esteban Courtalon

Montaje: Danielle Fillios

Sonido: Ernesto Trujillo, Pablo Vargas, Claudio Hijerra

Música: Jorge Arriagada

Interpretes: Álvaro Escobar, Álvaro Rudolphy, Maribel Verdú, Carmen Maura,

Sinopsis:

Fernando e Isabel se trasladan junto a su pequeño hijo a vivir al norte de Chile, para crear allí una empresa de turismo aventura. Allá se les unirá Guillermo, amigo de infancia de Fernando. Los tres lograrán prontamente el éxito, lo que los llevará a iniciar proyectos más ambiciosos que pondrán en peligro sus relaciones.

Reseña

Segundo largometraje ficción de Ricardo Larraín, quién estudia cine en la Escuela de Artes de la Comunicación de la Universidad Católica, alcanzando a egresar de ésta antes de su cierre definitivo en 1978. En 1991 debuta en la dirección con “La Frontera”, película con la que obtiene el reconocimiento internacional, ganando el Oso de Plata del Festival de Cine de Berlín, además de los festivales de Gramado, La Habana, Friburgo y del Goya a la mejor película extranjera. De 1997 es “Pasos de Baile”, documental que sigue la pista de los participantes del mítico programa televisivo “Baila Domingo”. En 1998 estrena “El Entusiasmo”. Si “La Frontera” ocurre en el sur del país, “El Entusiasmo” tendrá como telón de fondo el norte grande, en la frontera entre Chile y Perú. Larraín utiliza la vastedad del desierto para instalarse en los campos de la utopía, donde la búsqueda de cumplir los sueños por parte de los personajes finalizará corrompiéndolos debido a la ambición que llega al momento de alcanzarlos y querer ir por más. Con un reparto internacional que incluyó a Maribel Verdú y Carmen Maura, “El Entusiasmo” obtuvo el Premio del Jurado al Mejor largometraje de la Muestra Cinematográfica del Atlántico, Cádiz, España, y fue seleccionada por la Quincena de Realizadores del Festival Cannes.

Año: 1999

Dirección: Andrés Wood

Producción: Wood Producciones, Arauco Films y Teatro sombrero verde

Guión: Andrés Wood y Boris Quercia

Fotografía: Miguel Joan Littín

Montaje: Guillermo Cifuentes

Música: Álvaro Henríquez

Duración: 120 minutos

Interpretes: Tamara Acosta, Willy Semler, Aldo Parodi, Daniel Muñoz, Patricia López, Boris Quercia, Bélgica Castro.

Sinopsis

Una historia de engaños situada en pleno campo chileno, donde una modesta muchacha se venga de su violento patrón.

Reseña

Por vez primera se llevan a la pantalla grande los relatos del folcklorista Roberto Parra, hermano de Violeta y Nicanor, cantor popular cuya imagen y voz permanecieron ocultos por muchas generaciones. Cultor de la “cueca chora” y el “Jazz Guachaca”, Roberto Parra rescata el submundo de los barrios bajos y de un campesinado que solía no ser exhibido en la oficialidad. A mediados de los noventa el grupo musical “Los tres” reflota su música al re grabar antiguas composiciones que hablaban de indigentes que viven bajo un puente, asesinatos sin culpables, injusticias sociales o declaraciones de amores prohibidos.

Andrés Wood retoma este imaginario en su segunda película, profundizando en un tema que desde los años sesenta que no se recreaba en la gran pantalla, las relaciones humanas en el campo chileno. La recomendación venía cercana: Boris Quercia, coguionista y actor del film, interpretaba al mismísimo Roberto Parra en la clásica obra de teatro “La Negra Ester”, la cual fue dirigida Andrés Pérez en la década de los noventa y que quedó grabada en la memoria colectiva.

“El Desquite” sería originalmente un telefilme en tres capítulos preparado para la Televisión Nacional de Chile, pero ante la envergadura del proyecto se realizó una versión para el cine, de gran éxito en aquellos años.

Año: 1999

Duración: 87 minutos

Dirección: Cristian Galaz

Producción: Roberto Artiagoitía

Guión: Mateo Iribarren

Fotografía: Antonio Farías

Montaje: Soledad Salfate

Sonido: David Cuerpo

Música: Carlos Cabezas

Interpretes: Roberto Artiagoitía, Daniel Muñoz, Lorene Prieto, Fernando Gallardo, Patricia Rivadeneira, Ximena Rivas, Mateo Iribarren, Claudia Celedón, Pablo Macaya, Tamara Acosta, Patricio Bunster

Sinopsis

Tres historias verídicas seleccionadas del popular programa radial El Chacotero Sentimental, el cual a través de su conductor, conocido como El Rumpy, actúa como hilo conductor entre las mismas.

Reseña

Debut en la dirección del reconocido director de videoclips Cristián Galaz, “El Chacotero Sentimental” nace de la alianza entre él y Roberto Artiagoitía, el popular conductor del programa de radio Rock & Pop que da origen al filme. Artiagoitía, cuyo personaje radial es conocido como “El Rumpy”, escucha las distintas historias que sus auditores le cuentan vía contacto telefónico para pedirles su consejo. De la infinidad de relatos el equipo realizador junto al guionista Mateo Iribarren seleccionaron tres. El resultado es una película que visita distintos géneros y situaciones, haciéndose merecedora del éxito de la crítica y el público, como lo refrendan sus cinco galardones internacionales y el convertirse en la película chilena más vista de la historia, honor que le arrebatará posteriormente “Sexo con Amor”.

Le bassiste cubain, compositeur et directeur d’orchestre Israel “Cachao” Lopez personifie l’histoire de la musique cubaine moderne.

Vers la fin des années 30, avec son frère Orestes, pianiste et compositeur, ils adapteront le Danzon et créeront le Mambo (la création du Mambo est cependant sujet à discussion: d’autres confèrent la paternité du Mambo à Arsenio Rodriguez).

Alors que le monde découvre le Mambo, Cachao était déjà passé à autre chose, il innovait en inventant les Descargas, des Jam de Latin Jazz.  Il était alors bien présent dans tous les groupes latins importants des Etats-Unis depuis plus de 35 ans, de Machito à Gloria Estefan. “Master Sessions”, publié en 1994 et composé de musiciens de rêve: Paquito D’Rivera, le percussioniste Francisco Aguabella, le flûtiste Nestor Torres et le timbalero Orestes Vilato.  Le disque nous permet à tous de redécouvrir ce monstre de la musique Latine.

Les titres sont composés de Danzones, Descargas, de Rumbas et même un titre de Ernesto Lecuona. La musique est dans ce disque simple, efficace et sans fioriture.  Elle va droit au but.  Cachao a été redécouvert ces dernières années.  Et il n’est pas rare d’entendre sa musique qui déjà donnait un vrai aperçu de la modernité de celle-ci.  Israel Cachao est décédé à l’âge de 89 ans.

TRACKS:
01 - Al fin te vi (Finally I saw you)
02 - Isora Club
03 - Mambo
04 - El son no ha muerto (The son has not died)
05 - Lindo yambú (Beautiful yambu)
06 - Mi guajira (My country girl)
07 - Lluvia, viento y caña (Rain, wind and reeds)
08 - Club Social de Marianao (Marianao Social Club)
09 - A gozar con mi combo (To rejoice with my combo)
10 - Cachao’s güiro
11 - El alcaide (The Mayor)
12 - Descarga Cachao

CACHAO - LAGRIMAS NEGRAS

Año: 1990

Dirección: Gonzalo Justiniano

Producción: Arca Ltda., TVE, Filmocentro

Guión: Gonzalo Justiniano, Gustavo Frías, José Andrés Peña

Fotografía: Gastón Roca

Montaje: Claudio Martínez

Música: Jaime de Aguirre

Duración: 103 minutos

Interpretes: Mauricio Vega, Aldo Parodi, Patricia Rivadeneira, Luis Alarcón, Mauricio Pesutic, Luis Cornejo, Remigio Remedy.

Sinopsis

Un grupo de jóvenes pasan los días en los barrios marginales de Santiago consumiendo drogas, robando o prostituyéndose para conseguir dinero.

Reseña

Gonzalo Justiniano realiza en 1990 la que sería su película mas recordada, “Caluga o menta”, donde refleja el hastío de la juventud de fines de los ochenta.

El film es un fresco del cotidiano de los barrios populares de un Chile en democracia pero absolutamente herido tras la dictadura: jóvenes cesantes, adictos a la droga para pasar el rato, que no tienen cabida en una sociedad de consumo y que no tienen tampoco oportunidades reales para insertarse en esta nueva sociedad democrática.

La película representa un cambio en la narrativa de época, donde las historias “amenas” dan paso a seres amargos, oscuros y que permanecen estigmatizados por los medios de comunicación. En esta línea se filma también “Johnny 100 pesos” de Gustavo Graef Merino, “Hay algo allá afuera” de Pepe Maldonado o “País de octubre” de Daniel de la Vega, todas unidas por un manto de desesperanza muy opuesto a los aires coloridos de la nueva democracia.

La película es ampliamente elogiada en el extranjero, obteniendo premios en New York y España.

Año: 1992

Dirección: Pablo Perelman

Producción: TVE, Channel 4, Imma Films

Guión: Pablo Perelman

Fotografía: Gastón Roca

Montaje: Fernando Valenzuela

Música: Jaime de Aguirre

Duración: 77 minutos

Interpretes: Héctor Noguera, Ximena Rodríguez, Tito Bustamante, Mauricio Vega, Alicia Fuentes.

Sinopsis

Narra la historia de un arquitecto que, días después del Golpe de Estado de 1973, debe organizar labores clandestinas de organización política.

Reseña

Pablo Perelman, cineasta que se inicia en 1974 con “A la Sombra del Sol”, y tras realizar la censurada “Imagen latente”, filma su primera película en democracia, un ejercicio narrativo que se conecta con otros films del periodo que retoman el tema de la memoria tras años de Dictadura y que profundizan en los quiebres sociales como son “La Frontera” de Ricardo Larraín, “Amnesia” de Gonzalo Justiniano o “Los Náufragos” de Miguel Littín. En todas ellas se ve una mirada nostálgica de la pérdida de los ideales, de un pasado fracturado, donde aflora el miedo, la persecución, los horrores del despojo de los seres queridos y del distanciamiento. Perelman desarrolla este proyecto desde 1988, año en que su película “Imagen latente” es rechazada por el Consejo de Calificación Cinematográfica bajo argumento de promover “la vigencia de la teoría de clases”, al tratarse de un film que recrea la búsqueda de un detenido desaparecido a manos de los militares, basado en el caso verídico del propio director. En 1990 inicia la filmación de esta película, con el apoyo de fuentes de financiamiento españolas, filmándose en Chiloé y Santiago. Posteriormente la película se exhibiría en Cannes.

]]> http://cinechileno.wordpress.com/2008/10/21/amnesia/ Tue, 21 Oct 2008 19:46:00 +0000 cinechileno http://cinechileno.wordpress.com/2008/10/21/amnesia/

Año: 1994

Dirección: Gonzalo Justiniano

Producción: Arca Ltda.

Guión: Gonzalo Justiniano y Gustavo Frías

Fotografía: Hans Burmann

Montaje: Danielle Fillios

Música: José Miguel tobar y Miguel Miranda

Duración: 90 minutos

Interpretes: Julio Jung, Pedro Vicuña, Nelson Villagra, Marcela Osorio, Myriam Palacios, José Secall, François Soto, Mateo Iribarren.

Sinopsis

La película narra el reencuentro de dos militares que convivieron en un campo de concentración en el norte de Chile en época de Dictadura. Los recuerdos comienzan a aflorar, en donde uno ha quedado marcado por los hechos y otro trata de negar el pasado.

Reseña

En medio de la proliferación de films que relata el pasado cercano de la Dictadura surge “Amnesia”, un valioso relato de aquel periodo y que profundiza en la mirada del mundo militar en años en que varios temas aún eran escuetamente abordados.

Ambientada en el norte de Chile y en Valparaíso, se introduce en la mirada de los militares, muy poco abordada en el cine nacional, contraponiendo dos posturas: la del olvido y la autocrítica.

La película, que originalmente se llamaría “Cabezas de pescado”, se filmó en 1993 y contó con auspicios del exterior, lo que significó que contara con la fotografía de Hans Burmann, a cargo de importantes films hispanos como “La colmena” y “El rey pasmado”. Tras su estreno se sucedieron de manera inmediata numerosos premios en Venecia, Montreal, Cannes y San Sebastián, siendo uno de los films nacionales más premiados de la historia.

]]> http://musicadelbarrio.wordpress.com/2008/10/19/hilton-ruiz-heroes-1994/ Sun, 19 Oct 2008 08:00:55 +0000 musicadelbarrio http://musicadelbarrio.wordpress.com/2008/10/19/hilton-ruiz-heroes-1994/

Avec le temps qui passe, on commence à réaliser que le pianiste Hilton Ruiz a peut-être été le plus important des bandleaders Latin Jazz entre les années 1980 et 90.

Il fut un enfant prodige jouant du piano classique pour ensuite se tourner vers le Jazz et, finalement, vers le Latin Jazz. Il décédera accidentellement à la Nouvelle-Orléans, après avoir donné des concerts au profit des victimes de l’ouragan Katrina.

Dans le cas bien précis de Heroes, Ruiz est à la tête d’un superbe nonet composé notamment par le saxophoniste ténor David Sánchez, le trompetiste Charlie Sepúlveda, le tromboniste Steve Turre, le bassiste Andy Gonzalez et, excusez du peu, de Tito Puente présent sur trois des titres de ce superbe album.

La musique n’est cependant rien de nouveau, mais plutôt un Latin Jazz de qualité.  A noter un titre déjà interprété par Herbie Hancock (”Maiden Voyage“) et un le titre ”Con Alma“, sous forme de duo avec Sepúlveda.

Hilton Ruiz - Heroes - TELARC (1994)

TRACKS:
01-Sonny’s Mood
02-Guataca
03-Little Suede Shoes
04-Lover Man
05-For Max
06-Maiden Voyage
07-Con Alma
08-Tune Up
09-Praise

MUSICIENS:
Hilton Ruiz - piano
David Sanchez - sax ténor
Charlie Sepulveda - trompette
Steve Turre - trombone
Andy Gonzalez - basse
Ignacio Berroa - batterie
Tito Puente - vibraphone ( 2,4 ) et timbalas ( 8 )
Carlos “Patato” Vales - congas ( 2,3,4,8 )
Giovanni Hidalgo - congas ( 1,5,6 )
Joseph Gonzalez - bongos
Steve Berrios - timbales

HILTON RUIZ LIVE - TUNES PARA COY- Chucho Valdez-Nicky Marrero

Héritier direct de Chano Pozo et surnommé “Tata” dès son plus jeune âge, TATA GÜINES né en 1930 et décédé en 2008.

Sa carrière musicale prendra racine entre les Etats-Unis et l’Europe.  “Aniversario” voit le jour en 1996, avec des musiciens tels que Orlando “Maraca” Valle, Jane Bunnet et José María Vitier. Un disque unique, une expérience musicale unique et des percussions toujours présentes!

Tata Guines développera une technique personnelle, utilisant ses ongles.

Un congero très mélodique à découvrir sans tarder!

Tata Guines - Aniversario (1996)
Release Date: 1996 - Egrem

01 - Con Tres Tambores Bata - Bata Rumba
02 - Homenaje A Chano Pozo - Guaguancó
03 - Blem, Blem, Blem - Guaguancó
04 - Donde Va Mulata - Guaguancó
05 - Yambu - Yambú
06 - La Jerigonza - Guaguancó
07 - Dale Tres Golpes A La Tumba - Guaguancó
08 - Homenaje A Calixto Callava - Guaguancó
09 - Columbia - Columbia
10 - Tata Se Ha Vuelto Loco - Guaguancó

The Crying Game és una película del 1.992 dirigida per Neil Jordan, que va gaudir d’un cert éxit als cinemes, amb una barreja de trhiller i història d’amor, que explora les complexes relacions dels tres personatges principals, amb el teló de fons dels problemes polítics a Irlanda del Nord.

S’ha convertit en un film de culte, que us recomano que cerqueu si no l’heu vist ja, i en el seu moment em va agradar especialment la banda sonora, totalment inèdita, i que barreja alguns temes tecno interpretats per grups com Pet Shop Boys, amb balades sublims, com la que dona nom al film i que intrepreta un Boy George més serè i adult que mai, en la que, en la meva opinió, és la seva millor cançó.

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The Crying Game es una película del 1.992 dirigida por Neil Jordan, que gozó de cierto éxito en los cines, gracias a su particular mezcla de thriller con historia de amor, que explora las complejas relaciones de los tres personajes principales, con el telón de fondo de los problemas políticos en Irlanda del Norte.

Se ha convertido en un film de culto, que os recomiendo que busquéis, si no lo habéis visto ya, y en su momento me gustó especialmente la banda sonora, totalmente inédita, que mezcla algunos temas tecno interpretados por grupos como Pet Shop Boys, con baladas sublimes, como la que da nombre al film y que interpreta un Boy George más sereno y adulto que nunca, en la que, en mi opinión, borda su mejor interpretación.

I know all there is to know - about the crying game
I´ve had my share of the crying game

First there are kisses - than there are signs
and than before you know where you are - you´re saying goodby

One day soon I´m gonna tell the moon about the crying game
and if he knows maybe he´ll explain -why there are heartaches - why there are tears
Say what to do - to stop feeling blue - when love dissapear

First there are kisses - than there are signs
and than before you know where you are - you´re saying goodby

Don´t want no more - of this crying game
Don´t want no more - of this crying game
Don´t want no more - of this crying game
Don´t want no more - of this crying game

Il est de retour le “Gato” et cette fois-ci chez Columbia Jazz.  Il se faisait attendre depuis maintenant 10 ans.  Et on n’est pas déçu, son retour est triomphal.  L’album est une superbe combination de romantisme et d’acrobatie musicale.  Barbieri n’a rien perdu de ses qualités et montre aux plus jeunes qu’il faudra encore compter avec lui pendant longtemps.

TRACKS:
01. Straight Into The Sunrise
02. Blue Gala
03. Mystica
04. Dancing With Dolphins
05. Circulos
06. Guadeloupe
07. Cause We’ve Ended As Lovers
08. Indonesia
09. The Woman I Remember
10. Granada
11. Adentro

MUSICIENS:
Gato Barbieri (saxophone); Andy Snitzer (sax alto); Jim Hynes (trompette); Michael Davis (trombone);Philippe Saisse (claviers, programmation batterie); Jeff Golub, Romero Lubambo (guitarre); Ron Jenkins, Anthony Jackson (basse); Mario Rodriguez (basse éléctrique); Dennis Chambers (batterie); Robbie Gonzalez (batterie); Poogie Bell (batterie et programmation batterie); Cyro Baptista (percussions); Vanessa Falabella (choeurs)

Un dels temes de Pearl Jam que més m’agraden en directe és aquest “retrovisor”, del seu segón disc Vs., especialment el minut final del tema, va “in crescendo” i és realment sublim.

Es un dels primers temes en els quals el cantant Eddie Vedder toca també la guitarra, i una curiositat del disc en estudi és que just en acabar el tema, podeu escoltar dos cops secs, que corresponen a les baquetes que el batería Dave Abbruzzese va llençar contra la pared, en resposta a la presió que el productor Brendan O’Brien havia posat sobre el grup durant la gravació del disc.

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Uno de los temas de Pearl Jam que más me gustan en directo es este “retrovisor” de su segundo disco Vs., especialmente el minuto final del tema, que va “in crescendo” y es realmente sublime.

Es uno de los primeros temas en los que el cantante Eddie Vedder toca también la guitarra, y una curiosidad del disco en estudio es que justo al terminar el tema, podéis oir dos golpes secos, que corresponden a las baquetas que el batería Dave Abbruzzese lanzó contra la pared, en respuesta a la presión que el productor Brendan O’Brian imponía sobre el grupo durante la grabación del disco.

I took a drive today
Time to emancipate
I guess it was the beatings made me wise
But I’m not about to give thanks, or apologize
I couldn’t breathe, holdin’ me down
Hand on my face, pushed to the ground
Enmity gaged, united by fear

Forced to endure what I could not forgive…

I seem to look away
Wounds in the mirror waved
It wasn’t my surface most defiled
Head at your feet, fool to your crown
Fist on my plate, swallowed it down
Enmity gaged, united by fear
Tried to endure what I could not forgive

Saw things (4x)
Clearer (2x)
Once you, were in my…Rearview mirror…

I gather speed from you fucking with me
Once and for all I’m far away
I hardly believe, finally the shades…are raised…hey…

Saw things so much clearer }
Once you, once you… } (3x)
Rearview mirror }

Saw things so much clearer
Once you…oh yeah…

Letras extraidas de la magnífica página www.songlyrics.com

El passat 15 de setembre ens va deixar Richard Wright, a l’edat de 65 anys, i víctima d’un cáncer.

Wright va ser membre fundador i teclista de Pink Floyd, i autor d’alguns dels seus temes mítics dels disc Wish You Where Here o The Dark Side of The Moon.

Recordem en el seu honor el començament d’un d’aquells increibles concerts de la gira Pulse, editat el 1.995, que obrien amb el tema Shine On You Crazy Diamond, del disc Wish You Where Here, del 1.975.

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El pasado 15 de septiembre nos dejó Richard Wright, a la edad de 65 años, víctima de un cáncer.

Wright fué miembro fundador y teclista de Pink Floyd, y autor de algunos de sus temas míticos de los álbumes Wish You Where Here o The Dark Side of The Moon.

Recordamos en su honor el comienzo de uno de esos increibles conciertos de la gira Pulse, editado en 1.995, que abrían con el tema Shine On You Crazy Diamond, del disco Wish You Where Here, de 1.975.

Remember when you were young, you shone like the sun.
Shine on you crazy diamond.

Now there’s a look in your eyes, like black holes in the sky.
Shine on you crazy diamond.
You were caught on the crossfire of childhood and stardom, blown on the
steel breeze.
Come on you target for faraway laughter, come on you stranger, you legend,
you martyr, and shine!

You reached for the secret too soon, you cried for the moon.
Shine on you crazy diamond.
Threatened by shadows at night, and exposed in the light.
Shine on you crazy diamond.
Well you wore out your welcome with random precision, rode on the
steel breeze.
Come on you raver, you seer of visions, come on you painter, you piper,
you prisoner, and shine!

lletra extreta de la magnífica plana www.songlyrics.com

En jetant un rapide coup d’oeil sur la carrière de McKibbon qui s’étale sur plus de 50 ans, il apparaît clairement qu’il n’est pas arrivé par hasard au sommet de son art.

Il a participé à l’enregistrement du standard de  Dizzy Gillespie, Manteca; il a joué au sein des groupes de Mongo Santamaria, Chano Pozo, Armando Peraza, Patato Valdez et Francisco Aguabella (sans mentionner les titres pop et jazz enregistrés tout au long de ces années).  La vie et la carrière musicale de McKibbon - qui est littéralement enregistrée au Smithsonian Institute - peut être considérée comme l’histoire musicale de la seconde moitié de ce siècle.
Il manquait juste une pièce pour complèter le puzzle: un album en tant que leader. Tumbao Para Los Congueros de Mi Vida (Tumbao pour les Percussionistes de ma Vie) sera tout simplement considéré comme le point d’orgue d’une vie totalement consacrée au genre musical tel que le Jazz et la Musique Latine.  Mais ce disque représente bien plus.  Accompagné des musiciens les plus inspirés de Los Angeles et deux des percussionistes de Poncho Sanchez (Jose Papo Rodriguez and Ramon Banda), l’album est un ensemble capturant l’esprit mélodique et rythmiaque tellement caractéristique des vedettes ayant collaboré avec McKibbon.
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L’enregistrement de “Manteca” par Dizzy Gillespie sera considéré à l’époque comme une trahison par les puristes du Jazz .  McKibbon,lui, considère pourtant ce titre comme un nouveau point de départ.  En effet, il prendra conscience des Musiques Latines à partir de ce moment précis. “Je voulais seulement rendre hommage à ce genre musical, jouer de la musique latine aux arrangements modernes afin de créer quelque chose d’un peu différent des milliers d’enregistrements auxquels j’avais jusqu’alors participé.  Même s’il était important d’expérimenter des arrangements inédits de standards que j’avais choisi, j’ai alors dit aux autres musiciens de simplement jouer et de laisser venir les choses comme elles allaient se présenter.  La plupart des gens que je connais dans le monde du Jazz me connaissent à cause de ma période dite latine, et il me semble important d’y retourner“.

Les cubains, ayant le Jazz dans nos veines, se doivent de rendre hommage à McKibbon.  Bien que décédé, il ne sera jamais trop tard pour rendre hommage à cet immense bassiste.  Il sera toujours présent dans le Latin Jazz.  Et c’est ce justement ce Jazz qui sera, à notre grand bonheur, contaminé par les Musiques Latines et les musiciens latins. McKibbon apprendra à jouer ces notes latines comme s’il était lui aussi né à La Havanne et non à Chicago en 1919.  Ce qui nous étonne chez McKibbon, c’est qu’il est arrivé au Latin Jazz bien après être devenu un musicien renommé dans le circuit américain.  Lorsque sa famille déménage vers Detroit, il n’est alors encore qu’un enfant, largement influencé par ses parents et ses frères, tous musiciens.  McKibbon étudiera à Cass Tech School, où les étudiants s’immergent dans la musique à l’issue des cours.
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Il fera ses débuts professionnels à la fin des années 30, dans la même ville, au Band C et au Congo Club.  McKibbon était capable de lire tous les types de partitions auquel il avait accès: ballades, musique de danses et d’atmosphère pour gala.  Cela contribuera grandement à obtenir un boulot stable et à développer un son qui lui sera bien particulier tant demandé dans les années 40.
Et c’est tout naturellement, quand il arrive à Detroit, que Lucky Millinders lui offre un contrat au sein de son groupe au Paradise Theater et l’emmène à Washington et New York.  Dans ces villes, où les choses bougent à une vitesse impressionnante, où le Swing commence à disparaître au profit du Bebop, McKibbon fut rapidement remarqué par Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Miles Davies et Gil Evans pour finalement jouer live et pour des sessions studio qui sont considérées encore aujourd’hui comme des classiques du genre.

Ses collaborations avec Gillespie sont une vraie chance d’approcher le Jazz Afro-Cubain.  McKibbon participe alors, en décembre 1947, à l’enregistrement initial du célèbre “Manteca”, composé par Chano Pozo.  Participent également à ce moment histrorique: Dizzy Gillespie, Dave Burns, Elmon Wright, Lamar Wright Jr, et Benny Bailey (trompettes); William Shepherd et Ted Kelly (trombones), John Brown, Howard Johnson, Joe Gayles, “Big Nick” Nicholas et Cecil Payne (sax); John Lewis (piano), Kenny Clarke (batterie), et, Chano Pozo, (percussions).
McKibbon partage sa chambre avec le légendaire Chano Pozo dans le bateau norvégien Drottningholm, à bord duquel le groupe de Dizzy Gillespie entame sa tournée européenne le 16 janvier 1948 et qui durera 7 semaines.  Durant cette période, McKibbon apprend petit à petit les secrets rythmiques de l’île de Cuba.  Suite à ces lessons bien particulières, George Shearing l’invitera à rejoindre son groupe en 1950.  Le pianiste anglais, qui était aveugle et avait vécu aux Etats-Unis, avait déjà discerné les nouvelles possibilités offertes par la Jazz et les musiques latines.  Il suivait simplement le chemin tracé par Mario Bauza, Machito, Chano Pozo, Arturo O’Farrill et les autres cubains qui amenaient un nouveau feeling, plus décidés à exploiter les variations et de la fusion des percussions cubaines, afin de rafraîchir le Jazz East Coast.  L’homme providentiel sera  Armando Peraza, un conguero cubain vivant à Los Angeles.  L’album ”Latin Escapade”, en 1957, nous apporte son lot de découvertes: des titres bien particuliers tels que ”Perfidia”, “Poodle Mambo” et “Cuban Love Song” sur lesquels on peut entendre le vibraphone de Emil Richard et Toots Thielemans, deviendront des références principalement à cause de la formidable entente entre McKibbon et Peraza.
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La qualité du jeu de basse attirèrent l’attention d’un autre grand amateur de Latin Jazz: le vibraphoniste Cal Tjader.  Un enregistrement de 1958, produit à San Francisco, est devenu un album de légende: “Cal Tjader’s Latin Concert” dans lequel, Cal Tjader et McKibbon, mais aussi Mongo Santamaria, immense percussioniste cubain et Willie Bobo, un des plus grands timbaleros, participèrent également.  Depuis lors, le Latin Jazz n’a jamais quitté le haut de la scène. McKibbon sera également présent en 1998, lors du deuxième Los Angeles Latin Jazz Festival, dédié à Israel Cachao Lopez, durant lequel il partagera la scène avec le bassiste Andy Gonzalez and le cubain Carlos del Puerto Jr. Sa participation à l’enregistrement de ”Late Night Sessions” en 1999, par le groupe éphémère Caravana Cubana, aux côtés de Jimmy Bosch, de Miguel Anga Diaz, de Lazaro Galarraga, de Pio Leiva, de Jesus Chucho Valdes, de Orlando Maraca Valle et de Johnny Polanco restera à jamais considéré comme un chef-d’oeuvre inoubliable.
Selon le conguero Francisco Aguabella, un autre conguero de renom, lorsque Jose Rizo l’appellera un an plus tard pour l’enregistrement d’un album double des Latin Side All Stars, il n’hésita pas un instant à rejoindre les membres du groupe de la plus jeune génération: le percussioniste péruvien Alex Acuña, le saxophoniste colombien Justo Almario et le pianiste panaméen Danilo Perez. Mais le moment le plus curieux de sa biographie artistique fut certainement en 1999, quand il décida, pour la première fois, de prendre lui-même la direction musicale de son propre groupe.  A l’écoute de son jeu de basse, il laisse entendre sa maîtrise parfaite de la fusion du Jazz et de la musique cubaine. L’album s’intitulera “Tumbao para los Congueros de mi Vida” avec la participation du pianiste Phil Wright, du timbalero Ramon Banda, du saxophoniste et flûtiste Charles Owens et le sax soprano de Justo Almario.  On y trouve également une interprétation inattendue de ”Tin tin Deo”, de son ami Chano Pozo, morceau qui résume toute son expérience.
McKibbon est considéré par la nouvelles génération de bassistes cubains comme indispensable. A l’annonce de son décès en 2005 à l’âge de 86 ans, personne ne pouvait y croire.  Son jeu et sa présence paraissaient intemporels.
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L’album est le premier album en tant que leader. Il est accompagné par les percussionistes du groupe de Poncho Sanchez, Ramon Banda aux timbales, Jose “Papo” Rodriguez aux congas et aux bongos.  Phil Wright est au piano, Justo Almerio aux sax alto sur deux titres et Charles Owens à la flûte.  Les huits titres apparaissant sur l’album sont dans le plus pure style Jazz Afro-Cubain. Il y a même une ballade intitulée “Everything Must Change”, dans laquelle on peut entendre la voix “soul” de McKibbon.  Trois morceaux font la part belle à la flûte de Owens (”Tin Tin Deo”, ”Estate” et “Cubano Chant”) en collabarotion parfaite avec le sax alto de Almario.  Le sax d’Almario est éblouissant dans “Seven Steps to Heaven”.  McKibbon fait alors patienter tout le groupe durant un assez long solo dans le “Off Minor” de Thelonious Monk, avant de lâcher tout pour une descarga d’enfer pendant laquelle les percussionistes s’en donneront à coeur joie.  Dans “I Mean You”, Owen nous démontre, pour ceux qui en douteraient encore, qu’il est un merveilleux joueur de sax.  Le disque est tout simplement superbe et devrait être en bonne place dans toute discothèque de Latin jazz digne de ce nom.
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AL MCKIBBON: TUMBAO PARA LOS CONGUEROS

MUSICIENS:
Al McKibbon - Basse, Direction Musicale, Arrangements
Ramon Banda - Timbales
Jose “Papo” Rodrigues - Congas, Bongos
Phil Wright - Piano
Justo Almario - Sax Soprano
Charles Owen - Saxophones, Flûte

TRACKS:
1. Off Minor
2. Tin Tin Deo
3. Estaté
4. Cubano Chant
5. Seven Steps to Heaven
6. Tumbao para Los Congueros de mi vida
7. I Mean You
8. Everything Must Change

El canadenc Neil Young és ja un mite del rock americà i ha influit en molts grans grups dels 80’s fins als nostres dies, un cas molt clar és el de Pearl Jam, ja que els de Seattle no es cansen de homenatjar-lo interpretant en els seus concerts alguns dels seus temes, o com The Mission, els quals van versionar al seu segón disc, Like a Hurricane.

Així mateix, al seu disc, Mirror Ball, publicat el 1.995, Pearl Jam actua com a grup d’acompanyament de Young, assolint un disc realment brillant.

La carrera de Young s’inicia el 1.967 com a membre de Buffalo Springfield, amb qui grava 3 discs, a continuació, amb un altre membre del grup, Stephen Stills, s’uneix a David Crosby i Graham Nash, formant Crosby, Stills, Nash & Young, gravant tres disc en estudi i un fantàstic directe, Four Way Street, el 1.971, i a partir de 1.976 comença ja una carrera en solitari, que ens ha deixat ni més ni menys que 33 disc en estudi, 8 en directe, dos B.S.O i un recopilatori.

Harvest Moon és el seu disc del 1.992, i en destaca el tema que li dóna títol, una preciosa balada, que escoltem en una versió “Unplugged”, en solitari, i després en un concert a Ohio, on Eddie Vedder va pujar a l’escenari per acompanyar-lo.

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El canadiense Neil Young es ya un mito del rock americano y ha influido en multitud de grupos de los 80 hasta nuestros días, un caso claro es el de Pearl jam, ya que los de Seattle no se cansan de homenajearle interpretando en sus conciertos algunos de sus temas, o The Mission, quienes versionaron en su segundo disco, Like A Hurricane.

Asimismo, en su disco, MIrror Ball, publicado en 1.985, Pearl Jam actua como grupo de acompañamiento de Young, consiguiendo un disco realmente brillante.

La carrera de Young se inicia en 1.967 como miembro de Buffalo Springfield, con quienes graba 3 discos, a continuación, con otro miembro del grupo, Stephen Stills, se une a David Crosby y Graham Nash, fundando Crosby, Stills, Nash & Young, quienes graban 3 discos en estudio y un fantástico directo, Four Way Street, en 1.971, y a partir de 1.976 empieza una carrera en solitario, que nos ha dejado ni más ni menos que 33 discos en estudio, 8 en directo, dos B.S.O. y un recopilatorio.

Harvest Moon es su disco de 1.992, y destaca el tema que le da nombre, esta preciosa balada, que escuchamos en una versión “unplugged” en solitario, y luego en un concierto en Ohio donde Eddie Vedder subió también al escenario para acompañarle.

 NEIL YOUNG

NEIL YOUNG & EDDIE VEDDER - TOLEDO (OHIO)

Come a little bit closer
Hear what I have to say
Just like children sleepin’
We could dream this night away.

But there’s a full moon risin’

Let’s go dancin’ in the light
We know where the music’s playin’
Let’s go out and feel the night.

Because I’m still in love with you
I want to see you dance again
Because I’m still in love with you
On this harvest moon.

When we were strangers

I watched you from afar
When we were lovers
I loved you with all my heart.

But now it’s gettin’ late
And the moon is climbin’ high
I want to celebrate
See it shinin’ in your eye.

Because I’m still in love with you
I want to see you dance again
Because I’m still in love with you
On this harvest moon.

Lletres extretes de la magnífica plana web www.songlyrics.com

Coming up,  tercer trabajo de los Suede (o London Suede, como gusten llamarlos) fué lanzado en el año 1996, y es a mi entender el disco “feliz” de esta, en sus origenes, prometedora banda londinense liderada por el carismático y en un primer momento andrógino Brett Anderson, cara más visible del grupo. Para muchos son los verdaderos abanderados del brit pop de los 90, pues llegaron en pleno dominio de las bandas americanas en las radios inglesas, lo cual explica lo esperanzador de su acogida. Beautiful ones es quizas la canción más conocida de este su album más vendido, y coincidentemente la más recurrente para mí; melódica y enérgica, guitarras cumplidoras y un interpretación al máximo nivel. Aunque cueste un poco, hay que reconocer que este fué el inicio de la debacle, pues poco a poco fueron perdiendo el brillo de sus dos primero trabajos: Suede (1993) y Dog Man Star (1994), hasta perderlo por completo en los discos posteriores a este, lo que originó su apresurada disolución en el 2003, a mi modesto entender, por la recurrente y erronea idea de querer trascender a costa de todo, inclusive de uno mismo. Igual, los buenos recuerdos son los que siempre tendrán espacio en nuestra memoria, y es ahí donde ellos ya tienen su sitio. Cuelgo  el video de una presentación en vivo en Munich porque el video si no lo recuerdan es bastante aburrido.

BEAUTIFUL ONES - SUEDE

Hi ha molts grups que milloren substancialment en directe, i Garbage és un d’ells.

Les seves gravacions en estudi gaudeixen d’una producció perfecta, exquisida diria jo, fruit de molts anys d’experiència de Butch Vig i Duke Eriksson produint altres grups, però en directe, la seva proposta s’endureix i embrut, per el que s’han guanyat a un nombrós grup de fans a tot el món, que aprecien aquest rock més contundent i menys tecnológic dels seus directes.

En teniu una mostra amb aquest tema del seu primer disc, titolat Vow i que és un dels moments àlgids als seus concerts. Veieu el video comercial del tema, i una actuació en directe a Dusseldörf, l’abril del 1.996, en una de les seves primeres gires.

M’encanta també la lletra d’aquest tema, que ens parla de l’amor com una droga de la que no podem passar.

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Hay muchos grupos que mejoran sustancialmente en directo, y Garbage es uno de ellos.

Sus grabaciones en estudio gozan de una producción perfecta, exquisita diría yo, fruto de muchos años de experiencia de Butch Vig y Duke Eriksson produciendo a otros grupos, pero en directo, su propuesta se endurece y ensucia, por lo que se han ganado a un numeroso grupo de fans a todo el mundo que aprecian este rock más contundente y menos tecnológico de sus directos.

Tenéis una buena muestra con este tema de su primer disco, llamado Vow y que suele ser uno de los momentos cumbres en sus conciertos. Os pongo el video comercial del tema, y una actuación en directo en Dusseldörf en abril del 1.996 en una de sus primeras giras.

Me encanta especialmente la letra de este tema, que nos habla del amor como una droga sin la que no podemos pasar.

VIDEO ORIGINAL:

LIVE DUSSELDÖRF 7 ABRIL 1.996:

I can’t use what I can’t abuse
And I can’t stop when it comes to you

You burned me out but I’m back at your door
Like Joan of Arc coming back for more

I nearly died
I nearly died
I nearly died

I came to cut you up
I came to knock you down
I came around to tear your little world apart
I cam to shut you up
I came to drag you down
I came around to tear your little world apart
And break your soul apart

You burn and burn to get under my skin
You’ve gone too far now I won’t give in
You crucified me but I’m back in your bed
Like Jesus Christ coming from the dead

I nearly died
I nearly died
I nearly died

I came to knock you up
I came to cut you down
I came around to tear your little world apart
I came to rip you up
I came to shut you down
I came around to tear your little world apart
And break your soul apart

I nearly died
I nearly died
I nearly died

I came to cut you up
I came to knock you down
I came around to tear your little world apart
I came to shut you up
I came to suck you down
I came around to tear your little world apart
Tear your little world apart
Tear your little world apart
And break your soul apart

I can’t stop when it comes to you
I can’t stop when it comes to you
When it comes to you
When it comes to you.